Cellophane Sounds

Playlist - Janvier 2012

2012-01-18T20:32:00.000+01:00

Shampoo - Bouffant Headbutt

Elastica - S.O.F.T

Dame Shirley Bassey - Big Spender

Hole - Celebrity Skin

Goldfrapp - Strict Machine

Liza Minelli - Mein Herr

Le Tigre - Deceptacon

Siouxsie And The Banshees - Spellbound

New Young Pony Club - Chaos

The Shangri-Las - Dressed In Black

The Long Blondes - Another Weekend Without Makeup

Blondie - X Offender

Robots In Disguise - Turn It Up

Nancy Sinatra - These Boots Are Made For Walking

Amy Winehouse - Will You Still Love Me Tomorrow (2011 version)

Queen Bitch from ChloeThunders on 8tracks.

Manic Street Preachers - O2 Arena (London) - 17.12.11

2012-01-03T23:12:00.000+01:00

Impossible n’est pas Gallois. Éternels outsiders, les Manic Street Preachers ont la réputation d’aimer les challenges fous. Devenir numéro un des charts avec une chanson sur la guerre civile Espagnole ? Jouer devant Fidel Castro ? Faire s’étouffer la BBC en y chantant en direct « fuck the Queen and country » ? No problemo. Plus c’est dingue, plus ça les tente ! Pour fêter la sortie de la compilation National Treasures, le groupe s’est imposé un défi tout aussi casse-gueule : remplir l’O2 Arena (20000 places) et y jouer l’intégralité de ses singles, soit 38 titres, d’affilée. Un véritable marathon musical, mais après tout, les Manics ne survivent-ils pas depuis déjà 23 ans ?

Quiconque a déjà assisté à une tournée des Manics sait à quel point le concert en lui-même ne représente qu’une partie du plaisir qu’on peut trouver à les voir. Il y a tous ces rituels pré-concert : préparer la tenue idéale des semaines à l’avance, aller « queuer » à des heures indécentes pour s’assurer une place à la barrière, se maquiller à même des trottoirs glacés et déconcerter les passants… Cette fois-ci le manque de temps, les trains annulés par la tempête, et des individus peu scrupuleux ont bien failli remettre tout cela en question. Mais lorsqu’enfin, accrochée à la barrière de l’impressionnante O2 Arena, je fais une ultime retouche de rouge à lèvres, je réalise que tous les retards de train du monde ne pourraient me voler la joie qu’il y a d’être ici et maintenant, prête à y voir ce groupe qui est presque tout pour moi depuis des années.

Des dizaines de classiques de Noël à la sauce Motown plus tard, l’immense rideau argenté s’ouvre enfin sur Speed Of Life de Bowie, et révèle un décor absolument féérique et girly à souhait, digne d’une comédie musicale du West End. Aurais-je par erreur acheté un ticket pour Priscilla Folle Du Désert ? Denise et son chien, déjà rencontrés plus tôt, y côtoient un singe pailleté pendu aux branches de cerisiers en fleurs illuminés, référence évidente (les cerisiers, pas le singe) à Richey Edwards, dont la présence bienveillante accompagnera le groupe tout au long du concert. Et enfin nos trois chers Valley Boys, sur leur 31 pour l’occasion, font leur entrée sur scène.

Commencent alors trois heures de folie, de souvenirs joyeux ou mélancoliques, de grands moments de rock ‘n roll et d’émotions incontrôlées. La carrière musicale du trio étant aussi diversifiée et chaotique que leur vie en tant que groupe, cette soirée est l’occasion de passer en revue les grandes heures des Manics comme les années les plus obscures. Et le contraste est d’autant plus jubilatoire que toujours surprenant.

Il y a d’abord les valeurs sûres : Motorcycle Emptiness, You Love Us, Faster, qui à tous les coups font chanter la foule entière à en faire trembler tout Greenwich. Des milliers de doigts pointés vers la scène rythment alors ces paroles aujourd’hui devenues classiques, pourtant écrites par deux gamins à peine sortis des jupes de Maman. De quoi permettre aux vieux fans de se souvenir des « good old days », et aux plus jeunes de réaliser, que vingt ans avant eux, des garçons ordinaires et sortis de nulle part ont ressenti les mêmes angoisses, les mêmes tourments.

Viennent ensuite des petits miracles tels Love’s Sweet Exile ou Revol, titres joués tellement rarement, et pourtant puissants comme des bombes à neutrons, anéantissant tout espoir de sortir de ce concert vivant. Les premiers malaises surviennent, je risque de mourir écrasée contre une barrière ou assommée par des slammeurs, mais qu’importe, c’est tellement bon.

Certains singles un peu mauvais, résultats d’erreurs marketing ou de simples passages à vide, se révèlent être de belles surprises, telles Ocean Spray et sa magnifique nouvelle intro à la trompette, ou la récente This Is The Day d’apparence assez fadasse, et qui ce soir prendra un tout autre sens, notamment grâce au clip assez émouvant qui l’accompagne sur écran géant. Certains titres (Empty Souls, There By The Grace Of God), pourtant pas si mauvais, sont eux quelque peu décevants, peut-être par manque de bonne volonté du groupe. Et puis il y a les chansons qui devraient définitivement, éternellement, rester au placard : Indian Summer, The Love Of Richard Nixon…

Évidemment, ces quelques coups de mou n’enlèvent rien à la liste impressionnante de tubes que les Manics ont produits et joueront ce soir : If You Tolerate This Your Children Will Be Next, Stay Beautiful, From Despair To Where, Masses Against The Classes, Roses In The Hospital… pour n’en citer que quelques uns.

Enchaînant les titres à une vitesse éreintante, le groupe n’est pas mécontent de faire une brève pause après une heure et demie de concert. Pour ensuite reprendre de plus belle.

Présents pour l’occasion, Gruff Rhys des Super Furry Animals, puis Nina Persson des Cardigans, bien que fort sympathiques et appréciés du public, peinent à voler la vedette au groupe que tout le monde est venu voir. Invités pour chanter respectivement sur Let Robeson Sing et Your Love Alone Is Not Enough, ils n’ont pas réussi à marquer ce concert déjà en soi assez épique.

Bien entendu, Nicky Wire profita de ces trois heures de concert pour se la jouer Lady Gaga, et changer pas moins de trois fois de tenue, la dernière fois en enlevant carrément son jean sur scène, pour le plus grand plaisir des demoiselles du premier rang… Il finira le concert en robe à fleurs, des paillettes sur la figure et une crampe à l’épaule. Un jour normal pour Wire.

Trois heures plus tard, alors que nous sommes passablement épuisés, physiquement et moralement, et après un dernier Motown Junk de folie, l’éternelle Design For Life se charge de nous achever. Plus que jamais, la foule porte les mots de cet hymne working-class comme un seul homme, et malgré nous, l’émotion est si forte, le sentiment d’appartenir - enfin - à quelque chose de plus grand que nous est si intense, qu’on assiste à une sorte de communion, quasiment d’hystérie collective, et c’est si unique, si puissant, qu’aucun mot ne pourra jamais faire réellement justice à ce moment.

Comme à chaque fin d’ère dans le groupe, une partie du décor ainsi que la basse de Nicky finit en miettes. Il neige des confettis aux couleurs du Pays de Galles. Nous pleurons tous, dégoulinants d’amour et de mascara.

C’est peut-être ça, la magie de Noël.

Playlist - Rock'n'Roll Christmas

2011-12-24T00:11:00.005+01:00

Une playlist de Noël pour ceux qui détestent les chansons de Noël:

Little Drummer Boy – The Dandy Warhols

Frosty the Snowman - The Beach Boys
La Fille du Père Noël – Jacques Dutronc
Santa Baby - Kylie Minogue
Christmas Time (Don't Let The Bell Ends) – The Darkness
Please Daddy (Don't Get Drunk This Christmas) – The Decemberists
Merry Xmas Everybody - Slade
A Christmas Duel - The Hives & Cyndi Lauper
The Ghost of Christmas – Manic Street Preachers
Merry Christmas (I don't Wanna Fight Tonight) – The Ramones
Come On Santa – The Raveonettes
Last Christmas – Wham!

Pris - The Better You Look The More You See

2011-12-23T03:27:00.005+01:00

« I don't give a damn about my bad reputation », telle pourrait être la devise de Pris. Ou plutôt « je cultiverai ma mauvaise réputation jusqu'à ce que l'industrie musicale toute entière me déteste», tant ces demoiselles se plaisent à tirer sur tout ce qui bouge en affichant une attitude de punkettes en fourreaux rose bonbon. Si l'on devait donc résumer Pris en une image, ce serait celle d'une petite sœur arrogante qui dit à tout le monde d'aller se faire voir en mâchant son chewing-gum avant de monter dans sa chambre pour écouter les Buzzcocks.

De ce groupe nous savons finalement peu de choses, si ce n'est que leur nom vient du personnage interprété par Daryl Hannah dans Blade Runner et qu'il a d'ores et déjà déclaré la guerre au rock ennuyeux, hype ou geignard que la chanteuse Cat Gordon dézingue à tout va. Visiblement passées directement des poupées Barbie aux Sex Pistols, ces fans des Manic Street Preachers cultivent l'art de la missive très fleurie et partagent les mêmes goûts et influences que leurs aînés (The Clash, Bret Easton Ellis, 37°2 le Matin ou l'imprimé léopard) même si leur musique n'a pas grand chose à voir avec celle des gallois.

Tantôt agressives, tantôt aguicheuses, ces anglaises empruntent, en vrac, aux girls groups des années 60, au punk, aux reines du mainstream et surtout à Blondie dont l'influence se fait clairement sentir sur les deux titres de ce premier EP, The Better You Look The More You See et Blu Tack Baby. Un tour sur leur page Facebook s'impose pour découvrir d'autres morceaux plus pop comme True Romance, Guessed You Would be Depressed, Breaking Hearts and Giving Up et sa rythmique très Slitsienne, ou encore leur reprise de Don't Call Me Baby de Madison Avenue, tube qui connut son heure de gloire au début des années 2000.

Ces cousines des pestes peroxydées de Shampoo utilisent tous les clichés rock'n'roll, s'en amusent et semblent avoir pour seule ambition d'être un véritable remède contre l'ennui, projet parfaitement louable au moment où le rock britannique n'a jamais été aussi soporifique et conformiste. Nous savons déjà que leur prochain single, A Bomb In White Heat, attaquera les hipsters de l'est londonien. Beaucoup les détesteront et crieront au manque de consistance, les autres sortiront paillettes et eye-liner et savoureront les hymnes adolescents de Pris comme des sucreries bien méritées en ces temps un peu trop gris.

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Hurts (+ Niki And The Dove + Jess Mills) - Brixton Academy (Londres) - 4.11.11

2011-11-18T23:53:00.010+01:00

Enfin ! Un an et demi après avoir découvert ce groupe, après les avoir ratés au Trabendo pendant que je pleurais sur le trottoir de la Brixton Academy parce que les Manics avaient annulé leurs dates londoniennes, après qu’ils aient annulé leur date parisienne au Trianon, j’ai enfin pu capter Hurts sur scène lors de leur dernière date de deux ans de tournée et comme vous allez voir, je n’ai point été déçue.

Ne sachant à quelle heure aller “queuer” (dilemne de toute fangirl), j’avais décidé d’y aller vers midi, le sort en décidera autrement : réveillée plus tôt, préparée plus tôt et le bus ayant été rapide, me revoici devant la Brixton Academy (lieu magique, plus là-dessus plus loin) à 10h30 et déjà deux Finlandaises sont là depuis une petite heure. Un Écossais, une Suédoise et une Danoise arriveront une demi-heure après, suivi d’un tas d’Allemandes (que je remercie pour la révision gratuite d’insultes dans la langue de Goethe au passage). Vers midi et demi, on déménage le long de l’Astoria Walk dans les deux queues, l’une, prioritaire, pour les clients O2, où je m’installe et une autre pour les autres.

Vers 19h, la sécu nous laisse rentrer et après l’habituel slalom entre les mini-barrières, me voici au premier rang, au milieu légèrement décalée sur la droite, espérant être au bon endroit devant mon chouchou Adam.

19h30, le premier groupe de première partie, Niki & The Dove, monte sur scène. Il s’agit d’un groupe suédois à tendance électronique composé de Malin Dahlström au chant et de Gustaf Karlöff au synthé accompagnés d’un batteur pour l’occasion. Ayant écouté quelques morceaux sur leur MySpace, je pensais passer un bon moment, hélas, la balance était mauvaise et le son qui nous arrivait était aussi ép

ais d’un paquet de Krisprolls, de plus j’ai trouvé que Malin abusait du vocoder (n’est pas Goldfrapp qui veut) et que finalement, leurs chansons étaient très répétitives. Heureusement que leur look m’a donné matière à concentration pour éviter de m’endormir sur la barrière : Malin portait une magnifique combinaison rose à motif léopard qu’elle avait assortie avec de saillants mi-bas tout aussi léopardisés, plus une collection de chaînes dorées sur les épaules, que ses comparses portaient aussi. Ajoutez à celà des paillettes sur le visage et les mains ainsi qu’une crinière blonde vraiment abîmée et je lui trouve facilement le surnom de fille cachée de Nicky Wire (mauvais cheveux, maquillage à paillettes appliqué à la truelle et léopard) et de Alison Goldfrapp (la blondeur, le vocoder, etc.).

Dieu que j’étais contente (ainsi que mes oreilles) quand ils ont quitté la scène et que le matériel de Jess Mills (la deuxième première partie) a été installé.

Ne la connaissant ni d’Eve ni d’Adam, elle a été ma découverte de la soirée, à commencer par le “WOW !” qui m’est sorti de la bouche quand elle est rentrée sur scène. Elle est effectivement magnifique, surtout dans la robe qu’elle avait choisie, sorte de t-shirt moulant géant anthracite. J’ai beaucoup aimé, voire adoré, son set, très électro (un synthé et une batterie uniquement l’accompagnent) avec un côté sombre comme j’aime. Elle propose le téléchargement gratuit de son excellente reprise de A Forest des Cure sur son site (même Robert Smith en est fan). Elle sait également manier un public, nous sommes tous en train de sauter et taper dans les mains à la fin de sa prestation.

Plus qu’une demi-heure me sépare de Hurts et hop déjà une mini-crise d’apoplexie quand je me rends compte que je suis DEVANT le piano d’Adam, calcul parfait ! Six roses blanches sont installées en pyramide dessus et j’espère bien en attraper une !

21h15 : l’intro retentit, le batteur Paul, le claviériste, le bassiste, et un ensemble à cordes (violons, violoncelle, harpe) de cinq jeunes filles montent sur scène, suivis de deux danseuses brandissant chacune un drapeau, vêtues d’un long manteau noir à capuche, on distingue à peine leur visage. Finalement, viendront Theo Hutchcraft et Adam Anderson sous les acclamations du public. Stoïques, ils resteront immobiles jusqu’à la fin de l’instrumentale avant un “Bonsoir Brixton !” de Theo.

Les gens pensent à tort que Hurts sur scène, c’est un gars qui couine devant son micro et son pote derrière son synthé, or c’est un tout autre programme qu’ils nous réservent ce soir. Effectivement, c’est un vrai spectacle me rappelant Depeche Mode qui va se dérouler sous mes yeux.

Ils lancent la soirée avec Silver Lining, qui est également la première chanson de leur album Happiness, ressorti quelques jours auparavant en édition deluxe avec démos, faces B, leur chanson de Noël de l’année dernière ainsi qu’un DVD rassemblant tous leurs clips et leur concert de Berlin. Suivra Wonderful Life, leur tube, et les danseuses (qu’on avait un peu laissées dans leurs coins respectifs de la scène) se défont de leur manteau pour laisser apparaître leur robe en dentelle noire emblématique (vous les trouverez dans la plupart de leurs clips - ce qui explique le nombre de personnes dans le public portant de la dentelle, moi la première) et se lancent dans leur danse toute aussi emblématique.

Happiness, la chanson éponyme de l’album (qui ne se trouvait jusqu’ici pas sur l’album - vous suivez ?) nous fera bien danser et Blood, Tears and Gold bien pleurer avant Evelyn ne lance réellement le show. En plus d’être ma préférée du groupe, elle permet à Adam de se dégager de derrière son synthé pour empoigner sa guitare et se laisser aller à de la bromance (au plus grand bonheur des filles et gays du premier rang) en se rapprochant de plus en plus de Theo en hurlant “Come on!”. Un jour finira où ils nous feront des petits sur scène. Theo, plus déchaîné que jamais, se met à briser son pied de micro, moment très impressionnant quand on est près de la scène et qu’on entend réellement les bruits de casse. Ils enchaînent sur Sunday, encore un moment bien rythmé sur lequel on peut brailler, pardon, chanter à tue-tête, les paroles (et se rappeler du clip au côté S&M qui va avec la chanson).

Petite pause durant laquelle le duo quitte la scène et laisse la place aux danseuses qui ont mis une combinaison intégrale toute en dentelle, un tutu noir et des rubans rouges attachés aux poignets.

Le duo revient pour une séquence plutôt lente de plusieurs chansons, en commencant par Verona, le morceau (pas très) caché de l’album. Moi qui n’était pas super fan de celle-ci, je dois avouer qu’elle m’a donné la chair de poule (les larmes de Theo et d’Adam maintenant et plus tard n’ont pas aidé non plus). C’est dommage que Richard, leur chanteur d’opéra, ne soit plus avec eux, car l’effet n’aurait été que meilleur. En contrepartie, Theo m’a regardé droit dans les yeux durant le moment où il chante “From the first time that I saw you, Verona, I knew, That tomorrow would be different, With a lady like you”, ce que j’ai trouvé très craquant. En tout cas, que ce soit lui ou Adam, ils ne font pas semblant quand ils regardent quelqu’un et on sait exactement que c’est nous qu’ils regardent. Mother Nature, face B de Better Than Love, a été interprétée d’une manière très dépouillée que j’aime beaucoup.

C’est là que la magie de la Brixton Academy a encore opéré, tandis que le groupe fait Unspoken (“la première chanson qu’on ait écrit en duo”), me voici en pleurs ! Suivra Devotion, la chanson qu’ils ont enregistrée en duo avec Kylie Minogue... qui apparaît sur scène sous nos yeux ébahis (deuxième crise apoplexie pour moi avec des “Oh my God !” en boucle). Comme j’ai pu le lire sur internet, on peut ne pas être méga-fan d’elle (elle trouve le moyen de jouer avec la plupart de mes groupes préférés, je suis un peu obligée de l’aimer - j’aime particulièrement son duo avec Nick Cave) mais ce moment-là restera gravé longtemps dans nos mémoires ! En tout cas, elle est effectivement extrêmement petite, même avec des talons d’au-moins 12 cm, elle arrivait un peu au-dessus de l’épaule de Theo.

C’est rayonnante de bonheur qu’elle reste sur scène pour l’interprétation de sa chanson Confide In Me (que je possède bizarrement en single depuis sa sortie en 1994) que le groupe a intégré à son set pratiquement depuis leurs débuts. Elle en profite pour taper la bise à Adam et moi, je rêve de prendre sa place. Les danseuses reviennent également, toujours vêtues de leurs combinaisons et portant sur la tête une couronne de plumes particulièrement affreuse.

Adam reprend sa guitare pour faire la sérénade à Theo sur la chanson Affair, face B de Wonderful Life, très beau moment encore une fois. Ensuite, Theo nous demande d’allumer tous nos portables afin de faire une ribambelle de lumières pour Illuminated et je dois avouer que l’effet était plutôt pas mal. “C’est notre dernière chanson” suivit de “Nooooooooon” du public introduira Stay, favorite des fans en live qui émeut encore une fois Theo et qui se finit par un rideau de feux d’artifice magnifique. Le duo quitte la scène mais pas le reste du groupe.

Le rappel débute par The Water, encore une fois, chanson dont je n’étais pas fan qui passe très bien sur scène (avec encore plus de larmes de Theo et Adam) et Better Than Love, la chanson qui m’a fait découvrir le groupe durant l’été 2010 qui dépote encore plus en live, particulièrement avec les quatre pétards lancés du côté de la scène qui ont failli me tuer de peur. Theo lance la dernière rose, qu’il ne manque pas d’embrasser avant, et je la rate encore (mais je suis recouverte de pétales). Le groupe nous remercie chaudement (un message du même type apparaîtra quelques jours plus tard sur leur site officiel et les réseaux sociaux) et quitte pour de bon la scène. Ils sortiront très brièvement après le concert pour partir très rapidement à la soirée de fin de tournée chez Armani (normal pour Hurts).

Pour un baptême de Hurts, il a été du tonnerre ! Il me tarde de les revoir (en espérant aimer leur deuxième album) et de passer des moments aussi magiques que cette soirée du 4 novembre 2011 m’a donné.

Texte: Ann'So

Liens:

Niki & The Dove : www.nikiandthedove.com

Jess Mills : www.jessmills.co.uk/

Hurts : http://www.informationhurts.com

Mes photos : https://picasaweb.google.com/105433196878380857175/Hurts#

Playlist - Novembre 2011

2011-11-08T13:03:00.000+01:00

The Veils - Sit Down By The Fire

Leonard Cohen - Famous Blue Raincoat

Autumn Leaves - Theme To The Autumn Leaves

Bob Dylan - One More Cup Of Coffee

The Beatles - Norwegian Wood

Antony And The Johnsons - Soft Black Stars

Boy Cried Wolf - The Firebrand

Patrick Wolf - This Weather

The Coral - Walking In The Winter

John Cale - The Endless Plain Of Fortune

The Soundtrack Of Our Lives - A Room Without A View

James Vincent McMorrow - Follow You Down To The Red Oak Tree

Travis - Indefinitely

Chapel Club (+ Elephant + Other Lives) - Shepherd's Bush Empire (London) - 18.10.11

2011-10-26T20:40:00.003+02:00

Ce mardi 18 octobre 2011 a vu mes retrouvailles avec Chapel Club après leur première partie de Suede en mai dernier. C’est vers 17h que je m’approche du Shepherd’s Bush Empire pour voir que personne ne faisait la queue, je décide donc de la commencer. Une demi-heure plus tard, une fille arrive en me scrutant, il s’avèrera qu’elle est française et en prime ma voisine d’Eurostar la veille ! À 19h presque pétantes, la sécurité ouvre les portes et nous laisse entrer. Je découvre donc l’intérieur de cette salle mythique et première surprise, la fosse est toute petite ! En effet, l’Empire est plus en hauteur (3 balcons) qu’en largeur, malheureusement pour le groupe, seul le premier balcon est ouvert.

19h45, Elephant entre en scène. Ce duo londonien composé de Amelia Rivas au chant (apparemment à moitié française) et de Christian Pinchbeck à la guitare et au synthé est accompagné par un troisième gai luron au synthé dont je n’ai pu trouver le nom. Faisant de la synthpop, ils gagnent rapidement mes faveurs, même s’il y a une impression de pas fini dans leurs chansons, comme s’ils n’étaient pas allés plus loin que le stade de la démo. La sensuelle Amelia a une belle voix qui tend dans les graves mais la malheureuse n’a pas vraiment pu se lâcher, malade, elle ne cessait de boire entre les chansons (voire pendant). Habillée d’une petite robe noire classique, son tatouage d’un grand-bi qui semble tout droit sorti du Prisonnier sur son bras droit est sa seule fantaisie comparé à Christian, flamboyant en jean plus-skinny-que-ça-tu-meurs, un pull tricoté par sa grand-mère bleu ciel avec un chat blanc dessus, un magnifique collier peut-être chipé à Amelia et le clou, des baskets en toile plus-trouées-que-ça-c’est-des-tongs. À côté de cela, le deuxième blondinet semble presque correct avec son t-shirt “Nice. France” et ses baskets montantes tout droit sorties de Retour vers le futur et ses pas de danse qui vont avec. Ceci dit, c’est un groupe à suivre, et n’ayant pu acheter leur EP suite à rupture de stock, je l’ai précommandé.

45 minutes plus tard, c’est une toute autre atmosphère qui s’est installé avec Other Lives venus avec tous les instruments possibles et imaginables : un énorme tambour, deux violons, un violoncelle, trois synthés, un orgue à soufflet (ou peu importe comment s’appelle cette machine), deux xylophones, une basse, une batterie, deux ou trois guitares et alors qu’on n’en pouvait déjà plus, voilà qu’ils nous sortent des castagnettes, des tambourins faits en bois de cerf avec des clochettes et même un harmonica ! Ce sont biens des Américains, bien barbus, bien terre à terre. À vrai dire, je n’ai pas trop prêté attention à la musique, tellement j’étais subjuguée par le nombre d’instruments déployés devant moi (et que je luttais contre le regard du chanteur pas franchement joli posé sur moi), mais ce n’est pas vraiment ma tasse de thé. Il faut cependant reconnaître qu’ils ont tous (à l’exception du batteur, forcément) joué de trois ou quatre instruments (voire six pour la fille), ce qui n’est pas acquis pour tout le monde. Après leur set, j’arrive à retrouver Linn, grande avocate du groupe rencontrée sur Twitter, qui s’installe à la barrière à mes côtés.

21h30, les voici enfin mes nouveaux petits chouchous ! Pour continuer dans le thème “animal” de la soirée (j’abordais moi-même un magnifique zèbre sur mon t-shirt), Lewis portait une chemise avec des tigres dessus. La déco est minimaliste à souhait (une sorte de guirlande de Noël avec de grosses ampoules), mais comme les lumières sont même plus sombres que celles de BRMC, cela ne pose pas de problème. Sur cette dernière tournée avant le deuxième album, le groupe nous propose deux sets, le premier constitué de nouvelles chansons donc certaines n’ont que trois semaines d’existence et le deuxième constitué de chansons extraites de leur album Palace et leur EP Wintering.

Le premier set comprend 6 chansons dont j’en connaissais déjà deux, New Colours et Shy, de vidéos glânées sur le net de leurs passanges en festivals cet été. Beaucoup plus entraînantes que ce qu’on peut trouver sur leur premier album, elles montrent un changement de direction qui me va plutôt bien vers l’électro avec Michael (qui avait rangé ses mocassins à glands et sorti ses Creepers) et Alex qui délaissent leurs guitares pour des petits synthés, de plus Liam le bassiste nous sort quelques notes de melodica qui me rappellent Damon Albarn et Lewis part dans une tessiture aiguë inhabituelle mais finalement très belle. Il chante également avec beaucoup d’intensité, ce qui fait qu’on a du mal à détourner son regard de lui.

C’est avec de gros applaudissements que le public salue ce set que le groupe enchaîne directement par Depths et leur single Surfacing. Lewis a dédié Blind à sa grand-mère présente dans le public, qui apparemment voyait le groupe sur scène pour la première fois. Il a dédié la chanson suivante, Roads, à Linn, qui me parlait et du coup a raté sa dédicace avec en prime Lewis s’en est aperçu ! (“Je voudrais dédier cette chanson à quelqu’un qui nous a beaucoup soutenu et qui s’en fiche puisqu’elle parle à son amie !” OOPS !) Ann’So et l’art de passer inaperçue au premiers rangs des concerts...

Le public semble avoir été conquis par ce concert, même si je suis restée sur ma faim, j’ai effectivement trouvé ce concert trop court, mais très bon, donc l’équilibre n’est pas rompu. Il me tarde d’écouter ce deuxième album prometteur.

Texte : Ann'So.

Elephant: http://www.myspace.com/elephanttheband

Other Lives: http://otherlives.com/

Chapel Club: chapelclub.com

The Ritas - Silent Protest EP

2011-10-15T23:10:00.000+02:00

Elles sont deux, ont le courage d’habiter l’infernale Birmingham, elles sont aussi dotées d’un humour redoutable et de références en béton : alors forcément The Ritas nous ont plu dès le début. Se décrivant elles-mêmes comme d’ultimes fangirls, amoureuses de littérature, de gin, et des années 50, elles pourraient être nos lointaines cousines. Le charme des Ritas tient d’abord dans leurs contradictions : garage band au look rockab', le duo cite aussi bien Sainte Thérèse de Lisieux qu’Elisabeth Taylor, et s’adonne avec autant de plaisir aux reprises des Smiths qu’aux expérimentations électros.

Lorsqu’Olivia Sparrow rencontre Helen Highwater, les deux jeunes femmes partagent une coupe de cheveux et des goûts musicaux similaires. La création du groupe est signée à l’eyeliner, et comme tous les duos anglais formés après 1986, The Ritas se mettent à rêver de devenir les nouvelles Morrissey et Marr. Avec l’EP Silent Protest, prévu fin octobre chez Dufflecoat Records (un nom aussi sympathique, ça ne s’invente pas), le groupe fait enfin le premier pas dans la concrétisation de cette ambition folle.

La chanson éponyme de cet EP évoque tout d’abord cette indie britannique de la fin des eighties qui nous est si chère, avec ses lignes mélodieuses et un peu amères, ce son brut et dépouillé, ses guitares volontairement maladroites. Pour être franc, Silent Protest n’aurait pas fait tache sur la cultissime cassette C86.

How Wrong I Was déboule ensuite comme un pamphlet riot grrrl, imparfait et rugueux et souhait. Ça tire dans tous les coins, et ça fait un bien fou. Sur Glitter & Doom, The Ritas conservent leur ironie, mais la déclinent de façon plus sombre, en s’attaquant à ces clichés pour lesquels on plaide volontiers coupable, à savoir ce confort qu’il y a parfois dans le désespoir, et son côté superficiel aussi…

Pour finir, leur reprise de Jeane des Smiths réussit l’exploit de réinventer la chanson en profondeur : elle y gagne en mélancolie et en féminité, tout en respectant le phrasé inimitable de Morrissey. Une vraie belle surprise qui prouve que ces filles maîtrisent leurs classiques, et ont de la suite dans les idées.

Comptez sur nous pour ne pas perdre ces deux pin-up de vue...

The Ritas: site officiel.

Playlist - Octobre 2011

2011-10-01T22:12:00.001+02:00

The Cutter – Echo & The Bunnymen

If I Had A Gun – Noel Gallagher's High Flying Birds

Hindsight – Built to Spill

Fall On Me – REM

Junk Shop Clothes – The Auteurs

Thru' The Flowers – The Primitives

Devils Hearts Grow Cold – La Sera

Miranda – Surfer Blood

Between The Bars – Elliott Smith

Take It As It Comes – Vivian Girls

Animal – Jenny and Johnny

Take Care of My Baby – Dum Dum Girls

Life In Vain – Daniel Johnston

Your Sister's Clothes – Pulp

Asleep – The Smiths

Playlist - Septembre 2011

2011-09-01T14:34:00.001+02:00

Adam And The Ants - Prince Charming

Suede - Beautiful Ones

Echo & The Bunnymen - Nocturnal Me

David Bowie - Oh! You Pretty Things

The Auteurs - The Upper Classes

Oasis - The Importance Of Being Idle

Brett Anderson - Thin Men Dancing

The Rocky Horror Picture Show - Sweet Transvestite

The Divine Comedy - Bang Goes The Knighthood

The Smiths - This Charming Man

Patrick Wolf - The Libertine

Roxy Music - Do The Strand

IAMX - President

T.Rex - 20th Century Boy

Upside Down - The Creation Records Story

2011-08-12T21:06:00.001+02:00

Lorsqu'un kid veut devenir une légende de la scène musicale indépendante, il a intérêt à tout miser sur ses riffs de guitare d'autant plus s'il veut faire entendre son talent depuis East Kilbride, ville banlieusarde écossaise qui semble être coupée du reste du monde. Alan McGee, un garçon du coin, a essayé. Rassemblés autour d'une même passion pour The Clash et PIL, il rencontre Bobbie Gillepsie à 15 ans et ensemble forment nombre de groupes. La reconnaissance ne venait pas mais être un autre garçon dans un groupe de plus valait mieux que de s'inscrire dans un job centre. Du talent Alan McGee en avait, celui d'être au bon endroit au bon moment. Il s'en est aperçu un soir en traînant près de Victoria Station à Londres où il est tombé sur les Television Personalities jouant devant quarante personnes. Face à eux, il a soudainement pris conscience qu'il ne voulait pas être dans le groupe mais qu'il voulait se l'approprier. De retour à Glasgow, il a décidé de co-fonder Creation Records. A partir de ce moment, cet amoureux de musique au goût expert sera à l'origine de bon nombre de nos groupes préférés pendant plus de 20 ans.

C'est dans un rockumentaire signé Danny O'Connor qu'Alan McGee a récemment délié sa langue. Avec ses principaux protagonistes à l'accent écossais à couper au couteau, Upside Down retrace les 17 années d'un label de légende. Cinq années et autres sacrifices ont été nécessaires pour convaincre Alan McGee de s'asseoir devant une caméra et parler. Exercice s'avérant difficile lorsqu'on a appris à briller dans l'ombre de groupes plus charismatiques. D'ailleurs, le premier à prendre la parole est Noel Gallagher racontant son voyage en train de Manchester jusqu'à Londres pour arriver dans les locaux de Creation Records et croire à une grosse blague. Au mètre carré, il n'avait jamais vu autant de dégénérés, de sociopathes, d'inadaptés. Pourtant la relation qu'Alan McGee tenait à entretenir avec ces gens là, fera le succès de son label.

A défaut du mouvement punk, produit des majors qui l'ont fait mourir aussi vite qui l'ont fait naître, la nouvelle scène musicale indépendante du début des années 80 a su elle mieux répondre à l'hécatombe du mainstream qui a touché la décennie 70 ne laissant le choix aux amoureux de musique qu'entre rock FM et rock FM. Le premier label indépendant Rough Trade fut un précurseur dans le genre. Grâce à lui, les charts indépendants sont nés et des groupes au son moins conventionnel ont pu exister. C'est dans cette initiative qu'une petite poignée de fans de musique se sont appropriés le droit de signer les groupes qu'ils aimaient écouter. Dans le lot, Alan McGee qui s'est installé en 1983 au Living Room, club de Tottenham, guettait le premier groupe qui allait faire émerger Creation Records. Après y avoir repéré The Loft, il emprunta 1000 pounds à une banque, enferma le groupe dans le plus cheap des studios et leur demanda de tout enregistrer en une seule fois. Back to basics, tel était l'essentiel. Cette manière primaire d'enregistrer n’aura pas gratifié le son de The Loft mais fera le succès d’un morceau qui mettra en marche la machine Creation Records. Six mois après leur formation, les Jesus And Mary Chain sortaient leur premier EP, Upside Down. Une bombe lâchée dans les charts indépendants. Le son saturé de ces trois minutes deux sera dorénavant la marque de fabrique du label. S'ensuivra l'album Psychocandy et l'on commencera tout doucement à parler de mouvement Shoegaze.

Bien plus qu'une histoire de musique, Creation Records c'était également une histoire d'attitude. Alan McGee haïssait les majors et prenait soin de signer les groupes qui auraient fait fuir tour à tour chacune d'entre elle. Dans une interview, Jim Reid clamait que sa guitare n'était pas faite pour jouer mais pour donner des coups. En 1985, lors d'un concert des Jesus And Mary Chain au North London Poly, le groupe a du interrompre son set après avoir provoqué une émeute. Dans ce chaos ambiant, Creation Records continuait à signer des groupes cruciaux. The House Of Love suivront puis Ride et ensuite My Bloody Valentine. Immédiatement supportés par la presse musicale anglaise, les groupes de Creation Records deviendront récurrents dans les charts indépendants. En 1989, dans le top trois des meilleures ventes, étaient successivement placés les albums de Primal Scream, My Bloody Valentine et Teenage Fanclub.

Très réticent à la nouvelle scène acid qui émergea de l'Haçienda puis de la Factory, Alan McGee s'est finalement laissé convaincre d'installer les bureaux de Creation Records à Manchester à la fin des années 80. Dans une interview accordée à Tony Wilson pour son émission So It Goes, il justifiait son choix en déclarant qu'à Manchester, on y trouvait les meilleures drogues. A cette époque Bobbie Gillepsie se détachera progressivement de la mouvance indie du label pour intégrer à la nouvelle musique de Primal Scream des éléments, notamment les beats de la scène acid. Screamadelica, l'un des plus importants album du label sera une référence à la toute nouvelle scène Madchester.

Aux début des années 90, les multiples excès au sein de Creation Records amèneront le label au bord de la faillite. McGee est obligé de vendre des parts à Sony. Mais 1993 sera une année cruciale au label. Il vient de signer Oasis. Le succès est immédiat et fulgurant. Creation Records est emporté dans le tourbillon de la Brit Pop. Le label s'installe à Primrose, quartier plus chic de Londres. Cependant, l'addiction d'Alan McGee aux drogues dures l'empêcheront de rester la main forte du label. Sony en profite pour donner une image plus saine au label. Le ménage est fait au sein de la Ginger Connection. (What's The Story), Morning Glory?, second album d'Oasis, se vend à plus de 20 millions d'exemplaires. L'Amérique comme le reste du monde sont conquis. Les gens de Sony ne seront obsédés que part une chose, réitérer le succès d'Oasis. Mais ni les Boo Radleys, ni le Super Furry Animals y arriveront. En 1996, les deux concerts donnés par Oasis à Knebworth Park marqueront à la fois l'apogée du label mais également le début de son effondrement. Alan McGee commence à ressentir une certaine aversion à l'égard de sa Creation. Les années suivantes, il se fait de plus en plus discret. En 2000, il décide de vendre le reste de ses parts à Sony et le label sera définitivement dissout.

Pour beaucoup, la fin du label sonnera le glas du véritable esprit indépendant. Les années 2000 auront vu la scène indépendante s'institutionnaliser. L'étiquette « indie » en perdra son sens initial. Elle n'est désormais prétexte qu'à beaucoup de groupes signés dans des majors à rechercher une certaine intégrité et à réconforter leur manque d'originalité. La génération Creation Records toute fois bien morte, nous aura au moins laissés une discographie sans le moindre faux pas.

Playlist Creation Records:

Adorable, Sunshine Smile

Saint-Etienne, Like A Motorway (alternative version)

Primal Scream, Loaded

Ride, Vapour Trail

My Bloody Valentine, Blown A Wish

Slowdive, Waves

Oasis, Bring It On Down

Felt, Rain Of Crystal Spires

The House Of Love, Christine

The Pastels, Baby Honey

Teenage Fanclub, Star Sign

The Weather Prophets, Like Frankie Lymon

The Telescopes, Celeste

The Jesus And Mary Chain, Happy When It Rains

Texte & Playlist : Annalisa Jablonska.

Playlist - Août 2011

2011-08-09T17:42:00.003+02:00

Laura - Girls

Vanesssa - Marion

William – Patrick Wolf

Alison – Pixies

Aisha – Death In Vegas

Catherine – Ulterior

Winona – Drop Nineteens

David – Viva Brother

Bernadette – I Am X

James – The Bangles

Therese – The Bodines

Elenore – The Turtles

Samantha – Hole

Georgia – Yuck

Grace - Supergrass

Shadowplay Festival - Courtrai Xpo (Belgique) - 24.07.11 (Jour 3)

2011-07-30T00:28:00.000+02:00

Jour 3

Bloody Dead And Sexy

Nous y sommes enfin, à cette foutue troisième journée qui promet d’être riche en émotions ! Encore un peu courbaturées et groggy des festivités de la vieille, nous n’arrivons qu’à 16h, juste à temps pour voir Bloody Dead And Sexy, groupe de rock allemand dont le nom me plaît bien. Si je les avais vu à l’âge de 18 ans, je les aurais vraisemblablement adorés, après tout j’ai moi aussi eu ma période emo, et le chanteur visiblement fan de Robert Smith m’aurait sans doute beaucoup plu. Je repense même aux premières années de My Chemical Romance, lorsque Gerard Way se maquillait en zombie et portait des costumes d’écoliers. Seulement voilà en dix ans MCR a su évoluer, alors que le groupe que j’ai en face de moi semble encore vivre sa crise d’adolescence.

Enfin tout cela est toujours plus agréable que Plastic Noise Experience, que je boycotte allégrement. Non seulement l’EBM et moi, ça fait toujours deux, mais surtout je me prépare mentalement et physiquement au groupe qui va suivre : Ulterior.

Ulterior

Ceux qui me connaissent ou qui sont des habitués de ce fanzine savent à quel point les quatre londoniens peuvent me rendre dingue, et ils peuvent donc facilement s’imaginer l’état dans lequel je me trouve alors que le groupe est seulement en train de faire ses balances. Bon visiblement je suis la seule à être véritablement venue pour eux, et malheureusement le public ne leur réserve pas un accueil des plus chaleureux. Qu’importe, moulés dans leurs pantalons de cuir, ils démarrent avec Catherine, et c’est parti pour quarante minutes de show intense et chaotique. Leur premier album m’avait récemment rassurée quant à leurs performances sur le long terme, et j’avais enfin la confirmation qu’ils étaient aussi bons en live. Pas de doute, ces mecs sont des putain de rock stars - vous m’excuserez le langage - et les voilà qui dominent la scène comme s’ils headlinaient le festival. Aucune modestie, aucun scrupule, aucune retenue, voilà tout ce que j’aime chez un groupe. Tous les meilleurs moments de Wild In Wildlife seront passés en revue : du vicieux Sex War Sex Cars Sex à l’orgasmique Dream Dream, Ulterior balance sa verve de façon magistrale, malgré les quelques soucis techniques dont sera émaillé leur set. Après le concert, j’entendrai des francophones dire « ils en font des caisses », mais c’est exactement ce qui est jubilatoire à propos de ce groupe : voir Honey faire l’amour à son micro ou descendre une bouteille de vodka sur scène, regarder virevolter la mèche Andersonienne de Paul le guitariste, ou encore se délecter des lignes de basses de Mickey en le regardant poser fièrement, jambes écartées.

Fixmer/McCarthy

Après tant d’émotions, je serais bien en peine d’apprécier un tant soit peu Fixmer/Mc Carthy, pourtant loin d’être mauvais, et qui rendirent ma camarade de festival dans un état proche du mien, débordante d’amour et d’oestrogène. Être une groupie, c’est éreintant…

Cranes

Alors qu’une douche froide serait la bienvenue, nous nous rabattons sur Cranes, groupe shoegaze assez culte des années 80-90, mené par Alison Shaw, à l’allure et à la voix aussi frêle qu’une Vanessa Paradis. C’est bien le groupe le plus léger que j’entends ce week-end, et après un quart d’heure de politesse, nous allons goûter à la haute gastronomie festivalière (les éternelles frites mayo).

Pendant ces trois jours, toutes ces pauses dans le froid de l’été belge auront été pour nous l’occasion de bitcher sur pas mal de monde, d’apprendre des révélations fracassantes concernant Kasabian et d’étudier les looks toujours plus improbables des festivaliers ; et ce sont tous ces petits détails là qui, il faut bien l’avouer, représentent une grande partie du plaisir qu’il y a à venir dans des festivals de ce genre, même si à la base ma présence ici n’avait rien d’évident.

Vive La Fête

Nous sommes suffisamment ragaillardies pour enchaîner avec Vive La Fête, groupe d’électropop flamand, qui chante en français, et qui a tout simplement cassé la baraque. La chanteuse, blonde platine et sexy en diable, enflamme la scène principale en quelques minutes, parfois accompagnée au chant par son guitariste, sosie de Johnny Thunders (et donc loin de me déplaire). C’est une vision surréaliste que de voir tous les gothiques les plus déprimants de la salle danser comme s’ils étaient à Ibiza, et on les comprend aisément, car comme on se l’est dit plus tard : « ça envoie ! ». Les belges parviennent ainsi à transformer le cours de cette soirée, l’espace d’un instant tout le monde est heureux, et je comprends maintenant pourquoi le groupe est aussi culte en Belgique.

Clan Of Xymox

Avant de passer au gros morceau de cette soirée, nous faisons un détour par Clan Of Xymox, dont l’électro goth n’est pas déplaisante mais n’est plus vraiment à la hauteur après l’heure de folie que nous venons de vivre.

Peter Hook

Et après une ultime pause, nous nous retrouvons à attendre Peter Hook et son groupe, The Light, prêtes à chialer dans nos bières en écoutant Unknown Pleasures. Le public est au taquet mais étonnamment peu nombreux, le bruit qui court veut que les derniers concerts de Hooky soient passablement décevants, et ce soir la salle n’est remplie qu’à moitié. Le groupe débarque enfin, et sans plus de cérémonie, démarre avec un No Love Lost des plus surprenants. Pendant quasiment une heure et demie, Peter Hook et ses zouaves joueront tous les grands classiques de Joy Division, y compris l’intégralité de Unknown Pleasures, et en terminant par l’émouvant Atmosphere, l’incontournable Transmission, et bien sûr (même si jusqu’à la fin je crus qu’ils résisteraient à un tel cliché) Love Will Tear Us Apart. Pourtant, malgré cette setlist absolument parfaite, nous ne sommes pas totalement conquises. D’une part parce qu’après les rapports tendus qu’ont les photographes avec Peter Hook je ne peux m’empêcher que c’est aussi un beau salaud, mais surtout parce que tout au long du concert, aucune mention ne sera faite de Joy Division, n’importe qui aurait vécu dans une grotte ces trente dernières années pourraient conclure de cette soirée que toutes ces chansons sont l’œuvre de « Peter Hook & The Light » et de personne d’autre. Et puis enfin, Hook chante dans une tessiture et une tonalité presque identiques à celles de Ian Curtis, à tel point qu’on se demande s’il cherche à l’imiter, à tirer toute la gloire sur lui, ou à secrètement espérer qu’on ne verra pas la différence, alors qu’il n’en a ni l’impact, ni la puissance. Heureusement qu’il reste ces lignes de basse mythiques, que tout bassiste débutant passe des heures à apprendre dans sa chambre, et puis ces chansons qui elles, n’ont pas vieilli d’un poil.

Et c’est sur cette note un peu amère que nous terminons ce festival, aussi étonnant qu’enrichissant. Si je n’en suis pas encore à m’acheter des robes victoriennes à crinoline, j’ai en tout cas l’impression d’en avoir appris beaucoup sur ce monde de ténèbres que je connaissais mal, voire pas du tout. Et si on m’invite encore l’an prochain, je promets de me teindre les cheveux en noir, cette fois-ci.

Shadowplay Festival

Bloody Dead And Sexy. Plastic Noise Experience. Ulterior. Fixmer/McCarthy. Cranes. Vive La Fête. Clan Of Xymox. Peter Hook & The Light.

Shadowplay Festival - Courtrai Xpo (Belgique) - 23.07.11 (Jour 2)

2011-07-28T23:26:00.002+02:00

Jour 2

C’est épuisées d’avance et sous la pluie que nous arrivons à Courtrai pour cette deuxième journée. La motivation n’y est pas, je suis clairement là pour la programmation du dimanche et j’angoisse déjà à l’idée de passer douze heures devant des groupes dont je me fiche. Mais encore une fois mes préjugés finiront par s’envoler et nous ferons même quelques belles découvertes aujourd’hui.

Cruise [Ctrl]

Déjà en retard sur le planning, les belges de Cruise [Ctrl] inaugurent la journée par de l’électro indus, j’ai comme un sentiment de déjà-vu. Honnêtement ce n’est pas si inintéressant que ça, mais comme on le dit poliment : « ça va bien cinq minutes ». Je dois encore m’habituer à évoluer dans le noir le plus total, et avec ces rythmes répétitifs voire angoissants dans les oreilles, c’est un quasi défi pour mon système cérébelleux. J’ai toujours du mal à l’idée d’aller voir des groupes de musique expérimentale en concert, ne serait-ce que pour leur intérêt visuel : si c’est pour voir un type appuyer sur des boutons pendant une heure, je peux écouter le disque chez moi, merci. [End of rant]

Mirexxx

Nous poursuivons avec Mirexxx, groupe belge de post-punk électro difficile à qualifier. Tout cela est froid et sombre à souhait, et pourrait être très intéressant mélodiquement parlant, si le chanteur n’hurlait pas ses tripes dans son micro. C’est d’un nihilisme absolu, je me demande si ce garçon a eu des problèmes avec sa mère. Mention spéciale à la jeune fille dont la seule fonction fut de tenir une torche tout au long du concert ; visiblement les potiches n’existent pas que dans les milieux pop et R'n'B.

Lizard Smile

Enchaînons avec Lizard Smile qui nous ramènent dans des terrains plus familiers. Les belges nous offrent en effet une new wave dark et intense. Première belle surprise de la journée.

SAM

Ce qui suit fut aussi pénible qu’hilarant. Le duo SAM, avec son nom ingooglable, produit une électro totalement déglinguée, et objectivement, ces deux gusses ont eux aussi l’air complètement cinglés. Le visage et les épaules recouverts de peinture (boue ? cambouis ?), ils sautent dans tous les sens comme s’ils étaient en plein état maniaque. En plein milieu d’une de leurs « chansons », une voix féminine annonce que le groupe ne se porte pas responsable en cas de psychose induite chez le public. Ah oui d’accord, je comprends mieux.

Tying Tiffany

Nous revenons à la civilisation en compagnie de Tying Tiffany, jeune et jolie italienne qui de par son look pourrait très bien sortir d’Ipso Facto. Elle tient la scène à bout de bras avec un charisme impressionnant, à tel point qu’on remarque à peine ses musiciens. Ensemble ils jouent un post-punk qui vire parfois à l’électroclash. Le style et la voix me rappellent les KASMs, bref, j’aime beaucoup.

The Beauty Of Gemina

Première pause de la journée, nous nous permettons de shunter Solitary Experiments. Nous revenons pour The Beauty Of Gemina. Le festival fait manifestement dans l’international car ces derniers arrivent de Suisse (« le pays du ski… et du suicide » selon le chanteur). Nous restons ici dans le post-punk/new wave et je ne m’en plaindrais pas. Le set se termine sur Rumours, sans doute ma préférée. Non vraiment, je commence à ne pas regretter d’être venue.

Mais mes oreilles ne vont pas tarder à souffrir de nouveau. Agonoize, après le générique de je ne sais plus quel film de science-fiction en intro, balance un EBM des plus difficilement supportables pour qui n’est pas adepte. Le groupe vaut tout de même le coup d’œil : le chanteur dissimule en effet sous son manteau de style officier de la gestapo un énorme gode-ceinture qu’il n’hésite pas à « manipuler » pour le plus grand plaisir du premier rang (et je vous passe les détails). Moi qui prenais les goths pour des gens froids et asexués…

Hocico

Absolute Body Control continuera sans moi, et je ne regarde les mexicains d’Hocico que de loin, même si je suis fascinée par leur pied de micro en forme de buste humain à cornes de bélier - un tout autre genre que le modèle tout en plumes de Nicky Wire…

A Split-Second

Les choses sérieuses reprennent enfin avec A Split-Second, encore des belges, qui ne sont pas sans me rappeler l’électro froide de Fad Gadget. C’est bon, mais comme souvent avec tous ces groupes des années 1980 qui n’ont jamais vraiment su évoluer, j’ai un peu l’impression d’aller au musée.

Love Like Blood

Il est minuit passé, et vraiment fatiguées nous envisageons de rentrer quand arrivent Love Like Blood et (attention minute groupie) leur magnifique chanteur : tellement fin, tellement classe, tellement soyeux du cheveu, tellement Severus Snape, bref de quoi s’intéresser de plus près à ces gothiques allemands. Je ne les avais pas forcément repérés en écoutant leurs disques quelques jours plus tôt, mais sur scène le groupe assure et possède même de sacrées bonnes chansons, débordantes de guitares et de thématiques un peu morbides.

Cette longue journée finit donc de manière tout à fait positive, et je trépigne déjà à l’idée de revenir le lendemain pour voir Peter Hook et surtout Ulterior, groupe qui ne manquera pas de me transformer en cocotte-minute hormonale.

Suite et fin demain !

Shadowplay Festival

Cruise [Ctrl]. Mirexxx. Lizard Smile. SAM. Tying Tiffany. Solitary Experiments. The Beauty Of Gemina. Agonoize. Absolute Body Control. Hocico. A Split-Second. Love Like Blood.

Shadowplay Festival - Courtrai Xpo (Belgique) - 22.07.11 (Jour 1)

2011-07-27T19:04:00.002+02:00

Avis aux gothiques (et affiliés) qui tombent sans doute par hasard sur ce fanzine : je vous prie d’avance de ne pas vous offusquer si parfois je tombe dans les clichés au cours de cet article, je pèche par pure ignorance. C’est la première fois que j’assiste à un événement de ce genre : je suis en effet plus habituée à me recouvrir de paillettes pour aller écouter des britpopeux parler de leur banlieue anglaise ou de leur adolescence sexuellement instable qu’à fréquenter les soirées dites « goth ». Ces trois jours dans la pénombre furent donc pour moi tout à fait fascinants, parfois pénibles, mais souvent très drôles.

Jour 1

Shadowplay Festival, anciennement Gothic Festival, s’est cette année installé à Courtrai Xpo, un endroit inhospitalier à souhait, et forcément, à l’abri du soleil. À peine arrivée avec ma précieuse guide Syd, je comprends que j’ai sous-estimé le soin que les gothiques portent à leur allure. Le noir est bien sûr de rigueur, mais leurs looks sont bien plus diversifiés qu’on ne le croit, je remarque qu’il existe des tendances très différentes : les goths fluos, les goths victoriens, les goths métalleux, les goths 80s (toutes ces appellations sont bien sûr le seul fruit de mon observation, une fois encore, je n’y connais rien)…

Prenant mon courage à deux mains je rentre dans le vif du sujet. À l’intérieur de cet hangar amélioré, on ne voit rien, ou du moins pas tout de suite, c’est un peu comme conduire phares éteints dans une nuit sans lune. Au bout du troisième jour mes yeux se seront habitués à s’orienter au milieu de ces différentes teintes de noir, mais nous n’y sommes pas encore. Les photographes, eux, n’auront pas fini de pester, les scènes semblant éclairées à la bougie.

Empusae

Avant que les premiers concerts ne commencent nous faisons un tour à la scène Factory Noise, consacrée à la musique industrielle. À ce moment là joue Empusae, duo électro indus assez hypnotique, mais il n’est pas assez tard (et je n’ai pas assez pris d’acide) pour être totalement captivée.

Krystal System

Avec presque une heure de retard sur le programme, le premier concert commence enfin. Krystal System est un groupe de rock-électro français, bien qu’ils chantent tour à tour en français et en anglais. La blonde Bonnie et son acolyte Seven, caché derrière une muselière (?), accompagnent leurs délires darks et industriels de vidéos mêlant défilés militaires vintages et photos d’Hello Kitty. Leurs paroles sont elles explicitement nihilistes : « demain n’existe pas », « sleeping the everlasting trip »…

Entre deux concerts, et en se baladant dans les différentes salles, je poursuis ma découverte de looks plus improbables les uns que les autres. Ainsi rencontre-t-on un baron, une baronne et leur valet - non, sérieusement, ce dernier était réellement habillé en laquais du 18e siècle - le moment le plus drôle étant quand nous nous apercevons que la baronne se tape en fait le valet. Un peu plus loin un jeune garçon est vêtu comme un dictateur militaire de l’est, une ceinture de munitions par-dessus l’uniforme. Étant données les circonstances qui ont marqué le week-end dernier, c’était tout de suite moins drôle.

The March Violets

Les choses sérieuses commencent ensuite avec les légendaires March Violets, groupe de rock anglais des années 80 dans la veine de Sisters of Mercy, et reformé depuis 2007. La chanteuse Rosie Garland, dans son corset en vinyle, et dont la voix n’est pas sans rappeler celle de Siouxsie, partage la scène avec Simon Denbigh, à l’allure nettement plus imposante. Pendant une heure ils reprendront les classiques post-punk du groupe, en terminant par l’incontournable Snake Dance datant de 1984.

Diary Of Dreams

Dans le même registre, suivent Diary Of Dreams, sorte de The Cult allemands. Ils versent tour à tour dans le rock bourrin ou plus mélodique et théâtral. Le groupe cultive un look singulier : le chanteur Adrian Hates ressemble à un Axl Rose qui aurait mal vieilli (comme le vrai, donc), tandis que le guitariste Gaun:A arbore une crête des plus fascinantes. Malheureusement (ou heureusement), la lumière étant vraiment trop désastreuse, mes seules photos potables sont celles où apparaît Flex, deuxième guitariste bien plus charmant.

Suicide Commando

Et là, pour la première fois, j’ai compris ce qu’était la souffrance. Suicide Commando, dont le nom trahit le côté poétique et sensible, est un groupe d’électro-indus belge versant dans l’EBM (pour les incultes comme moi : electronic body music). Au bout de trois chansons, je suis en train de me cogner la tête contre le mur pour mettre fin à mes jours. Un écran géant montrant des scènes de mutilation hyper-réalistes (réelles ?) nous apprend ensuite qu’une personne meurt de suicide toutes les quarante secondes dans le monde, je comprends aujourd’hui pourquoi. Demain, j’emmènerai des boules Quiès.

C’est odieux, je m’en vais sans attendre Fields Of the Nephilim, car nous sommes épuisées, et deux journées bien remplies nous attendent encore.

La suite demain !

Shadowplay Festival
Empusae. Krystal System. The March Violets. Diary Of Dreams. Suicide Commando. Fields Of The Nephilim.

The Fanclub

2011-07-11T21:48:00.002+02:00

Quand Greg Haver, producteur du sublime Lifeblood des Manics décide de s’occuper d’un jeune groupe, ça nous met forcément la puce à l’oreille, et c’est ainsi que je viens de tomber sous le charme de The Fanclub, quintette on ne peut plus anglais, originaire de Bournemouth. Conduits par la mystérieuse voix de baryton de Josh Todd, ils sont les dignes descendants d’une pop classieuse, et les multiples allusions à Morrissey dont ils sont déjà affublés ne sont pas dénuées de vérité. Avec leur section de cordes et les paroles douces-amères de leur bassiste Lewis Tobia, leurs chansons sont aussi sophistiquées qu’épurées de toute fantaisie inutile.

Sur le point de sortir leur premier album, The Fanclub compte déjà à son actif de futurs classiques. Notons Madman qui pourrait aussi bien figurer sur le dernier British Sea Power, et Poets Die Too, à la parfaite mélodie qui n’est pas sans rappeler les meilleures heures de The Divine Comedy. Avec Bitter Boys And Graceless Girls (sans doute ma favorite) ou encore le Further aux paroles très smithsiennes, le groupe continue de confirmer leur aptitude à un songwriting tout britannique, mélodieux et raffiné. Sorti tout récemment sur le label Underdogs, le double single A Real Horror (Part II) / Let’s Measure Next Year Better représente parfaitement l’esprit de The Fanclub. A Real Horror (Part II) est conçu comme « une note de remerciement aux Smiths », et décrit avec une certaine nonchalance les après-midis oisifs à boire du thé en robe de chambre, au son d’une pop indée très 90s. Let’s Measure Next Year Better découvre ensuite le côté plus mélancolique du groupe, et est clairement marqué de l’empreinte de Haver. La montée en puissance mélodique et le final tout en guitares et cordes est certes un peu cheesy, mais on pardonne bien vite cet excès de sentiment.

L’avenir s’annonce en tout cas prometteur pour ce groupe qui on l’espère fera parler de lui, d’autant plus qu’est annoncé un titre sur lequel Nicky Wire serait invité à chanter, ce qui présage déjà des éclats de rire chez certains et des gorges serrées pour d’autres, la voix du Gallois pouvant être aussi désastreuse que touchante. Pour le reste, on pourra faire confiance à The Fanclub pour poursuivre ce parcours sans faute et prouver qu’ils n’ont rien à envier aux plus grands.

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REP*EAT Book

2011-07-06T01:16:00.005+02:00

La chronique qui suit est pleine de nostalgie. Elle sent la colle bon marché, les découpages ratés et les années 90, les plus déprimés crieront « c'était mieux avant » et les autres auront peut-être envie à leur tour de créer leur propre fanzine et épouser une photocopieuse.

Tout d'abord, un peu d'histoire: R*E*P*E*A*T est un fanzine crée en 1994 par Richard Rosey à Cambridge, d'abord dédié aux Manic Street Preachers et édité à 65 exemplaires. Le contenu s'est vite diversifié pour mêler musique, politique et art, devenant rapidement une référence dans le microcosme punk et glam britannique. Le fanzine donne naissance à un label soutenant une multitude de groupes très pailletés ou très en colère contre la société puis se professionnalise, horreur ultime pour un fervent défenseur du Do It Yourself. Las, son créateur assassine R*E*P*E*A*T avant de le faire renaître au début du XXIème siècle et 17 ans après son premier numéro le fanzine devenu webzine est plus actif que jamais, un exploit pour un support généralement éphémère. L'idée de réunir les meilleurs articles et photos en un livre est donc excellente et offre un aperçu passionnant de 17 ans de créations et de coups de gueule.

Evidemment l'ouvrage fait la part belle aux Manics sans pour autant sombrer dans l'adoration. Les photos de concerts et reviews positives de 1991 à 2010 côtoient les lettres de fans mécontents, la plupart publiées au milieu et à la fin des années 90 et montrent clairement qu'en perdant Richey Edwards, le groupe a également perdu une partie de sa fanbase. On assiste à la guerre toujours d'actualité entre hardcore et casual, les premiers reprochant aux seconds de venir aux concerts uniquement pour chanter A Design For Life en buvant de la bière, tandis que les plus désenchantés couchent sur papier leur déception face à un groupe tour à tour vendu, trop éloigné des convictions de ses débuts, trop aseptisé.

Ces archives mettent également en lumière moult groupes aujourd'hui oubliés aux noms évocateurs, tous réunis sur une compilation gracieusement fournie avec le livre. The Virgin Suicides, Miss Black America, Johnny Panic, The Autons et leurs pochettes très soviétiques, l'Histoire ne retiendra sans doute pas leurs riffs mais ce disque très orienté pop indé et punk est un excellent cadeau parfaitement dans l'esprit du fanzine, brut, amateur, parfois engagé. Les photos de concerts offrent également une merveilleuse vitrine de tous les pires crimes de mode des années 90, entre le rouge à lèvres marron, les top en résille et les joggings, le rock ne fut jamais aussi mal habillé que durant cette étrange décennie.

Après la musique, la politique est le thème de prédilection de R*E*P*E*A*T. Sous forme d'articles, d'illustrations ou de slogans situationnistes les lecteurs commentent l'Irak, l'Afghanistan, la crise, les réductions budgétaires, la monarchie, le féminisme etc. Le ton est généralement humoristique, parfois tapageur, certains jugeront tout cela bien démagogique mais les autres trouveront ces missives nécessaires au moment où même le leader du Labour party Ed Miliband considère les grèves inutiles...

Le succès et surtout la longévité de R*E*P*E*A*T viennent en grande partie de cette sincérité, de l'ambition de ses collaborateurs qui veulent donner un véritable sens à leur fanzine : un groupe, un artiste ou un simple journal a le pouvoir dès qu'une personne l'écoute ou le lit, et si ce pouvoir est utilisé à bon escient alors les choses peuvent évoluer. Toute personne contribuant à la rédaction ne cherche pas seulement à chroniquer un disque ou descendre un groupe mais veut faire la différence, même à petite échelle. Les revendications ou articles politiques sont parfois un peu maladroits mais ont au moins le mérite de pousser le lecteur à aller plus loin, et si grâce à un fanzine ou un groupe un jeune fan de musique peut développer une vraie conscience politique alors tant mieux. Après tout, combien de mômes ont été éduqués par les Clash ou Black Flag?

Le créateur de fanzine ou de webzine n'est pas un journaliste. C'est une histoire de passion, de transmission et surtout de liberté et de contrôle total. La musique a plus que jamais besoin de fans partageant leurs découvertes à l'heure où les plus grands magazines spécialisés sont dénués de saveur, de talents éclatants, ne prennent aucun risque et enchaînent les couvertures et critiques prévisibles. Evidemment certains jugeront le format papier obsolète et ils n'auront pas tout à fait tort mais il y a dans ces pages photocopiées un charme désuet lié à l'aspect artisanal du fanzine, car en feuilletant ces drôles de collages il est tout simplement impossible de ne pas penser à la personne qui a passé son weekend à faire du découpage par simple plaisir.

Pour commander: site officiel R*E*P*E*A*T
10£, pour les frais de port contacter rosey@repeatfanzine.co.uk

Playlist - Juillet 2011

2011-07-01T15:17:00.000+02:00

The Horrors - Still Life

Suede - To The Birds (version remasterisée 2011)

Ulterior - Dream Dream

Pulp - This Is Hardcore

Viva Brother - Darling Buds Of May

Patrick Wolf - Together

Yuck - Shook Down

Freeboy - Patrick's Got Me Down

Manic Street Preachers - Engage With Your Shadow

The Pains Of Being Pure At Heart - Anne With An E

Tocotronic - Keine Meisterwerke Mehr

Liza Minnelli - Cabaret

Shadowplay Festival - 22, 23, 24.07.11 - Courtrai (Belgique)

2011-06-29T10:55:00.003+02:00

Le réputé Gothic Festival revient cet été sous le nom de Shadowplay Festival, cette année non plus à Warenghem mais à Courtrai Expo, et avec une programmation toujours plus alléchante.

En effet les Belges s'offrent cette année les services de Peter Hook & The Light, qui interpréteront le cultissime Unknown Pleasures, ainsi qu'on l'espère quelques autres perles de Joy Division ou de New Order.

Derrière cette tête d'affiche colossale, suivront une multitude de groupes confirmés ou débutants, et qui devraient plaire à un public amateurs de sons obscurs et froids.

On se laissera notamment tenter par le rock gothique 80s de Fields Of The Nephilim, de Love Like Blood, ou de Cranes, à moins qu'on préfère aller danser avec l'électropop belge des Vive La Fête ou de Suicide Commando.

Et personnellement, je ne raterai pour rien au monde le set des March Violets, fraîchement reformés, ainsi que celui d'Ulterior, petits préférés de la maison.

Shadowplay, c'est du 22 au 24 juillet, à Courtrai Expo (les Lillois, c'est à une demie-heure !).

Pour plus d'info : http://www.shadowplayfestival.be/en/
Page Facebook.

The Raveonettes - La Machine (Paris, 07.06.11) + Le Grand Mix (Tourcoing, 10.06.11)

2011-06-27T20:55:00.002+02:00

Par Adélaïde

Les Raveonettes sont un groupe que j’aime beaucoup, depuis que je les ai découverts avec Chain Gang Of Love et surtout Pretty in Black, mon album préféré d’eux. Ayant gardé un très bon souvenir de leur concert à la Maroquinerie en 2007, c’est donc avec une grande impatience que j’attendais de les revoir.
Leur évolution du rock des origines passé à la moulinette des influences de la Chaîne de Jésus et Marie à un univers encore plus noisy et plus sombre ne m’avait pas déplu, et j’avais hâte de découvrir en live les superbes chansons de leur nouvel album, mais aussi les grands classiques de leurs précédents albums.
Avant eux, la première partie est assurée par Giana factory, groupe de trois filles qui a opté pour un gros son électro, sombre et dansant à la fois. Pour l’anecdote, la chanteuse qui n’est autre que la petite sœur de Sharin Foo, ressemble furieusement à Kirsten Dunst, mais en brune et une grande frange en plus.
Après cette première partie plutôt plaisante, les disciples de Buddy Holly entrent en scène et entament le concert sans surprise par le premier morceau de Raven in the Grave, Recharge & revolt, suivi dans la foulée par War in Heaven. Le ton est donné, le concert est avant tout fait pour mettre en valeur les chansons du dernier album, ce dont personne ne peut se plaindre.
En effet, presque tout l’album y passe, de Let me on out à Apparitions, ainsi que, pour mon plus grand plaisir, Evil Seeds, et Ignite. Sune Rose Wagner, qui a toujours la même bouille d’enfant timide, et Sharin Foo, plus beauté nordique que jamais, sont accompagnés de deux autres musiciens, tour à tour batteurs, guitaristes ou bassistes. Le groupe ponctue quand même le set par quelques unes de leurs meilleures chansons des précédents albums, dont le tubesque Love in a trashcan, ma chanson préférée !
Dead sound et Lust rappellent à quel point Lust Lust Lust est un grand album ; Sharin et Sune Rose nous font aussi le plaisir de jouer des morceaux de Chain Gang of Love et de Whip it on, les géniaux My Tornado et Attack of the ghost riders, mais guère plus de deux par album. Le clou du concert est peut-être le formidable Heart of stone, d’In and out of control, preuve que cet album n’est pas si mauvais !
Juste après, My time’s up, la chanson-berceuse du dernier disque vient déjà clore le concert. J’espérais beaucoup du rappel, surtout des morceaux de Pretty in Black, mais on n’obtiendra « que » Forget that you’re young, qui met en valeur la très belle voix de Sharin Foo, et Aly walk with me, autre perle du groupe.
Après dix ans d’existence, les Raveonettes, possèdent une discographie à faire pâlir n’importe quel groupe « indie », voire n’importe quel groupe tout court. Ce concert à Paris, s’il était très bon, ne restera pourtant pas dans mes annales, tant j’attendais que ce groupe mette en valeur toutes ses pépites bien davantage qu’il ne l’a fait. Je peux leur pardonner les fréquents problèmes techniques qui ont émaillé le concert ; mais comment comprendre qu’ils aient aussi scandaleusement ignoré Pretty in Black ???
C’est donc avec de grands espoirs que je suis allée à Tourcoing, le 10 juin, sur un coup de tête, pour essayer d’en entendre plus. Hélas, mes vœux n’ont pas été exaucés, Sune Rose et Sharin ont reproduit morceau pour morceau la même setlist. Le public, beaucoup plus réservé qu’à Paris (c’est bien la première fois que les gens du Nord ont failli à leur réputation !), n’a pas non plus aidé à en faire un grand concert.
Encore une fois, je peux pardonner les soucis techniques qui ont là aussi émaillé le début du concert, mais je n’ai pu réprimer le sentiment de déception qui m’a assaillie quand les lumières se sont rallumées.
J’aime toujours beaucoup les Raveonettes, je ne les aime pas moins, mais je ne peux m’empêcher de penser que les concerts de cette tournée sont bien en-dessous de leur talent. Dommage…

Recharge & Revolt
War In Heaven
Let Me On Out
Dead Sound
Noisy Summer
Love In A Trashcan
Lust
Apparitions
Evil Seeds
Ignite
The Love Gang
My Tornado
Attack Of The Ghost Riders
Heart Of Stone
My Time’s Up

Forget That You’re Young
Aly, Walk With Me

Site officiel

Patrick Wolf - Lupercalia

2011-06-20T21:37:00.000+02:00

Quiconque a déjà eu la chance de voir Patrick Wolf en concert s’est forcément posé cette question : pourquoi cet homme n’est-il pas une star planétaire ? L’Anglais à la chevelure changeante a pourtant le profil du métier : extraterrestre musical alliant l’extravagance de Lady Gaga et le talent d’un jeune Bowie, il est depuis presque dix ans l’auteur d’albums pop susceptibles de plaire aussi bien au grand public qu’à un auditoire plus exigeant. Quelque part entre le génie indé et la diva glam, il a le mérite de ne ressembler à personne, de ne sonner comme personne, et c’est ainsi qu’il est vite devenu l’artiste culte d’une nouvelle génération en manque d’originalité.

Wolf nous avait laissé en 2009 avec The Bachelor, album brillant mais sombre, où les délires SM de Vulture et le rock furieux de Battle laissaient peu de place à l’optimisme et à la gaieté (sans jeu de mot) habituelle du jeune Loup. Parti sur sa lancée, il annonçait alors la sortie de The Conqueror, se voulant plus politique et combattif que jamais. Mais deux ans ont passé, autant dire une éternité dans la carrière fulgurante de Patrick Wolf, et le revoilà tout sourire, sur le point de se marier, ivre d’amour et de bonheur. C’est ainsi que naît Lupercalia, un disque aussi léger qu’une romance nouvelle, et véritable déclaration à son William de futur mari. L’album tire son nom d’une ancienne fête romaine, sorte de St Valentin païenne, et la référence représente parfaitement l’esprit de ces onze nouvelles chansons. À l’image de la sublime pochette, elles sont sobres et virginales, comme si Wolf était revenu à ses amours originelles, pleines de naïveté, de poésie et de naturel.

The City ouvre brillamment cette joyeuse procession, et les titres dégoulinants de sentiments se succèdent. Avec n’importe qui d’autre, on frôlerait l’écœurement, mais on se laisse allégrement piéger comme des jeunes filles fleur bleue, et c’est bien difficile de résister aux charmes de House ou de Time Of My Life. Bermondsey Street est ensuite dédié à « the greatest love of the century » tandis que The Future est un véritable serment de mariage (« I love you more than my life »). Pas de doute, notre cher Pat est transi d’amour. Un album de Patrick Wolf ne serait pas complet sans de grandes ballades au piano (Armistice), quelques notes de harpe (The Days), et un traditionnel morceau bizarroïde, inclassable et comme inachevé (William). Et s’il fallait un peu plus nous convaincre, Together se charge d’être la tuerie surprise de fin d’album, avant de nous régaler avec The Falcons, pure rengaine wolfienne rappelant les facéties de The Magic Position.

Ce cinquième album se voulait comme « une musique de premier baiser » et le pari est tenu. L’ensemble est pur, frais et majestueux comme un été Anglais, qu’on se verrait bien passer sur la plage de Brighton ou dans un jardin du Somerset. Toujours aussi inventif, notre homme-orchestre a visiblement pris autant de plaisir à écrire cet album que nous à l’écouter. Et si l’adage stupide veut qu’un artiste heureux perde tout son talent, Patrick Wolf nous surprend une fois de plus et parvient à nous prouver le contraire.

Site officiel. Twitter.

Suede (play Coming Up) - Brixton Academy (London) - 21.05.11

2011-06-16T21:25:00.000+02:00

Samedi 21 mai 2011 - soirée Coming Up ou comment, pour la première fois de ma vie, j’ai éclaté en sanglots au premier rang d’un concert.

Aujourd’hui j’arrive vers 8h45 et je suis troisième dans la queue derrière les Suisses ! Une légère sensation de déjà-vu se fait ressentir... ainsi que la fatigue, la queue sera effectivement moins active et plus endormie (voire carrément dans le cirage pour certains). On s’occupe comme on peut et Eva l’Allemande fera de la Suede Manucure à une petite dizaine de fans, à savoir placer les lettre S-U-E-D-E et T-R-A-S-H dans la police du groupe sur les ongles de la main gauche et droite respectivement. Simon viendra comme la veille nous faire coucou vers 15h en nous gratifiant comme la veille d’un “Good Morning” (euh Simon, on n’est plus le matin là !). Comme la veille, on voit les membres de Chapel Club passer (dont Michael et ses mocassins à glands qui m’ont déclenché un fou rire totalement nerveux...). Comme la veille et l’avant-veille, nous sommes rentrés à 19h et je me suis placée sur la barrière au même endroit que la veille.

20h15 - Nous sommes bien rodés, voici Chapel Club qui reviennent avec encore une fois une setlist similaire mais en nous sortant Depths en intro, nous aurons entendu l’intégralité de leur album plus une partie de leur Wintering EP (en bonus sur la version deluxe de l’album) ainsi que Waterlight Park, la fameuse inédite que j’aime réellement beaucoup ! Comme les jours précédents, Lewis me remarquera avec Eva avec qui je chantais les paroles, il a également salué José (le grand Espagnol facilement reconnaissable... parce que c’est un des rares gars au premier rang !).

21h30 - La soirée Coming Up démarre avec les cordes de She. L’album est tellement en contraste avec son prédécesseur que je suis dans un état d’esprit complètement différent, plus “je vais me secouer toute la soirée”, plutôt que “je vais pleurer toutes les larmes de mon corps”, mais comme nous allons le voir, je réussis encore à me surprendre malgré tout ! Le premier morceau de l’album est bien sûr Trash et bien sûr, nous sommes écrasés contre la barrière et l’excitation est déjà au maximum ! Brett, sans aller sur la barrière, chante très près du bord de la scène en “tête à tête” avec le premier rang. Il est habillé comme la veille mais le pantalon n’est pas le même, j’y remarque une couture de réparation d’une déchirure dans l’aine (c’est fou tout ce qu’on peut remarquer lorsqu’on est au premier rang...)

Filmstar suit, puis Lazy et là, j’écarquille mes yeux, Richard, d’habitude si en retrait par rapport aux autres, est carrément au milieu de la scène et... CHANTE LE REFRAIN ! Mais que ce passe-t-il ? Le pire, c’est qu’il va nous refaire cela plusieurs fois dans la soirée ! Je suis en train de me demander si je me suis pas endormie et que je rêve ou si je n’ai pas abusé de drogues... By The Sea ralentit la cadence mais nous permet de respirer et d’apprécier ce sublime morceau même si la version de l’Élysée Montmartre m’avait plus marquée (d’un, parce que je ne m’y attendais pas, de deux, parce que Brett s’est accroché à mon bras en descendant de scène et de trois, il a fini par “Into... la mer”).

She arrive avec les “la la laaaaaaaa” de Neil qui m’éclatent à chaque fois. Ah Neil, je n’ai pas beaucoup parlé de lui... Lui qui d’habitude reste de marbre sur scène a réussi à décrocher quelques sourires, surtout quand Brett était dans le public. La folie repart avec Beautiful Ones et j’espère que mes côtes qui, malgré tout, ont résisté aux soirées précédents, continueront dans leur droit chemin. Starcrazy commence et Brett chante droit dans mes yeux, aurait-il remarqué les étoiles sur mon t-shirt ? En tout cas, le “she’s star, star, crazyyyyyyyyyy” fonctionne très bien ! Picnic By The Motorway démarre et mes yeux me piquent, j’ai tellement de souvenirs liés à cette chanson... Je réussis à ne pas pleurer et à apprécier ce morceau pas entendu sur scène depuis fort longtemps. The Chemistry Between Us... Que dire ? C’est l’équivalent de The Asphalt World sur Coming Up, morceau fleuve comme je les aime qui prend une dimension sublime en live, un grand moment. Et la fin de l’album arrive avec Saturday Night, cela tombe bien, nous sommes samedi !

Et voici venu le temps du rappel et ses surprises ! Tout d’abord Europe Is Our Playground, face B classique qui était attendu comme le Messie par tout le monde, moi la première ! Étant donné que beaucoup étaient venus de l’étranger à Londres, les paroles “Europe is our playground, London is our town” ont sonné comme la vérité même et un résumé parfait de ces trois jours magiques. Suivra This Time, je ne sais pas si c’est le résultat de la fatigue, de l’émotion, de tout ce qui m’est lié à Suede ou quoi que ce soit mais me voici en train de pleurer toutes les larmes de mon corps sur cette chanson ! Apparemment Neil avait les larmes aux yeux en regardant Brett chanter donc ce n’est peut-être pas si décalé que cela de fondre en larmes à ce moment. Je me reprends sur Young Men et me revois en train d’écouter Sci-Fi Lullabies pour la première fois et je me rends compte que... j’ai complètement oublié les paroles de cette chanson ! Suivra Together, face B totalement richardienne que j’aime beaucoup et je me surprends à avoir un méga sourire aux lèvres ! Can’t Get Enough et le Mat Osman Show reviennent faire un petit tour. Aujourd’hui comme je suis en face de lui, je peux vraiment bien le voir et rire au maximum ! Et comme la veille, le groupe finira sur les trois singles de Suede, So Young, Metal Mickey et Animal Nitrate.

Je rate les setlists, la baguette de Simon mais je réussi à attraper la bouteille d’eau de Neil ainsi que son médiator ! Pour l’anecdote, le groupe a bu de l’eau galloise durant ces trois jours. Dire au-revoir à tous les fans avec qui on a fait la queue pendant trois jours est très dur et revenir à la vie “réelle” après cela encore plus, cependant c’est désormais avec un large sourire que je me rappelle que ces quelques jours, d’autant plus qu’il n’y a pas si longtemps que cela, l’espoir de revoir Suede un jour sur scène était aussi mince qu’un Richey Edwards version 1994. Cela a été un magnifique voyage dans le passé, le présent et le futur (les gars, on veut un nouvel album maintenant !). Chapel Club restera ma grande révélation, et c’est avec plaisir que je les retrouverai à Londres au mois d’octobre !

Texte : Ann'So. Photos bientôt !

Suede (play Dog Man Star) - Brixton Academy (London) - 20.05.11

2011-06-15T21:25:00.002+02:00

Vendredi 20 mai 2011 - soirée Dog Man Star ou comment j’ai récolté un surnom à la noix durant la queue et déprimé avec le sourire à la barrière.

8h55 - je suis troisième dans la queue après les Suisses ! Aujourd’hui le soleil tape dur sur la Jamaïque... euh, le quartier jamaïcain de Londres, j’emprunte la crème solaire des filles en oubliant de me tartiner les mains, résultat, elles sont cramées ! Je ne sais pas ce qu’il se passe dans l’air, si c’est la conséquence d’avoir vu le groupe hier ou celle de nos expériences d’achat à Poundland (où tous les articles sont à 1£) pour être plus confortables sur le trottoir de l’Astoria Walk, mais l’ambiance est au fou rire. Tout a commencé lorsque les Suisses ont acheté des bouées pour enfants aux couleurs de “The Spectacular Spiderman” en guise de coussin (le pire, c’est que c’est super pratique !) qui nous ont permis de faire une session photo collier-chapeau et compagnie jusqu’à temps que le vent se lève et qu’une photo me capture dans une position - à mon insu - de kung fu (je ne faisais que repousser les poussières !). Ajoutez à cela mon maquillage “yeux de panda” et vous obtenez le surnom de “Kung Fu Panda” ! Vers 15h, Simon arrive et nous gratifie d’un “Good Morning !” avec un grand sourire et se prête à une séance improvisée de photos et autographes. Mister Gilbert, toujours égal à lui-même. On ne verra pas passer d’autres membres du groupe, cependant tout Chapel Club passe devant nous (dont Michael et ses Creepers ! - FIN DE LA TROISIÈME MINUTE GROUPIE). Une fille passe pour récupérer nos adresses e-mail et nous donne une carte postale et des badges Chapel Club, j’adore ! Nous voyons une classe d’enfants de 7 ou 8 ans passer avec des pass Suede sur leurs blazers et là, grande joie, nous pensons que nous allons avoir les chants à la fin de We Are The Pigs. Nous les applaudissons, essayons d’échanger nos bouées Spiderman contre un pass mais en vain.

19h - rebelote, ouverture des portes, fouille et marche rapide en slalom autour des mini-barrières de la fosse en pente. Ce soir, je me place à mon endroit habituel, à gauche de Brett, à droite de Neil, face à Mat et en prime je vois magnifiquement Simon (mon préféré). Il faut noter que la Thaïlande et son Thaïlandais l’ont bien marqué, durant la totalité des concerts, il aura de l’encens constamment en train de se consumer (je ne suis pas fan de l’odeur, tant pis !). Même musique d’attente que la veille avec Interpol, Joy Division, etc...

20h15 - Chapel Club monte sur scène. Ce soir, nous avons le droit à une setlist bien meilleure à mon goût, même si finalement elle ne change pas tant que cela (ils n’ont sorti qu’un album, ils n’ont pas trop de choix de chansons). Cependant, ils nous réservent une petite surprise, une nouvelle chanson qu’ils n’ont jouée que 3 fois, répétition comprise. Waterlight Park peut se visionner ici ; pour ma part, j’ai adore le synthé qui donne une nouvelle dimension au groupe et j’espère qu’ils suivront cette direction pour leur second album, car je pense que cela leur va très bien. La dernière minute en crescendo avec les parles magnifiques de Lewis (qu’on ne remarque pas assez) est un de mes très jolis moments de tous ces concerts. Lewis paraît plus détendu que la veille et se lance dans quelques blagues : “On s’appelle Chapel Club, je le répète Chapel Club. Parce qu’apparemment hier, je l’ai pas assez dit.”... “Qui était là hier ?” Tout le premier rang lève la main. “Qui sera là demain ?” Tout le premier rang lève la main. “D’accord ! Donc on est Chapel Club et désolé, vous risquez de vous ennuyer parce qu’on n’a pas vraiment beaucoup de chansons à vous proposer ! On est Chapel Club ! Chapel Club !”

21h30 - Le GRAND moment va commencer et les cordes splendides de Still Life se font retentir... Première surprise de la soirée : Introducing The Band (déjà intro surprise à l’O2 Arena) est jouée en vrai par le groupe ! Et ma foi, “ça dépote” ! Brett a troqué sa chemise blanche de la veille pour une chemise gris chinée à fines rayures et a mis du chatterton sur son alliance (peur de se la faire voler ou de la perdre ?). We Are The Pigs arrive telle la cavalerie au galop et notre théorie des enfants s’avère finalement fausse ! Ces pauvres enfants ont dû se demander de quoi nous pouvions leur parler ! Pas le temps de vraiment se poser de questions, Suede, fidèles à eux-mêmes, enchaînent les chansons sans laisser de répit à quiconque essayant de se désincruster de la barrière et Heroine, avec son emprunt à Lord Byron, débarque dans une version finalement très émouvante lorsque Brett dit “I’m eighteen and I need my heroine”. Restons dans l’émotion avec la resplendissante The Wild Ones, la chanson qui m’a fait découvrir Suede avec son clip dans... Hit Machine ! (Si, si, la France vivait dans un monde parallèle en 1994 où elle passait des très bonnes chansons à la télé en pleine journée !) C’est la chanson de Suede préférée de Brett et son interprétation s’en ressent toujours, magnifique.

C’est la gorge serrée que j’entends les première notes de Daddy’s Speeding, grand moment de Dog Man Star (je précise que cet album est mon album préféré de Suede, et un de mes albums préférés tout court) et mon esprit s’envole à Hollywood dans les années 1950 avec James Dean. The Power me remet les pieds sur terre et j’espère sans grand espoir la réentendre un jour en français comme Brett l’avait fait au Bataclan en 1994 lors de la tournée double tête d’affiche avec les Manics. Le rythme de la chanson faisant, nous nous retrouvons à nous balancer de gauche à droite gentiment sans le vouloir. New Generation raccélère la cadence et “nous perdons la tête” avec Brett avec bonheur, surtout lorsqu’il vient sur la barrière jusque devant moi, je peux à peine le toucher pourtant sous peine de mort tellement je suis écrasée... Brett se retourne, me met un coup de derrière dans la tête, me fait un clin d’œil et remonte sur scène ! Mes lunettes valsent, je les rattrape au vol, les remets et voie flou... ??? Elles sont sales ! This Hollywood Life arrive et on continue dans la folie et on chante (faux) à tue-tête, je ne vois plus rien de toute manière...

Et on repart dans la déprime et l’émotion avec The 2 Of Us, qui me permet de nettoyer mes lunettes sans avoir peur de les perdre et de respirer un peu (en luttant pour ne pas pleurer). Ce combat continue dans Black Or Blue, vitrine de la merveilleuse voix de Brett, plus en forme que jamais. Place au chef-d’œuvre, je parle évidemment de The Asphalt World, présente ici dans sa version longue durant laquelle Brett s’éclipsera derrière pour laisser place à Richard et son génie. Je peux désormais mourir, j’ai entendu ma chanson préférée de Suede dans la version que je voulais. L’album se finit sur Still Life et nous retrouvons les cordes qui avaient ouvert le concert et là tout le public est bon pour se faire interner pour dépression, mais le rappel commence...

Comme nous y avions eu le droit à l’O2 Arena, Brett nous chante tout seul comme un grand avec sa guitare The Living Dead. Si nous nous croyions sortir des gorges nouées, larmes et autres, c’est mal barré ! Son récit d’un drogué de la part d’un ancien drogué touche certainement des cordes sensibles de part son honnêteté. Quelques notes de piano et nous reconnaissons avec surprise My Dark Star, face B de Stay Together, et c’est aussi avec surprise que j’entends toute la salle chanter ! Suede est en effet un groupe qui soigne autant ses faces B que les singles et les albums. Mais Suede avaient encore d’autres surprises pour ce soir et voilà qu’ils nous sortent de leur chapeau THE MEGA SURPRISE, alias Stay Together. Je reste bouche bée, mon cœur s’arrête, ma voisine Eva fond en larmes, l’effet est garanti ! Pour nous secouer et nous remettre l’esprit en place, ils nous ressortent Killing Of A Flashboy puis finissent la soirée sur les trois singles de Suede : So Young, Metal Mickey et Animal Nitrate.

Le groupe s’en va, je demande setlist et compagnie et je manque tout mais je repars dans l’idée d’avoir passé un moment magique et féerique.

Suite et fin demain !

Texte : Ann'So. Photos très bientôt !

Artmagic - The Windmill (London) - 18.05.11 & Suede (play Suede) - Brixton Academy (London) - 19.05.11

2011-06-14T20:56:00.001+02:00

Au lendemain des concerts de Brixton et à peine remise de ses émotions, Ann'So nous raconte sa folle semaine spéciale Suede !

Mercredi 18 mai 2011, 10h30, je prends le RER direction Paris dans une demi-heure et là me vient une idée : “Et si j’allais voir Artmagic ce soir ?” Gné ? Qui ? Sous ce pseudonyme se cache le chanteur et producteur Sean McGhee et un certain guitariste du nom de Richard Oakes, alias “la p’tite bite à Brett” (“Brett’s little Dick” en VO), alias le guitariste de Suede. Or le lendemain et les deux soirs de suite, je vais voir Suede jouer en intégralité leurs trois premiers albums, Suede, Dog Man Star et Coming Up, je ne connais rien de Artmagic mais cela ne vaut que 5£ et c’est dans un petit bar de Brixton, The Windmill, donc soirée tranquille en perspective. Confirmation Paypal imprimée, valise à la main, j’attrape mon RER, mon Eurostar et me voici dans “l’amour et le poison de Londres”. Passage (sous une pluie battante) à Camden où je trouve le flexidisc de Dog Man Star donné avec le NME pour 3£, petit dîner de sandwichs devant la télé dans la chambre d’hôtel et nous voici arrivées au Windmill. (Nous, c’est Sof, alias BlackSof la Belge et moi).

Pleins de fans de Suede sont là évidemment. La première partie est assurée par Andrew Montgomery, ex-chanteur de Geneva, groupe de la fin des années 1990 signé sur Nude, le label de Suede (ah ouais ?), accompagné par Sean, Richard et Jody Gadsden, le chanteur des Gadsdens, l’autre première partie sur qui je reviendrai plus tard. Andrew nous propose des chansons douces et calmes qui mettent sa voix en valeur et nous offre quelques blagues sur son accent (“Qui vient de l’étranger ? - Vous comprenez ce que je dis ?”) et des imitations de pub pour la bière entre deux, ce qui assure une bonne ambiance. Il nous rappellera aussi qu’il a chanté dans un groupe qui s’appelait Geneva qui a ouvert pour Suede il y a... (longue toux) beaucoup de temps. The Gadsdens donc, quintette de Londres ma foi fort sympathique et mon gros coup de cœur de la soirée (cela n’a absolument rien à voir avec le fait que je trouve Jody très à mon goût et en plus il sent très bon... FIN DE LA PREMIÈRE MINUTE GROUPIE). En tout cas, ils ont attiré un peu plus de monde avec leurs chansons entraînantes teintées années 1980 (ils se sont fait connaître par une reprise de Bronski Beat).

Puis voici Artmagic pour la sortie de leur EP I Keep On Walking. Sof m’avait prévenue que “c’est assez lent, assez doux”, et bien nous avons bien été surprises ! Il y avait des morceaux qui “cassaient la baraque” ! Mon petit bémol était le public qui parlait bien trop et donc j’avais du mal à me concentrer sur la musique qui a fini en “soupe” dans mes oreilles. Avis aux fans de Doctor Who, Sean est un gros fan (avec qui j’ai fini par discuter de la série sur Twitter !) et nous montrera ses chaussettes ornées de Daleks pour le prouver ! (Avec le recul, effectivement la manière dont il était habillé rappelait le costume du 11ème Docteur, le nœud papillon en moins, pourtant “Bow ties are cool !”). Richard m’est apparu sous un nouveau jour, moins hamster ou “lapin pris dans les phares” et plus détendu. Sean a remercié ceux venant de loin pour voir “d’autres gars” pour avoir modifier leur vol/train/hôtel/projets. Le EP était disponible à l’achat et le groupe s’est prêté avec sourire (mais Richard, que t’arrive-t-il ?) à une séance d’autographes et de photos avec les fans durant laquelle on apprendra que sa nièce s’appelle Sophie (au grand bonheur de Sof, fan de Richard de la première heure, qu’on a dû - gentiment - pousser pour qu’elle obtienne son Saint Graal).

Jeudi 19 mai 2011 - soirée Suede ou “Comment j’ai survécu au premier rang devant Brett avec une Sumo à côté de moi”

9h15 - je suis deuxième dans la queue puis progressivement, les habituées (bah oui Suede, ça attire les filles !) des précédents concerts arrivent dans une ambiance bon enfant. Comme d’habitude “queuer” consiste à s’asseoir sur un trottoir façon SDF/réfugié et à parler, manger, rire, se faire insulter, entendre une demi-heure de louanges sur le modèle de Doc Martens qu’on porte, dévaliser Poundland, etc. jusqu’à 19h et l’ouverture des portes et la fouille (“Nan, j’ai pas de chewing-gums, laisse-moi rentrer ! - Oui j’ai bien un ticket fosse, laisse-moi passer !”). Ce soir, je décide de me placer à côté des Suisses fan de Brett (c’est à dire au centre légèrement décalée sur la droite, face à Simon) mais le mec à ma gauche laisse un espace entre lui et moi (mauvais signe).

20h15 - Chapel Club arrivent sur scène, à peine remarqués. Ne connaissant pas ce groupe à l’annonce de leur première partie de ces trois soirs, je suis littéralement tombée amoureuse de ce groupe de Londoniens qui tombent dans la case “post-punk/shoegaze/etc.” et de la voix du chanteur, Lewis Bowman, à mille lieues de son physique. Ils lancent leur set avec Surfacing, alias “la chanson qui plagie Dream A Little Dream”, un de leurs singles et de la même manière dont la chanteuse de New Young Pony Club m’avait remarquée en train de chanter lors de la première partie de Suede à l’O2 Arena, Lewis me prendra en flagrant délit de “Oh putain, y’en a une qui connait mes paroles !”. Avec le recul, la setlist qui ont choisi pour ce soir est celle qui aura le moins bien marché, de plus le groupe reste timide sur scène et n’a pas franchement de “look” (à part le magnifique guitariste Michael Hibbert qui avec ses vestes bien taillées et ses Creepers assume le rôle de “bien fringué” du groupe - jusqu’à ce qu’il coupe sa magnifique toison ondulée en coupe à la Cribs et sorte ses mocassins à glands le troisième soir... - FIN DE LA DEUXIÈME MINUTE GROUPIE), cependant on ressent une grande fierté dans les yeux de Lewis qui semble apprécier le moment. Leur Twitter me confirmera plus tard qu’il est fan de Suede. Ils finissent sur “ma chanson préférée de nous” (dixit Lewis), c’est à dire The Shore, LA chanson qui m’a fait dire “J’AIME ce groupe !” que l’on peut télécharger sur leur site officiel.

21h30 - Suede arrivent sur scène après Bodies des Sex Pistols et la version instrumentale à cordes de Sleeping Pills. So Young démarre et voici qu’une énorme Japonaise de la carrure d’un sumo vient s’intercaler à ma gauche et là, c’est la ca-ca, la cata, la catatrosphe : me voici partie pour une heure et demi de concert de folie écrasée contre la barrière (merci la fosse en pente), penchée sur la droite, le coude de la sumo dans le cou... D’accord, ce sont les aléas des concerts en fosse et j’y suis habituée depuis les quelques 15 ans que j’en fais, mais j’avoue que là, ce n’était franchement pas possible. Je vous ai parlé des “Breeeeeeeeeeeeeeettttttttt, I love youuuuuuuuuuuuuuuuuuuu” qu’elle sortait à chaque fois que Brett osait s’approcher de nous ? Fermons la parenthèse et concentrons-nous sur ce qu’il y a de plus important, la musique, la sueur et l’émotion. So Young démarre donc et là tout le monde entonne le “she can... start... to walk out... when she wants”, Brett se secoue de partout, saute dans tous les sens, et finit la chanson en faisant tournoyer son micro au-dessus de lui, de nous, de tout le monde et là, je pense au pauvre Richard qui avait failli se le pendre en pleine poire à l’O2 Arena.

Ce qui est pratique lorsque l’on va à des concerts spéciaux dans lesquels des albums sont joués dans leur intégralité, c’est que l’on sait quelques chansons seront jouées dans quel ordre. C’est donc sans surprise que les premières notes d’Animal Nitrate retentissent et son “21” combinaison de V-sign et de doigt d’honneur (les fans de Suede et Anglophiles comprendront, pour les autres, je vous réfère à la page Wiki). Brett fait son petit saut habituel sur la barrière du premier rang et revient, un bouton manquant à sa chemise. “Vous me devez un bouton !” lancera-t-il en refermant ce qu’il reste des-dits boutons.

Petit moment de répit avec la très jolie She’s Not Dead et c’est reparti pour un écrasement de côtes et de tout ce qui peut exister dans le corps avec Moving qui fonctionne toujours très bien en live, il faudrait qu’ils pensent à la sortir plus souvent dans leur set live. Suivra le classique Pantomime Horse qui me rappelle à chaque fois la vidéo de toile de fond qu’ils utilisaient sur la tournée Dog Man Star avec une ballerine qui se fait lécher le derrière en ombres chinoises (enfin c’est ce que mon esprit tordu comprenait à l’époque et comprend toujours, je vous laisse vous faire une idée ici) qui va de pair avec les paroles “Ever tried it that way - have you ever tried it that waaaaaaaaaaaaay?” Comme à son habitude, c’est un magnifique moment que le groupe nous donne là.

The Drowners nous sort de notre belle stupeur et là tout le monde braille les paroles et la folie s’empare réellement de la superbe salle qu’est la Brixton Academy. Si je comptais rentrer en France avec toutes mes côtes, l’espoir s’amenuise peu à peu. Breakdown nous laisse reprendre notre souffle avant de replonger dans l’action avec Metal Mickey sur laquelle j’essaie comme je peux de me dégager de la Sumo en tapant des mains sur le “She seeeeeeeeeeeells heart, she seeeeeeeeeeells meat”du refrain. En vain. Je commence à perdre espoir et à m’imaginer en train de mourir étouffée entre elle et la barrière sans que personne ne s’en rende compte... Surtout quand la prochaine chanson remue autant que la précédente : Animal Lover (petit coup de griffe à Damon Albarn quand les deux se “partageaient” Justine Frischmann à coups de suçons sur son corps). The Next Life conclut l’album majestralement en piano voix Brett/Neil et on a juste envie de voler avec eux dans une vie meilleure...

Voici le moment du rappel constitué de “surprises” comme on nous l’avait annoncé... Le groupe au complet revient pour High Rising, face B de So Young avec sa fin magique “Stop making me older, start making me new” qui me fait hérisser les poils à chaque fois. Une autre face B plus connue en live suivra : He’s Dead, face B de Metal Mickey. La partie face B se finira sur les célèbres My Insatiable One et To The Birds et sa ligne de basse royale. La pochette de We Are The Pigs apparaît derrière le groupe tandis que la batterie de l’intro de Killing Of A Flashboy claque dans l’air nous fouetter le visage et c’est reparti pour un tour de manège “écrasement de côtes” mais qu’est-ce qu’on peut l’aimer cette chanson ! Et puis là, gros arrêt sur image, j’entends Can’t Get Enough, je vois la pochette de Head Music surgir mais je ne reconnais pas ! (Mode blonde on) Cette chanson reste pour moi le “Mat Osman show”. Je vous conseille vivement d’arrêter de regarder de temps en temps Brett/Neil/qui vous voulez et de vous intéresser au grand dadais à la basse qui nous fait des mouvements de bassin sexy et chante de la manière d’un singe, un de mes passe-temps préférés en concert de Suede, merci Mat ! Le groupe nous quittera sur le doublé Trash et Beautiful Ones, la première forcément dédicacée à ce webzine [merci ! ndlr], la deuxième avec le retour du V-sign sur “22”.

Le corps meurtri, les cheveux dégoulinant de sueur, je reste à l’hôtel bien décidée à éviter la Sumo pour le restant de mes jours suediens...

La suite demain !

Texte : Ann'So. Photos à venir bientôt !

Andrew Montgomery : MySpace
The Gadsdens : Site
Artmagic : Site
Chapel Club : Site

Suede - Suede - Dog Man Star - Coming Up - Head Music - A New Morning

2011-06-13T23:07:00.005+02:00

Tout a commencé il y a un an par un concert sous forme de renaissance. Lorsque le public du Royal Albert Hall ovationne Suede durant de longues minutes après un mémorable Metal Mickey, le groupe disparu depuis 2003 réalise que de nombreux fans, anciens et nouveaux, ont attendu ce moment durant de longues années sans trop y croire, condamnés à pleurer éternellement devant leur cassette vidéo usée de Love & Poison. Ce soit-disant one-off gig a remis Suede sur le devant de la scène au moment où personne ne s'y attendait, oubliez donc les disques médiocres, les années 2000 et Brett Anderson en débardeur-sandales, le retour du groupe est tout simplement impérial.

Plutôt que de proposer un nouvel album décevant et faire de ce come-back un pétard mouillé, Suede a eu l'excellente idée de remasteriser sa discographie accompagnée de bonus absolument fantastiques qui n'ont rien d'un vulgaire remplissage. On constate également que le groupe ne rejette rien, ni l'inégal Head Music (1999) qui contient tout de même quelques moments de grâce (Everything Will Flow, Indian Strings), ni l'embarrassant A New Morning (2002) considéré par Anderson lui-même comme l'album de trop. Moins inspirés, caricaturaux, enregistrés par des musiciens à bout de souffle, ces deux disques sont la preuve que ce n'est pas le départ de Bernard Butler qui a tué Suede mais la pipe à crack de Brett ''best drugs in London '' Anderson.

Car avant de se perdre dans des expérimentations douteuses, le groupe alors constitué de Richard Oakes à la guitare et Neil Codling aux claviers a enregistré l'un des meilleurs albums de pop des années 90, Coming Up (1996). Un disque flamboyant, glamour et supporté par deux hymnes devenus incontournables définissant à eux-seuls l'esprit Suede célébrant ''all the love and poison of London'', Trash et Beautiful Ones. Un ''do your make-up record'' à l'opposé du ténébreux Dog Man Star, une œuvre ambitieuse (les sceptiques diront prétentieuse) et ridiculement superbe enregistrée dans un contexte glacial, Bernard Butler étant alors seul contre le reste du monde. Le guitariste rêve de solos interminables, de morceaux de vingt minutes et ne partage pas les escapades toxiques de son partenaire, des différents qui le pousseront à enregistrer ses parties séparément du reste du groupe avant d'être gracieusement mené vers la porte de sortie, sa six cordes et sa frustration sous le bras. Dog Man Star demeure malgré tout un album joliment démesuré (ce déluge de cordes sur Black or Blue et Still Life...), puissant (This Hollywood Life, We Are The Pigs, la bien nommée The Power), sombre et halluciné (The Asphalt World, Daddy's Speeding, Introducing the Band), un sommet que Suede n'atteindra hélas plus.

Le duo Butler/Anderson aurait pourtant pu aller loin s'il n'avait pas comme tant d'autres été démoli par la peste et le choléra du rock: la drogue et les batailles d'ego. L'album Suede sorti en 1993 célèbre un rock'n'roll adolescent, insolent et parfois tout simplement d'une grande beauté, loin des courants dominants de l'époque et responsable d'un impressionnant cataclysme médiatique. On comprend alors pourquoi un seul single, The Drowners, a suffi pour ériger Suede en sauveurs de la musique britannique, pourquoi la presse a vu en ces gamins de la working class les héritiers d'un dandysme seventies incarné par Bowie et Bolan, pourquoi des milliers de fans avaient enfin trouvé leur groupe.

Ces rééditions permettront également aux novices de découvrir que Suede est responsable d'une tripotée de b-sides absolument fantastiques déjà en partie réunies sur Sci-Fi Lullabies en 1997. My Insatiable One, To the Birds, High Rising, Europe Is Our Playground (malheureusement la version proposée ici est beaucoup moins réussie que la version Lullabies), Killing Of A Flashboy, My Dark Star, The Living Dead et autres perles furent hélas condamnées au triste destin des faces-b que personne n'écoute à part les fans dévoués, ceux qui ont donc négligé Sci-Fi Lullabies pourront enfin apprécier ces géniaux morceaux de l'ombre encore régulièrement joués sur scène.

En réécoutant cette fascinante discographie dans l'ordre chronologique, on comprend aisément pourquoi Head Music et A New Morning ne trouvent toujours pas leur public même chez les nouveaux admirateurs: ce qui définissait Suede a disparu pour laisser place à un groupe perdu, sans vision, dépassé par les évènements. Suede, Dog Man Star et Coming Up ont en commun une esthétique et une identité fortes qui s'articulent autour d'idées profondément fédératrices: le désir d'évasion dans tous les sens du terme, la confusion des genres, l'appartenance à un gang, le besoin viscéral de faire de sa vie quelque chose de plus beau, de cinématographique tout en vivant dans un HLM.

En plus des obligatoires raretés, versions longues et démos, chaque album est agrémenté d'un DVD offrant quelques trésors, notamment un cadeau du ciel auquel on ne croyait plus: le live Love & Poison capté à la Brixton Academy en 1993 autrefois disponible uniquement en VHS, une performance qui justifie à elle-seule l'achat de Suede. Étrangement filmé, parfois gâché par des effets arty inutiles imposés par le réalisateur mais porté par un Brett Anderson vocalement impressionnant derrière son allure de flapper sous speed et un Bernard Butler discret mais parfait, cet enregistrement culte montre un groupe déchaîné et théâtral qui n'a pas peur de jouer avec les clichés. Certains détesteront, les autres savoureront le lyrisme assumé de The Next Life et Sleeping Pill et les chorégraphies de Brett, danseuse orientale dans une vie antérieure.

On appréciera également le très bon concert à la Roundhouse en 1996 où le groupe interprète Rent et Saturday Night en compagnie de Neil Tennant et évidemment les trois minutes sexy et furieuses de Animal Nitrate aux Brit Awards 1993 qui permettent à elles seules de comprendre pourquoi Suede a déclenché l'hystérie des foules: qui, en ces années 90 tournées vers le baggy et la chemise à carreaux, aurait osé chanter vêtu d'une chemise en dentelle à peine nouée, se frappant frénétiquement le fessier avec son micro?

Les banlieusards rêvant d'une vie glamour sous le ciel londonien n'avaient pas de voix, Brett Anderson fut la leur. La musique de Suede n'a rien de révolutionnaire, une grande partie de la jeune génération ne redécouvrira sans doute pas leur œuvre mais ils font partie de ces groupes rares qui, à un moment clé, ont parfaitement compris ce que le public attendait. Suede a changé des vies, a parlé à ceux qui ne se reconnaissaient plus dans le rock du début des années 90, a réinjecté du sexe, de la décadence, une vision d'esthète dans une scène musicale mollassonne, a ouvert la voie à une Britpop qui allait sombrer aussi rapidement qu'elle était arrivée mais qui laissa derrière elle quelques grands albums. Suede restera pour beaucoup le groupe de leur adolescence et pour les nouveaux fans les représentants d'une grandiloquence et d'un romantisme purement britanniques qui ont aujourd'hui disparu du rock'n'roll. Suede est plus qu'un groupe, c'est un concept, et à défaut de proposer quelque chose de nouveau ces rééditions nous offrent un délicieux goût d'éternelle jeunesse.

Stay Beautiful (live band: The Dogbones) - Purple Turtle (London) - 22.04.11

2011-06-07T23:07:00.005+02:00

Come taste the wine,

Come hear the band,

Come blow your horn,

Start celebrating,

Right this way,

Your table's waiting.

No use permitting

Some prophet of doom

To wipe every smile away.

Come hear the music play.

Life is a Cabaret, old chum,

Come to the Cabaret!

Il est un peu moins de trois heures du matin, et au cœur de Camden quelques 300 personnes se prennent pour Liza Minnelli, s’appropriant ces paroles qui concluent le tragi-comique Cabaret, et qui pourraient résumer à elles seules l’esprit de cette soirée. Au dehors l’Angleterre de Cameron & co. s’enfonce chaque jour un peu plus dans une rigueur lugubre, mais ce soir tout le monde a laissé ses problèmes à la porte : le mot d’ordre, c’est la fête, et rien d’autre.

Stay Beautiful célèbre cette nuit ses 10 ans. Créée initialement par Simon Price, que je ne présente plus, et son acolyte Tony Maggs, oiseau des nuits thaïlandaises, cette soirée fut dès ses débuts un rassemblement de freaks londoniens et de pin-ups de banlieue, de travelos gothiques, de punks glamours et d’amateurs de burlesque ; et bien entendu : de fans des Manics. Au fil des années, les curieux sont devenus des habitués et en ont fait leur soirée, chaque premier samedi du mois, créant une sorte de communauté follement éclectique mais finalement homogène, rassemblée par l’amour des plumes, des paillettes, et de la bonne musique. Ce soir, tous ont fait le déplacement : car plus qu’un anniversaire, c’est aussi la dernière fois que Stay Beautiful fait vibrer nos chers noctambules. Une raison de plus pour boire, danser et briller comme jamais.

Chacun a revêtu sa plus belle tenue : les filles ont pris d’assaut les garde-robes de Dita Von Teese, de Katie Jane Garside et de Courtney Love, les garçons eux se sont inspirés de Richey Edwards ou de David Bowie, quand ils n’ont tout simplement pas emprunté la plus belle robe de leur copine. Tout ce beau monde se retrouve une dernière fois devant le Purple Turtle, et alors que cette file colorée s’allonge sur le trottoir, la tension et l’excitation se font palpables, j’ai l’impression de vivre la scène de la Mort du Glitter (de l’excellent Velvet Goldmine) et c’est un sentiment très étrange que d’assister à ce qui est sans doute la fin d’une ère.

Mais trêve de mélancolie : nous rentrons enfin dans cette salle que nous connaissons si bien, et les bonnes vieilles habitudes reprennent : les amis se retrouvent, le bar ne désemplit pas, les « Oh my God I looove your outfit! » fusent. Pendant six heures nous allons danser comme si notre vie en dépendait, les hanches se balancent et les corps se rapprochent, les robes finissent invariablement trempées de sueur (et de bière), les pieds et les cordes vocales s’échauffent, chaque chanson est accueillie par des petits cris d’excitation (« Oh my God it’s my song! ») ; là, maintenant, plus rien d’autre n’a d’importance. Que valent les exams, la dèche, et les histoires d’amour tordues quand on peut danser sur Animal Nitrate, Rebel Rebel, ou Celebrity Skin ?

Les heures défilent aussi vite que les litres de vodka, quand The Dogbones viennent offrir aux danseurs chevronnés l’occasion de se ravitailler au bar et de sortir fumer une cigarette. Les spectateurs plus attentifs découvrent eux un groupe ressuscité des cendres de Daisy Chainsaw et de Queen Adreena, emmené par une Nomi Leonard visiblement possédée. Les deux batteurs et les guitares acérées s’amusent à nous malmener grâce à un punk aussi primal que fascinant, tandis que Nomi alterne les poses de poupée et de furie enragée, pour mieux nous casser les oreilles avec ses délires de folle furieuse. Mention spéciale à Johnny Orion, guitariste à l’allure d’alien albinos et au charme lunaire.

Les Dogbones sont certes épatants sur scène, mais la concentration me fait défaut et je rejoins des amis ; vers minuit la fête reprend son cours, et comme coupé du monde, l’endroit est pris dans une spirale infernale, nous ne connaîtrons plus une minute de répit, les DJs de ce soir (Simon Price, Tony Maggs, Jenna Price) tenant à ce que cette soirée surpasse toutes les autres. Le temps passe à une vitesse incroyable, tout s’enchaîne à un rythme effréné : Motown Junk, 4e bière, Bad Romance, pluie d’œufs de Pâques, (I’m just a) Sweet Transvestite (from transsexual Transylvania), énième gin & tonic, Jeepster, le Prince William qui distribue de la vodka dans un arrosoir (une longue histoire), Spice Up Your Life, stage invasion, Disco 2000… Je n’arrive plus à me souvenir si je suis dans un cabaret berlinois des années 20, au Roxy en 1977, ou en 1995 en pleine Cool Britannia, c’est tout bonnement hallucinant.

Alors que je regarde anxieusement ma montre dont les aiguilles se rapprochent dangereusement des 3 heures, Simon lance un dernier message au micro : « Stay Beautiful only exists because of a fabulous band called Manic Street Preachers, that’s why we’re gonna end this night with not one, but three Manics tracks. So good night, and stay beautiful ». S’ensuivent From Despair To Where, You Love Us et bien sûr Stay Beautiful, dont les « why don’t you just FUCK OFF! » s’avèrent plus que jamais jubilatoires, et inoubliables.

Amassés sur le trottoir, nous sommes nombreux à sembler refuser de partir. Les filles enlèvent leurs talons de 10 cm, on use de ses derniers charmes (l’accent français, une valeur sûre), on tente d’appeler un taxi… On évite de se dire que c’est la dernière fois qu’on vit une soirée comme celle-là, car la frustration est grande. Pour beaucoup de gens, et notamment pour les fans des Manics, plus habitués à traîner dans leurs bouquins qu’à sortir en boîte, Stay Beautiful était la seule soirée où l’on pouvait donner libre cours à ses folies vestimentaires, c’était la seule soirée à allier magnifiquement glamour et intelligence, c’était la seule soirée où l’on était sûrs d’être entourés d’amis. C’était notre soirée.

Stay Beautiful : site officiel (nombreuses photos), page Facebook.

ULTERIOR - Wild In Wildlife

2011-05-22T15:50:00.003+02:00

« Sleep late, have fun, get wild, drink whisky, and drive fast on empty streets with nothing in mind except falling in love and not getting arrested... » - Hunter S. Thompson

C’est peut-être l’album que j’ai le plus attendu cette année, et avec une impatience aussi intense qu’angoissée : depuis 2008, j’avais tout misé sur ces quatre individus sortis des ténèbres, et j’allais enfin découvrir si Ulterior étaient à la hauteur de mes espérances. Les masochistes dans mon genre avaient déjà adoré souffrir en écoutant Kempers Heads - un premier EP aussi stérile, froid et toxique que les alentours de Tchernobyl, et ils étaient vite devenus accros à la musique empoisonnée de ce groupe fascinant. Derrière leurs perfectos et leurs déclarations pleines de fiel, Ulterior m’ont toujours semblés un niveau au-dessus de tous les autres groupes auxquels on les a assimilés : O Children, SCUM, et généralement toute la clique de l’est londonien. Plus ambitieux, arrogants et déterminés que les autres, ils semblent traîner leurs boots usées sur une route qui leur est propre, se moquant pas mal que la mode soit plus à la pop légère des Vaccines qu’aux mélodies irrespirables dans lesquelles ils excellent. Et avec Wild In Wildlife, les voilà prêts à conquérir le monde.

Entrons donc dans les contrées hostiles et anxiogènes qu’affectionne ce groupe faussement macho et obsédé par, je cite : le sexe, la guerre et les bagnoles. Sex War Sex Cars Sex fait d’emblée office d’avertissement : pas de doute, il va falloir avoir le cœur bien accroché. Le disque ouvre en effet sur une débâcle de guitares noisy et de violence maîtrisée, rendant rapidement son pauvre auditeur assommé, électrifié, et en demandant encore. Catherine, plus clémente, nous emmène ensuite au cœur des années 80, une ambiance qui dominera le reste de cet album. Quelque part entre un tube oublié de Billy Idol (la ressemblance vocale est troublante) et un classique new wave, on ne sait plus très bien si on est toujours en 2011, ou si l’on est revenu en 1984.

L’album enchaîne sur des titres que les connaisseurs avaient déjà eu la chance d’entendre, mais entièrement revus et corrigés. Si Sister Speed ne bénéficie pas forcément de ce nouveau traitement, Dream Dream passe en revanche du statut de vague démo mal dégrossie à celui de véritable chef-d’œuvre. Presque méconnaissable, elle est devenue diabolique, animale, et développe sur 7 minutes 20 une rengaine aliénante qui monte en puissance jusqu’à atteindre des sommets vertigineux. Ulterior parvient ici à réaliser le parfait mélange d’électro glaciale et de rock poisseux, la ligne de basse est aussi cauchemardesque qu’un film de Kubrick ; le tout est extrêmement bien produit tout en gardant son vernis un peu sale : on se surprend à penser à Depeche Mode, époque Violator. À mi-chemin de cet éprouvant périple, on peut déjà l’affirmer : il valait le coup d’attendre, celui-là.

Big City Black Rain continue ensuite de surfer sur la vague eighties, avec une guitare aussi désespérante qu’une virée nocturne dans les rues d’une ville endormie. C’est le son de l’enfer urbain où l’on meurt d’ennui, dans ce qu’il a de plus ordinaire et de déprimant. Ce qui suit est marqué par le même sentiment de désolation. Les pédales de distorsion continuent de côtoyer les synthés déshumanisés sur Too In Love To Fuck et The Emptiness We Share, dont les titres laissent peu de doute quant à leurs thèmes désenchantés.

Après un Tarantula à l’atmosphère venimeuse, c’est au tour de Wild In Wildlife d’étaler sur dix minutes toute l’angoisse et le désespoir qui ont alimenté ce disque jusqu’à présent, comme l’apogée naturel de ce voyage dans les abîmes du monde moderne. Avec une intro presque shoegaze et des guitares qui n’en finissent plus de gémir, la chanson-titre est la preuve finale qu’Ulterior a atteint une dimension supérieure : je n’avais pas entendu quelque chose d’aussi épique depuis très, très longtemps. Au sortir d’un tel monument de nihilisme, et comme un ghost track, Shallow Brown est une ballade sinistre et mélancolique, entonnée par un Honey (Paul McGregor) comme épuisé après une telle chevauchée. Une dernière marche un peu manquée et qui conclut ce disque sur une note d’amertume.

On sort de Wild In Wildlife complètement sonné, et avec l’impression de tenir entre ses mains un album culte des années 80. À l’image de sa pochette aux couleurs artificielles, il est la parfaite bande-son d’une époque de désillusions, vécue sous la froideur des néons, où la solitude et l’agressivité sont les uniques moyens de survie. En cela il est aussi infiniment plus moderne et sincère que tout ce qui est sorti récemment. Et si 2012 nous promet l’apocalypse, Wild In Wildlife nous offre déjà un avant-goût de fin du monde.

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The Raveonettes - Raven In The Grave

2011-04-14T00:59:00.005+02:00

Les Raveonettes sont très énervants. Talentueux, beaux, classes, capables d'écrire des mélodies à tomber, depuis 2002 Sune Rose Wagner et la très hitchcockienne Sharin Foo réalisent leur rêve américain et réinventent cinquante ans de rock, du Velvet aux Everly Brothers, des Ronettes aux Jesus And Mary Chain. Rétro sans être ringards, hors du temps, les danois semblent incapables de commettre la moindre faute de goût, chose rare pour un groupe qui totalise cinq albums et quelques EPs.

In And Out Of Control sorti en 2009 nous montrait un duo à peu près aussi joyeux qu'un Ian Curtis sous lithium : Suicide, Oh I Buried You Today, D.R.U.G.S, The Last Dance, Gone Forever et autres titres drama queenesques dignes d'un groupe Emo laissaient augurer un virage pas franchement tourné vers les virées surf en Californie. En 2011, Sune Rose et Sharin sont visiblement encore en train de descendre les neuf cercles de l'Enfer.

Au revoir fausse candeur, ambiances de diners californiens des années 50 et clips à la Russ Meyer, les Raveonettes ne rigolent plus et pour être honnête on se demandait bien comment le duo allait évoluer après avoir épuisé jusqu'à la corde le filon mur du son/refrains pop/thèmes adolescents. Plus noir, plus lancinant, Raven In The Grave (quel titre...) est tout simplement la suite logique de In And Out Of Control et surtout un superbe album shoegaze comme on n'en fait plus, mélodieux, écrasant, obsédant, une oeuvre d'hiver au beau milieu du printemps. Les voix enchanteresses et mélancoliques de Sune Rose et Sharin servent à merveille ce disque ténébreux, comme si soudain quelqu'un avait enfin décidé de mettre en musique les textes d'Edgar Allan Poe. Loin du ton bitchy de Love In A Trashcan ou de la douceur de Here Comes Mary, les corbeaux danois sonnent ici comme des fantômes errant dans un paysage enneigé et n'ayons pas peur des mots, il y a quelque chose de gothique dans les magnifiques War In Heaven, Let Me On Out, Evil Seeds, le parfait titre d'ouverture Recharge & Revolt ou le très eighties Apparitions. Evidemment l'album s'achève sur l'obligatoire ballade, ici la très lacrymale My Times Up qui vous fera renoncer à toute joie de vivre, s'il vous en restait encore un peu.

Les Raveonettes ne changeront sans doute jamais totalement leur formule magique, se moqueront des modes, s'accrocheront à leur indéfectible vision du rock'n'roll. Ils resteront éternellement obsédés par Phil Spector, Bonnie & Clyde et passeront du soleil de la route 66 à la tempête avec panache et élégance, autant dire que nous n'avons pas fini de les admirer. Énervants, je vous dis.

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Great Men - Live In London

2011-04-04T23:19:00.002+02:00

Quand des types qui enregistrent avec Ulterior et avouent avoir Generation Terrorists dans leur autoradio nous ont envoyé leur EP par un bon matin de mars, on n'a pu que les trouver sympathiques, et prendre un peu de temps pour parler ici de ce premier disque, intitulé Live In London.

Great Men, duo originaire de Nottingham, se décrivent sur leur carte de visite non pas comme un groupe, mais comme des « essayistes » du rock instrumental, et à l’écoute de cet EP, on comprend immédiatement pourquoi. Ne cherchez pas chez eux de rengaines faciles ou la sacro-sainte structure couplet-refrain-couplet-refrain, les trois titres de Live In London sont des pures expérimentations musicales. Bien que classique sur le principe (boîte à rythme, grosse basse, guitares noisy), une telle approche déroute, et notamment l’absence totale de chanteur, tant dans l’histoire du rock les bons groupes exclusivement instrumentaux se comptent sur les doigts de la main.

Passée cette première barrière, on ne peut que reconnaître la créativité musicale de nos deux amis : les lignes de basse rivalisent de virtuosité avec la guitare solo, et chaque morceau a le mérite de ne pas tomber dans le piège « chanson prog rock de 17 minutes à n’écouter que sous héro ». On retiendra surtout Lady Cakes, titre le plus abouti et le plus fiévreux, sur lequel le groupe affiche clairement son goût pour un rock dark à la Sisters Of Mercy.

Un album enregistré à Shoreditch (tiens donc) devrait voir le jour prochainement. En attendant on lira également leur blog, qui prouve que pour un groupe instrumental ils ont aussi bien des choses à dire.

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IAMX - Volatile Times

2011-03-21T21:06:00.000+01:00

Voilà déjà une quinzaine d’années que Chris Corner traverse la nuit londonienne telle une étoile filante. D’abord dans un groupe culte des 90s, les Sneaker Pimps, puis comme unique tête pensante et surdouée d’IAMX, son projet solo. Électron libre dans une décennie à laquelle il ne semble pas appartenir, Corner crée un groupe à son image : mystérieux, dramatique et flamboyant. Et nous gratifie de trois albums plus entêtants les uns que les autres, à l’érotisme aussi sombre que brillant. Bien loin de n’être qu’un groupe qu’on « écoute », IAMX met également un point d’honneur à faire de ses lives des expériences visuelles, dignes d’un cabaret burlesque, explorant les frontières du genre, et surtout des genres.

Une jolie carrière qui ne présageait que du bon pour la sortie de ce nouvel opus, Volatile Times. Mais hélas les meilleurs d’entre nous ne sont pas infaillibles, et IAMX n’est cette fois pas à la hauteur de nos espérances. Si Corner semble avoir mis au placard ses costumes à paillettes pour une posture bien plus sinistre, on est loin d’accrocher à cette nouvelle direction. Tout ce qui faisait la force et l’originalité de ce groupe - la démesure, les rythmes aliénants, les thèmes décadents - est quasiment inexistant de ce disque.

Volatile Times n’est pas foncièrement mauvais, on n’y trouve pas vraiment de chansons désastreuses ou de véritables fautes de goût, mais voilà, on s’ennuie. De l’inaugural I Salute You Christopher, aussi inutile et barbant qu’un apéritif sans alcool, au soporifique Dance With Me, on se demande si Corner n’est pas tout simplement en train de nous faire une dépression. Alors que sa nouvelle vie à Berlin était censé lui donner l’inspiration, on a envie de lui conseiller un retour sur sa terre natale.

Heureusement, quelques titres sortent tout de même de cette masse noirâtre. Si la chanson titre Volatile Times et Cold Red Light renouent avec les heures glorieuses d’IAMX, ambiguës et malsaines, c’est surtout Bernadette qui retient l’attention. Derrière ce titre pas franchement glamour se cache une perle d’éblouissante mélancolie, aussi hivernale et désespérante qu’un vent d’Est, et seule véritable trace de l’influence berlinoise sur Corner. Autre temps fort, Oh Beautiful Town, qui conclut en beauté et sauve la face d’un album globalement décevant.

Passage à vide ou impasse créative, on espère qu’IAMX ne met pas fin ici à son fascinant parcours. Dans tous les cas, il ne fait aucun doute que Chris Corner, créature aussi sauvage que changeante, saura encore nous charmer par ses hymnes à l’autodestruction, aux relations sadomasochistes, et autres légèretés du genre.

The Tamborines - Camera & Tremor

2011-02-21T02:10:00.010+01:00

The Tamborines ont illuminé mon été 2007. Après avoir repéré le groupe sur Myspace c'est en Angleterre, entre deux inondations à Oxford, un séjour désastreux à Liverpool et une nuit passée sur le sol de la gare de Waterloo que le trio eut la bonne idée de mettre entre mes mains le EP Sally O'Gannon fraîchement sorti. La chanson-titre joliment pop rendit mon Koh Lanta au pays de la Marmite plus supportable et j'ai depuis gardé une certaine affection pour cette Sally dont les créateurs avaient en revanche disparu.

Il aura donc fallu attendre trois ans pour que l'album des Tamborines voie enfin le jour, au moment où le groupe était sur le point de n'être plus qu'un lointain souvenir. Et même si Camera & Tremor pâtit d'une production trop sage qui manque parfois de puissance, l'attente ne fut pas totalement vaine.

La légende ne dit pas si la pochette a pour but de clairement faire comprendre à l'auditeur nigaud qu'il a face à lui un groupe de shoegaze. Le clin d'oeil est judicieux, d'emblée 31^st Floor plante le décor et rappelle les BRMC des débuts: bourdonnement, rythmique froide et simple, ce premier morceau évoque un truc à la fois sombre et sexy sans être glauque, plus proche de la périlleuse cavale nocturne d'une femme fatale des années 40 réajustant ses gants après l'assassinat de son amant que de la sordide existence d'une gogo danseuse dans un club de Limousin. Derrière leur esthétique très Velvet/Horrors ces Tambourins cachent quelque chose d'étrangement lumineux, des mélodies sonnant comme du Dandy Warhols moins absurde, moins porté sur le LSD dès le petit déjeuner. Même le titre trompeur Naissance de la Folie ne lorgne pas du côté bad trip sous forme d'invasion de rats dans une cave humide mais plutôt de la paisible envolée portée par un clavier plus funeste que réellement glaçant.

Mais fixer ses boots est une activité relativement lassante et le groupe a bien compris qu'il fallait les faire bouger, ces foutues bottes. CWB et ses handclaps, cette mystérieuse Sally O'Gannon que l'on aimerait bien connaître et Come Together sont d'hypnotiques pop songs dont les refrains se sifflotent l'air de rien, mémorisés dès la première écoute. Hélas l'album se termine par le décevant The Great Division, une pâle copie de O'Gannon à peine digne d'une b-side mais peu importe, Camera & Tremor plaira aux amateurs de drones et white noise, aux fans de Ride nostalgiques, à ceux qui ne croient plus au retour des frères Reid et globalement à n'importe qui rêvant de parader tout de cuir vêtu dans un tunnel en imitant Joel Gion.

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Myspace

Brother

2011-02-14T23:20:00.000+01:00

Sur une minuscule scène quelque part au nord de Londres, en octobre dernier, un groupe qui n’avait encore jamais joué dans la capitale déclarait fièrement : « If anyone here doesn’t want to see the future of music, leave now ». Interrogés sur cette arrogance quelques jours plus tard, quatre lads a priori ordinaires répondaient au journaliste du NME : « We know how amazing we are. And soon everybody else will ». De quoi se faire autant de fans que d’ennemis, avant même d’avoir sorti le moindre disque. On ne pouvait pas ne pas être fasciné d’avance par de telles têtes à claques.

Originaires de Slough, ennuyeux amas de ciment bordé par la M4, Brother est un de ces groupes qui portent en eux toute la culture de la working class anglaise, l’accent mancunien en moins. Il suffit de jeter un œil aux quelques vidéos balancées sur leur site, pour en trouver tous les symboles : les rues dignes des décors de Shameless, où le gris des trottoirs déteint sur le ciel humide, le sacro-saint pub et les pintes de Carlsberg qui diluent tous les problèmes, les gares de province squattées par le casting de Skins et les chauffeurs de taxi pakistanais… Je tombe peut-être dans les clichés, mais c’est précisément l’intention de Brother : devenir le groupe d’une génération qui n’a pas connu les heures glorieuses de la britpop, et qui ne se reconnaît pas non plus dans le rock indé actuel, trop élitiste et éloigné des réalités.

Musicalement, Brother prétend également reprendre le flambeau abandonné par Oasis, et bien qu’il soit encore trop tôt pour en juger, les quelques démos qui ont filtré (notamment l’excellente Time Machine), et le premier single Darling Buds Of May, ne déçoivent pas, et sont autant de raisons d’attendre impatiemment leur premier album.

Surtout qu’après une enquête plus approfondie, et en dépit de leur provocateur menton levé, on découvre des garçons tout à fait sympathiques et bien plus réfléchis qu’il n’y paraît. De véritables good lads, dans le meilleur sens du terme.

Alors certes, Brother sent le revival nineties à 10 miles à la ronde, mais dans l’ambiance plus que délétère que les Tories font régner en Grande-Bretagne ces jours-ci, il est temps qu’un groupe redevienne enfin la voix des common people de ce pays. Définitivement LE groupe à suivre en 2011.

Brother : site officiel.

British Sea Power - Valhalla Dancehall

2011-01-13T00:15:00.000+01:00

Voilà une bonne décennie déjà que les membres de British Sea Power mènent leur drôle de navire dans les eaux du rock indé britannique, bravant les vagues scélérates et les requins caractérisant ce milieu impitoyable, et continuant d’explorer des territoires musicaux inconnus, album après album. Au registre de leurs conquêtes les plus marquantes, citons Do You Like Rock Music?, véritable île aux trésors pop, parsemée d’éblouissants joyaux tels que Waving Flags ou No Lucifer, et qui leur valut presque le Mercury Prize en 2008 ; ou plus récemment Man Of Aran, bande son d’un film irlandais datant de 1934 mettant en scène la vie des pêcheurs locaux, et qui en douze instrumentaux parvient à sublimer ce sujet fort prosaïque, en évoquant la détresse des hommes perdus en mer ou la folie des mouettes rieuses.

Lors de l’automne dernier le destin décidément fort généreux les plaça sur notre route, et nous pouvions enfin admirer cette bande de pirates sur scène. Avec leurs setlists bien ficelées et leurs tenues plus qu’intrigantes (chaussures de randonnée, masque de renard et branches d’arbre dans les cheveux), il nous fut bien difficile de ne pas mordre à l’hameçon. Et après la mise en bouche aussi variée et déroutante que fut l’EP Zeus, nous attendions Valhalla Dancehall, avec l’impatience des femmes de marins restées à la maison.

Avec ce nouvel opus British Sea Power continue de nous faire voyager, entre terre et mer, dans des endroits reculés où personne d’autre n’aurait pu nous emmener, à contre-courant d’une majorité de groupes contemporains qui tire en général son inspiration dans la grisaille du monde urbain. Enregistré dans une ferme perdue sur la côte du Sussex, c’est un disque qui sent bon la vieille Angleterre, la forêt et les feux de cheminée, le tout électrisé par une certaine tension comparable aux minutes qui précèdent un orage. Tout comme les journalistes que le groupe embarque dans des « balades » de 16 km ou dans des séjours dans le cercle polaire arctique norvégien en échange d’interviews, nous voilà ballottés dans des ambiances et des paysages inconnus, écrasés par l’immensité de cette Nature tour à tour foisonnante et hostile, thème de prédilection de nos aventuriers chevronnés.

Commençant dans une abondance de guitares servant l’hymne déjà culte Who’s In Control puis l’épique We Are Sound, l’album trouve ensuite son rythme de croisière dans des compositions plus difficiles d’accès mais qui prennent leur envol après quelques écoutes. On se retrouve à voguer entre les titres post-punk saturés (Stunde Null, Mongk II, et l’hallucinant Thin Black Sail) et les rêves cotonneux sans fin (le sublime Cleaning Out The Rooms et Once More Now, respectivement 7 et 11 minutes), ce qui pourrait valoir à l’album un certain manque de cohérence, mais finalement d’autres chansons de facture plus classique (Luna, Living Is So Easy, Observe The Skies) permettent à l’ensemble de n’être pas trop bancal. Dommage que Heavy Water clôture cette épopée musicale de façon un peu faible, tant le titre paraît anodin après un tel feu d’artifice sonore.

Comme précédemment British Sea Power est conforme à sa réputation de groupe lettré, en témoignent les références à George Orwell, Ray Bradbury, l’Allemagne d’après-guerre, mais aussi le clin d’œil « I’m a big fan of the local library, I just read a book, but that’s another story ». Le groupe étant également connu pour ses positions éthiques et politiques, nous ne sommes pas non plus surpris d’entendre « Were you not told, did you not know, everything around you is being sold? », « Shopping is so easy », et le jouissif « Sometimes I wish protesting was sexy on a Saturday night », prophétique écho des récentes manifestations étudiantes, alors que la chanson fut écrite bien avant.

Avec ce cinquième album aussi riche et inspiré que ses prédécesseurs, British Sea Power conforte plus que jamais sa place d’outsider dans un monde indie stéréotypé qui commence à s’essouffler. Un jugement rapide pourrait les placer en lointains cousins d’un groupe comme Arcade Fire, à la différence près que les anglais réussissent le pari de faire du rock intelligent sans jamais se prendre au sérieux. Valhalla Dancehall prouve également que British Sea Power ne s’est aucunement fatigué sur la longueur, au contraire le groupe n’a jamais semblé aussi productif qu’aujourd’hui, sans que sa créativité en pâtisse.

Bref, en ce début d’année froid et morose, Valhalla Dancehall est le disque qui vous sortira de la dépression hivernale. Alors appuyez sur play, fermez les yeux, et larguez les amarres !

Boy Cried Wolf - The Firebrand

2011-01-06T03:27:00.005+01:00

Une chemise à carreaux, une maigre silhouette opérant dans l'ombre, une mèche folle. Voilà ce qu'évoque Wayne Murray pour ceux qui ont pu le voir sur scène en tant que second guitariste et choriste pour les Manic Street Preachers, indie kid dans toute sa splendeur passé des caves aux stades grâce à ses idoles de jeunesse. Les nostalgiques se souviennent peut-être des ambiances aériennes et cotonneuses du duo The Honeymoon où Wayne susurrait à l'oreille de l'islandaise Thorunn Magnusdottir, de Catch dont l'album n'est sorti officiellement qu'en Indonésie ou encore des Thirteen:13 gracieusement remerciés par leur maison de disques juste avant la sortie de leur premier album.

Un début de carrière plutôt chaotique qui aurait pu condamner Murray aux pubs poisseux si son sort n'avait pas ému James Dean Bradfield, un homme d'une bonté décidément épatante. JDB propose alors au musicien désemparé une place de guitariste sur sa tournée solo puis avec les Manics, un rêve devenu réalité pour le gamin qui écoutait en boucle sa cassette de Generation Terrorists. S'imposant discrètement au milieu des mannequins pailletés et des plumes de boas, Wayne chante le blues backstage, devient Boy Cried Wolf et enregistre ce premier EP fichtrement addictif qui sent bon les stations service du Tennessee et les forêts de l'Oregon en automne, un truc rassurant, doux et confortable comme une peau d'ours au pied d'une cheminée. Oh Mister Murray, je ne m'attendais pas à un tel voyage en seulement quinze minutes.

Ta musique m'évoque instantanément une histoire d'amour ratée, des assiettes cassées dans une maison perdue dans le bayou, des tons verts, roux, ambrés et des instruments poussiéreux autour de toi. Ta fiancée t'a largué pour Jack White qui lui a promis une place dans son 35256ème side project et tu vides frénétiquement les verres de whisky en noircissant des pages et des pages d'incohérences sur l'amour, la désillusion et la perte. Des thèmes que connaît bien ta grande copine Nicky Wire qui décide de t'écrire une chanson, même si niveau icônes américaines la perche galloise est plus proche de la très élégante Dolly Parton que des grands bluesmen.

Quelques mois plus tard tu reçois une carte rose ornée d'une photo de Bob Dylan et Suze Rotolo et un texte, No Comfort From Your Skin. « You're not made for this world », « Save me from myself », « Why did you have to leave? » et autres réjouissances typiquement Wiresques accompagnent une mélodie étonnement sautillante marquée par les choeurs discrets mais tout de suite identifiables de, encore lui, James Dean Bradfield.

Il me semble également que le fantôme d'Elliott Smith caresse régulièrement tes santiags tant The Firebrand rappelle parfois le génie disparu avec qui tu partages un amour pour les arrangements soignés, simples et raffinés. Violon, xylophone, guitare acoustique, la pop anglaise se mêle à l'Americana et ces quatre titres absolument superbes ont quelque chose de chaleureux et mélancolique comme une soirée passée à lire seul au coin du feu. Alors pleure pas cowboy, tu as peut-être le cœur brisé mais tes chansons nous aideront à supporter cet interminable hiver blanc et nous nous sentirons moins seuls en chialant dans notre pinte.

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Myspace

Suede - O2 Arena (Londres) - 07.12.10

2010-12-22T23:42:00.008+01:00

Texte: Adélaïde

Photos: Magali

2010 a été une année globalement pauvre musicalement, me semble-t-il. Et pourtant, et pourtant, un groupe emblématique des 90’s a décidé de se reformer. C’est vrai, on vous en a déjà parlé, Suede est de retour, vous êtes déjà au courant de leur concert fabuleux du Royal Albert Hall et de celui du Bush Hall. A mon tour, je m’apprête à vous parler de Suede, encore. Pourquoi, d’ailleurs ?

Parce que j’ai eu l’immense bonheur d’assister à leur concert à l’O2 arena de Londres, le 7 décembre dernier, et que ce concert, comme les deux autres, était un événement majeur dans leur carrière : rendez-vous compte, c’est la plus grande salle dans laquelle le groupe ait jamais joué !
Début 2010 : Magali ici présente me harcèle de vidéos, et m’offre les disques en tant que cadeaux de Noël. Le mal est fait, je suis contaminée. Comment résister à ces chansons, à cette voix, à ces paroles ?
Et là, stupeur : je viens à peine de découvrir le groupe qu’on annonce sa reformation. Par quelle magie, par quel hasard, par quelle coïncidence a-t-on réalisé un vœu que je n’avais même pas eu le temps de formuler ? En tant que fan des Smiths, je me suis habituée à souhaiter des reformations qui ne se produiront jamais. Mais là… Un instant, j’ai cru que Dieu existait. Mais oui, il existe, et il s’appelle Brett Anderson.
J’ai donc pris ma place pour le concert de cette fin d’année, j’ai patienté, et j’ai potassé. Le 7 décembre est enfin venu. N’ayant pu assister à celui de Paris, retenue que j’étais par le concert de Primal Scream à Londres (voire la review sur ce même site), j’ai conscience que ma première fois suedesque risquait d’être exceptionnelle.
Le 7 décembre donc, à peine descendues de l’Eurostar, nous débarquons à l’O2, gigantesque complexe combinant salle de concert, cinémas, fête foraine, musée de la pop britannique, et exposition sur le Titanic, ainsi que restaurants etc. Bref, une ville dans la ville, une immense bulle créée pour nous divertir, dans cette fabuleuse ville de Londres.
Je dois dire un mot sur l’organisation quelque peu raide, qui m’a fait vivre un cauchemar une heure à peine avant l’ouverture des portes. Rendez-vous compte : avec une place assise dans les gradins, on m’a interdit l’accès à la fosse, donc les premiers rangs, tout ça pour des raisons de sécurité ! Une heure de torture, de stress et d’angoisse plus tard, mes larmes de désespoir ayant joué leur petit effet, une place en fosse se libère enfin, et on me donne le bracelet rose fluo tant espéré.
Avant le groupe, deux premières parties. Et Simon Price en guise de DJ. Je n’avais pas l’honneur de connaître le personnage, habillé en ce jour d’une veste en fourrure léopard, et coiffé de sortes de cornes de diable. Dieu et le diable dans la même soirée, rien de plus logique.
Viens donc la première partie, Dial M For Murder. Deux jeunes garçons vêtus de noir, et un ordinateur faisant figure de batteur. Musicalement, le groupe est totalement inintéressant. Ils sonnent comme une énième réinterprétation de Joy Division et d’autres choses très sombres. Cinq chansons, six peut-être, mais qui sonnent toutes pareil. Ils ne sont même pas drôles, juste d’un ennui profond. L’O2 arena en train de se remplir, lutte pour ne pas sombrer dans le sommeil.
Heureusement que Simon Price est là pour nous réveiller, accompagné de sa femme, sorte de Morticia Adams en plus petite et aux cheveux courts.
Puis c’est au tour de New Young Pony Club. J’avais très vaguement entendu parler de ce groupe. Aussi suis-je surprise de voir débarquer trois filles, dont une à la batterie, habillée d’un petit chemisier tout à fait seyant. La chanteuse en robe courte et hauts talons se démène pour faire réagir une salle encore un peu endormie, avec des chansons qui sonnent plutôt sympathiques. Voilà un groupe qui semble avoir du potentiel, se dit-on, et on se jure d’aller regarder l’affaire de plus près. Mais tout de même, malgré tous leurs efforts, New Young Pony Club ne m’enlève pas de l’esprit que ce que j’attends le plus, c’est un groupe qui a connu son heure de gloire une quinzaine d’année plus tôt, et que ce jeune groupe de prime abord, ne m’a hélas pas l’air à la hauteur.
Nouvelle intervention de Simon Price, qui met en transe les quelques fans des Manics présents en passant Stay Beautiful. L’O2 maintenant rempli, on retient son souffle pour l’arrivée de Suede, tous prêts que nous sommes pour un voyage dans le temps.
Et là, stupeur et cris de joie : Introducing the band retentit. On ne pouvait rêver meilleure entrée sur scène ; justement, j’en avais rêvé, Suede l’a fait. Le groupe arrive, Brett arbore un air conquérant, et le concert commence sur les chapeaux de roue avec This Hollywood Life. Puis vient un enchaînement absolument démentiel, tous les plus grands tubes du groupe à la suite : She, Trash, The Drowners, Animal Nitrate, We are the pigs, que je n’espérais plus après avoir lu qu’ils ne l’avaient pas joué au Bush Hall.
La foule, assommée de tant de bonheur, chante, chante tant et si bien que c’est à peine si on entend Brett ! Brett qui sourit à la foule, qui vient vers la foule, se laisse toucher et tripoter par la foule et qui aime visiblement ça. Puis il remonte et c’est le magnifique, le sublime Pantomime Horse. Les titres s’enchaînent, le public, grisé, chante toujours autant.

Histoire de nous mettre encore plus dans l’ambiance, les pochettes des disques et singles sont projetées sur un écran géant dernier cri. Inutile de préciser la jubilation de l’élément féminin du public à chaque foi qu’apparaît la pochette de Coming up…

Suede continue à semer ses surprises, comme By the sea, que je ne suis pas peu satisfaite d’avoir entendu dans ces conditions. Aussi surprenant pour moi, Killing of a flash boy, que j’avais moyennement apprécié sur disque, se révèle être une bien meilleure chanson jouée en live.
En plus d’être un bonheur à écouter, Suede est un groupe très dôle à regarder. Outre l’air triomphant et énamouré de Brett pour le public et pour lui-même, il y le visage mono-expressif de Neil ; mais si mono-expressif qu’on se demande s’il ne s’ennuierait pas un peu. Et que dire du déhanché de Matt Osman! Il semble s’amuser comme un petit fou en jouant Filmstar, Can’t get enough et Everything will flow, et fait des risettes tordantes en réponses à des admirateurs/trices du premier rang.
Puis vient le deuxième enchaînement de folie : The next life, suivi de The asphalt world, grand moment d’émotion. Le public a à peine le temps de sécher ses larmes que le groupe redonne l’assaut avec So young et l’atomique Metal Mickey. Ils terminent cette suite fabuleuse par le jouissif Beautiful ones, qui excite tellement la foule, que même Neil finit par décrocher un sourire. Finalement, il a quand même l’air content d’être là, ce qui est énorme.
Brett, heureux, triomphant, revient chercher son lot de caresses, et je ne sais pas comment ma main s’est retrouvée sur son dos et ses cheveux, mais enfin je confirme, c’est très agréable au toucher.

Après une courte attente, M. Anderson revient, seul à la guitare, et nous offre la superbe face-b The Living dead. Le public, respectueux, chante pianissimo, et je peux enfin entendre nettement la voix de Brett, qui n’a rien perdu de sa superbe. Le groupe revient, et termine ce concert d’exception par To the Birds, et l’inattendu (en tout cas pour moi) Saturday night, qui est justement une de mes chansons préférées.
Ainsi s’achève un concert décidément d’anthologie. Il y avait longtemps que je n’avais assisté à un concert aussi intense, avec un public aussi ému et enthousiaste. C’était encore mieux que ce que j’avais rêvé.

Setlist :
This Hollywood life
She
Trash
The Drowners
Animal nitrate
We are the pigs
Pantomime horse
By the sea
Killing of a flash boy
Filmstar
Can’t get enough
Everything will flow
The next life
The asphalt world
So young
Metal mickey
Heroine
The wild ones
New generation
Beautiful ones

The living dead
To the birds
Saturday night

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Photos

My Chemical Romance - Danger Days: The True Lives Of The Fabulous Killjoys

2010-12-17T16:09:00.001+01:00

Félicitations, si vous lisez cette première ligne, c’est que vous ne vous êtes pas enfuis à la simple mention de My Chemical Romance, et vous avez eu raison. De la gentille moquerie au mépris le plus profond, MCR a en effet généralement droit à un traitement sans pitié de la part d’une majorité de fans de rock qui, voyez vous, n’écoutent que des groupes respectables et de bon goût, eux. C’est vrai que les quatre (anciennement cinq) américains ne font pas grand chose pour défendre leur cause : de leurs paroles trempées de larmes et de sang, à leurs accoutrements ridicules accompagnant chacun de leurs concept albums, en passant par leur jeune public féminin qu’on imagine plus fan de Twilight que fin connaisseur de musique indée, tout chez eux est un bâton tendu aux critiques peu indulgentes. Et aussi bizarre que cela puisse paraître, c’est justement cette tendance à ne pas chercher à plaire et à ne rentrer dans aucune catégorie qui me touchait lorsque je les découvrais en 2004, et une fois dépouillés de leurs multiples étiquettes (« emo », « suicidaires », « commerciaux »…), ils devinrent même un de mes groupes favoris (j’espère que vous vous rendez compte du courage que demande une telle révélation). Je poussai le vice jusqu’à aller les voir à l’Élysée-Montmartre en 2007, concert qui reste à ce jour l’un des plus intenses de toute ma vie (en témoigne la multitude de bleus qui recouvrait mon corps le lendemain matin - de vraies brutes, les adolescentes, de nos jours).

Après le succès planétaire de The Black Parade en 2006, disque grandiose mais inégalable, on était bien en droit de se demander comment MCR allait s’en sortir. Leur maison de disques aurait sûrement été ravie de les voir accoucher d’un Black Parade part. II, mais en garçons plus sages qu’il n’y paraît, ils évitèrent cette solution de facilité et décidèrent une fois de plus de faire table rase du passé. Quatre ans plus tard, alors qu’on n’y croyait plus vraiment, les revoilà avec un album qui en déroutera plus d’un, dans tous les sens du terme, qu’on soit fan ou pas du tout.

Jeté à la poubelle le costume de cancéreux en phase terminale, nous avons ici affaire avec une bande d’anti-héros punk et pop art, plus proches du look d’Adam Ant que du groupe emo standard. Là où auparavant MCR s’étaient amusés à décliner toutes les nuances qui vont du gris cadavérique au noir corbeau, voilà qu’ils passent enfin à la couleur : cheveux rouges, blouson en cuir jaune et masques multicolores, le groupe prouve une fois de plus que rien ne lui fait peur, et surtout pas le ridicule.

Alors qui dit My Chemical Romance, dit album à concept, et là, il faut s’accrocher. Californie, 2019. Les Killjoys, une bande de hors-la-loi au grand cœur part en guerre contre Better Living Industries, corporation toute puissante menée par le machiavélique Korse. Quelque part en 1984 et les comics Marvel, l’histoire permet ici d’explorer les thèmes chers à MCR : la lutte du bien contre le mal, la rébellion des rebuts de la société, dominés par un monde absurde et menaçant. C’est cette ambiance de fin du monde tragi-comique qui parcourt donc ce nouvel opus, qui aurait pu avoir pour titre le célèbre aphorisme de mon Oscar préféré : « Life is too important to be taken seriously ».

Comme s’il s’agissait d’un spectacle de cabaret, Danger Days nous est raconté par son maître de cérémonie, Dr Death Defying (alias Steve Righ, qui officie habituellement chez ces cinglés de Mindless Self Indulgence), spectateur omniscient et chauffeur de salle exhortant nos personnages à coup de « Killjoys, make some noise! ». Et du bruit, ils en font. L’inaugural Na Na Na est une explosion d’adrénaline, aussi primaire et jouissive qu’un bon vieux morceau punk de 1977. Dix ans après leurs débuts dans un garage du New Jersey à reprendre les Misfits, My Chemical Romance prouvent qu’ils en ont toujours sous le capot, comme sur le déjanté Party Poison, ou l’obscène DESTROYA, morceau fleurant bon la sueur, le sexe, et la poussière du désert californien. Ray Toro, avec ses solos de guitare d’autant plus jubilatoires que leur pratique a disparu du paysage musical actuel, s’impose encore et toujours comme le fils caché de Slash et de Brian May. On retrouve également quelques ballades édulcorées aux bons sentiments, dans la plus pure tradition du groupe, et qui tout en étant de futurs tubes potentiels, ne constituent pas le principal intérêt de cet album (Bulletproof Heart et The Only Hope For Me Is You, qui remporte au passage le prix du titre le plus niaiseux).

Là où My Chemical Romance déconcerte (et impressionne !), c’est dans le courage qu’ils ont eu à investir des territoires musicaux auxquels ils étaient jusqu’alors étrangers. Prenez par exemple Planetary (GO!), titre empruntant à la dance, au glam et au disco, digne des Scissor Sisters, et qui devrait aussi bien enflammer les dancefloors que les fosses de salles de concert. Avec S/C/A/R/E/C/R/O/W et Summertime, le groupe se dirige ensuite vers un rock plus subtil et touchant, là où auparavant ils en auraient fait des tonnes. Save Yourself I’ll Hold Them Back et The Kids From Yesterday achèvent de les confirmer - et vous pouvez me citer - comme un des groupes américains les plus excitants et inspirés du moment. Loin des néo-hippies arborant barbes hideuses, chemises de bûcheron et geignant leur folk ennuyeux dans leur cabane au Montana, My Chemical Romance renoue avec une tradition de rock américain, simple et efficace, refusant de choisir entre sincérité et divertissement, et délicieux comme un plaisir coupable. Danger Days se termine ainsi sur l’hallucinant Vampire Money, monument de glam-punk à vous faire croire l’espace d’un instant que vous écoutez les New York Dolls, et qui vous laisse épuisé, une fois l’album fini, avec une seule obsession : réappuyer sur play.

Il semble qu’avec chaque album My Chemical Romance parvient ainsi à se renouveler, comme un animal qui change de peau tous les ans, tout en gardant ce je-ne-sais-quoi qui les rend si attachants. Alors que pas mal de groupes qu’on avait fourré dans le même panier qu’eux (Fall Out Boy, Panic At The Disco) ont fini par imploser sous la pression, les quatre mecs de MCR continue de faire leur petit bonhomme de chemin, se moquant bien des qualificatifs qu’on leur accole. Se trouver tout de même génial lorsque tout le monde vous crache à la figure, c’est peut-être ça, être un fabuleux rabat-joie.

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Primal Scream - Olympia (London) - 27.11.10

2010-12-15T03:47:00.007+01:00

"Nicotine, Valium, Vicodin, marijuana, ecstasy and alcohol" et quelques albums formidables entre deux seringues. C'est ainsi que pourrait se résumer la fascinante carrière de Primal Scream, groupe dont l'incroyable diversité musicale est directement liée aux substances qui coulent dans ses veines, créateurs extraordinaires d'ambiances toxiques parfois joyeuses, parfois d'une jouissive agressivité.

N'oublions pas que dans les années 80 Bobby Gillespie et sa moue d'ado boudeur jouaient les Moe Tucker avec les Jesus And Mary Chain, et personne n'imaginait alors que derrière cette jolie tête à claques au jeu de batterie plus que rudimentaire se cachait un futur génie. Les frères Reid sombrèrent d'album en album pendant que Gillespie devint petit à petit l'homme le plus cool d'Écosse capable de produire en une décennie Evil Heat, XTRMNTR, Riot City Blues et l'incontournable Screamadelica, tout premier lauréat du Mercury Prize en 1991 et aujourd'hui album culte.

Plutôt que de nous infliger une première partie dont tout le monde se moque, le groupe nous offre un concert scindé en deux sets, un court best-of suivi de l'intégralité de Screamadelica dans le désordre. Une chance inespérée pour ceux qui, comme moi, ne se sont toujours pas remis de l'annulation du concert de 2008 à la Cigale. On imagine aisément qu'un concert démarrant par Accelerator suivi d'une tripotée de tubes sous amphèts comme Swastika Eyes, Country Girl, Rocks, Jailbird ne peut que provoquer l'hystérie des foules, hélas de notre côté (à droite contre la barrière) le public peu coopératif réagit comme s'il avait face à lui un médiocre opening band. Le garçon à ma gauche ne prend même pas la peine d'applaudir et se repose contre la barrière tel un mollusque en baggy qui mériterait qu'on lui injecte du speed par les yeux tandis que ses copines tentent en vain d'attirer l'attention de Jarvis Cocker repéré dans le carré VIP. Kill All Hippies, définitivement.

Face à ce set rentre-dedans, carré et précis (si l'on oublie le petit couac au début de Rocks), on se dit que c'est lorsqu'il donne dans le rock le plus primaire que le groupe dévaste tout. Ca claque, ça tonne et ça vrombit, je me demande encore comment le public peut rester insensible à la folie furieuse de Swastika Eyes ou la montée en puissance de Shoot Speed/Kill Light. L'ensemble est peut-être un peu vite expédié, trop bref et visiblement les spectateurs ne sont pas venus pour cette partie du show, dommage pour eux.

Le deuxième set débute sous un assourdissant bruit de verre cassé et Bobby, costume noir et chemise rouge, harangue la foule comme un prêcheur avant la messe. "Are you ready to testify?", nous demande-t-il avec son habituel flegme. Evidemment mon vieux Bobby, nous sommes prêts.

Movin' On Up ouvre le bal à la perfection et ce chant optimiste et coloré résume à lui seul l'album, tout comme la pochette du disque qui décore le fond de la scène et éblouit les premiers rangs. "I'm movin' on up now, getting out of the darkness, my light shines on". Pas de nostalgie nauséabonde, pas de bons sentiments, juste la célébration d'un album mythique qui, si l'on se fie au public de ce soir, est cruellement ignoré par la jeune génération. Effets visuels psychédéliques, chorale gospel, musiciens additionnels, la transposition du studio à la scène s'annonçait périlleuse mais tout fonctionne à merveille même si l'expérience live est différente. Ecouter Screamadelica au casque s'apparente à la traversée d'un labyrinthe où derrière chaque porte se cache un nouvelle surprise sonore, un bruit venu de nulle part, une multitude de trouvailles savamment distillées. Retranscrire un tel disque en live est quasiment impossible mais qu'importe, Higher Than The Sun est rallongée à l'infini et entraîne les esprits déjà méchamment embrumés dans un tourbillon de guitares, Don't Fight It, Feel It s'envole grâce à l'imposante voix de Mary Pearce et tout sonne parfaitement actuel. Beaucoup semblent avoir oublié qu'à la grande époque, Screamadelica fut un album incroyablement inventif et novateur, un travail d'orfèvre, un OVNI se réappropriant le passé pour le projeter dans le futur, ringardisant le présent. Primal Scream, jusque-là un groupe bon mais relativement banal, prit le risque d'inviter les Rolling Stones à une rave party, de démolir les 13^th Floor Elevators pour mieux les reconstruire, les électriser et leur glisser encore plus d'acide sous la langue. En écoutant les morceaux ce soir il est absolument impossible de les dater, pourtant dieu sait combien ce genre de musique est profondément ancré dans une certaine époque et c'est là toute la réussite de Screamadelica. Bobby Gillespie chante avec cette voix douce et traînante qui le caractérise depuis toujours et fait preuve d'une étrange élégance, évoluant sur scène comme un pantin désarticulé, remuant les bras comme un chiot en train de se noyer et trimballant nonchalamment son éternelle silhouette d'adolescent mal nourri. On se demande sincèrement comment le garçon peut être aussi bien conservé à 48 ans, un exploit lorsque l'on sait qu'il n'y a pas si longtemps le grand Bobby aurait sans doute été capable de boire un litre de liquide vaisselle en échange du trip de sa vie.

La tracklist inversée d'abord surprenante s'impose comme une évidence: le groupe devait terminer le concert par Loaded et Come Together, le moment où l'ambiance décolle enfin pour ne plus redescendre. Deux titres orgasmiques et emblématiques qui résument à eux seuls tout l'esprit d'une époque où les mots "we wanna get loaded and we wanna have a good time " étaient le mantra de toute une génération qui découvrait Ibiza, la dance et l'ecstasy. Le public se réveille enfin, retrouve sa jeunesse et chante à l'unisson "come together as one" sous une pluie de paillettes dorées, à cet instant le parallèle entre composition et drogue est une évidence tant la musique de Primal Scream s'infiltre en vous et agit comme une potion magique. Loaded et Come Together sont des titres irrésistibles, le genre de musique qui déconnecte l'esprit, réveille le corps et vous fait presque aimer les gens autour de vous, autant dire que vous ne vous sentirez plus comme ça avant un long, très long moment.

Primal Scream mériterait de vendre des millions de disques, de donner des concerts qui s'apparenteraient à d'immenses shows fédérateurs où se côtoieraient les fans de pop, électro, techno, rock'n'roll. C'est exactement ce qu'aurait dû être cette soirée, malheureusement le public trop frileux et léthargique a éteint l'étincelle qui aurait pu faire d'un simple concert une véritable ode à la fête, à l'abandon et à la communion à l'image de ce Screamadelica indémodable. Peut-être est-ce là tout le problème: l'album ne vieillit pas mais le public si, et la différence se fait désormais cruellement sentir. Une tisane hallucinogène et au lit.

Setlist:

'Accelerator'
'Country Girl'
'Jailbird'
'Burning Wheel'
'Suicide Bomb'
'Shoot Speed/Kill Light'
'Swastika Eyes'
'Rocks'

'Movin' On Up'
'Slip Inside This House'
'Don't Fight It, Feel It'
'Damaged'
'I'm Comin' Down'
'Shine Like Stars'
'Inner Flight'
'Higher Than The Sun (Pts 1+2)'
'Loaded'
'Come Together'

Site officiel
Photos

Gorillaz - Zénith de Paris - 23.11.10

2010-11-29T15:54:00.000+01:00

Gorillaz en concert, on nous avait prévenu, c'est génial. Et puis on avait écumé YouTube aussi, pour les voir jouer les remplaçants de U2 à Glasto en juin ou commencer leur tour du monde en technicolor et à t-shirts rayés. Mais est-ce que les petites images tremblotantes et le son crachouillant pouvaient nous préparer à ce qui allait se passer à Paris ce 23 novembre ? Le Zénith n'est pas immense et il est bourré à craquer, les sièges en plastique rouges derrière la fosse se font escalader par des centaines de gens et seront plus tard frappés sans merci par la foule en transe. Car oui, on peut résumer Gorillaz à cela ; une transe musicale qui nous saisit dès qu'ils apparaissent sur scène après deux premières parties formidables - Little Dragon et De La Soul qui nous haranguent avec fougue, nous demandant si nous sommes prêts pour la Party, et oui, nous sommes terriblement excités, prêts à bondir.

Les musiciens s'installent et l'écran s'illumine - il ne s'éteindra que rarement et sera ponctué de petits intermèdes montrant le "vrai" groupe - et tout d'un coup, la moitié des Clash (Paul Simonon et Mick Jones) commencent à jouer, accompagnés par des dizaines de musiciens classiques, un choeur de cuivres de Chicago, Damon Albarn penché sur un petit piano et Snoop Dogg qui nous toise de toute l'immensité de l'écran. Gorillaz est une grosse machine musicale avec des dizaines de guests et des tubes qui s'enchaînent avec une précision hallucinante - les chanteurs sont en synchronisation avec les clips qui défilent sur l'écran- mais c'est aussi une énorme claque dans la gueule; on ne sait plus où regarder et qui applaudir, toute la fosse tente d'obtenir un sourire de Paul Simonon assassinant la foule avec sa basse mitraillette, et de saisir la main de Damon Albarn, qui sautille dans tous les coins, libéré de ne plus être dissimulé derrière un écran.

Mais cette machine électrisante qui durera pendant près de deux heures a un coeur aussi doré que la dent de Damon Albarn, qui ne peut s'empêcher, entre les poses christiques et les mimiques de possédés, de sourire comme un enfant de douze ans, content d'avoir réuni ses meilleurs amis. Tout le monde s'embrasse, les mains se serrent; on retient son souffle quand Little Dragon et Damon Albarn s'enlacent ou quand Bobby Womack éclate de rire après nous avoir transporté dans les cieux de Plastic Beach.

Voir Gorillaz en concert, c'est participer à une fête familiale - Damon Albarn lui-même le dit, une famille où il y a des gamins, comme le chanteur de Doncamatic, avec sa coupe à la Xavier Dolan et sa voix de fillette, et des plus vieux comme ces Clash qui dansent quand l'orchestre de Syrie entre sur scène. La plupart arborent le même tatouage, une ancre sur le bras et partagent le même enthousiasme pour la musique qui s'enchaîne sans dérailler, des plus anciens morceaux (je suis ravie d'entendre 12-2000 qui nous donne un petit coup de vieux, et November Has Come est joué pour la première fois avec MF Doom) à celui sur aucun CD (Doncamatic et Daley, le petit chevelu, avec également un clip réalisé pendant la tournée par Jamie Hewlett).

Il est facile de se rendre compte pourquoi des centaines de gens ont le bras tendu pour filmer et qu'il sera tout aussi facile de retrouver ces films dans la même qualité douteuse sur le net; la scène vibre dans tous les coins, tout se passe en même temps dans une explosion de couleur et de musique. Les lettres géantes du nom du groupe illuminent tout dans un arc-en-ciel, le Zénith devient une piste de danse géante pendant Glitter Freeze. Dans l'absence de Mark E. Smith, la version instrumentale nous fait oublier qu'il est déjà difficile de bouger un orteil. L'ambiance se calme aussi et l'intimité s'installe facilement malgré cette démesure, je pense à ces chansons qu'on écoute en fermant les yeux, Broken ou El Mañana.

Les guests apparaissent sortis de nulle part, on ne les comptera pas tous mais ils vont et viennent sur scène avec la même joie que tous ceux qui y restent. Cette tournée n'est pas une corvée mais il semble évident que l'anglais de 42 ans a réussi à réunir tous ses potes, dont les meilleurs représentants du hip-hop, De La Soul, qui entre deux chansons nous parlent toujours de cette party, et il est extrêmement facile de croire que nous ne sommes pas compressés dans la fosse, mais parmi eux, chez eux.

Le Melodica fétiche de Damon Albarn est métamorphosé en objet de culte que tout le Zénith acclame lorsque les premiers accords de Clint Eastwood, culte depuis l'an 2001, commencent à résonner dans la salle, il se moque de nous en riant pendant l'encore - après que Murdoc et ses acolytes numériques se sont plaints une fois de plus de la longueur de ce "warm-up band". L'écran géant fait éclater de rire des milliers de personnes avant de nous emmener dans la dernière ligne droite, dont il est difficile d'imaginer que nous puissions en sortir indemne. Et si je ne ressors pas avec une dent en moins comme Paul Simonon, c'est avec les oreilles pleines d'une musique qu'on ne pourra jamais définir, avec le souvenir d'une expérience plutôt qu'un concert et d'une joie tellement partagée qu'on n'en veut même pas à un des membres de De La Soul de nous faire chanter Happy Birthday pour un des choristes.

Et si on peut se plaindre de l'avalanche des invités sur le dernier album et de la démesure de ce concert - loin du low-key des débuts - cette expérience qui s'étend sur toutes les frontières du monde et de la musique ne peut que mettre tout le monde d'accord, et les visages radieux post-concert en sont bien le signe.

Alors, oui, voir Gorillaz en concert, c'est génial. Mais c'est aussi plus que voir, c'est vivre, c'est participer à quelque chose de tellement unique et pourtant précis qu'on se demande pourquoi personne n'y avait jamais pensé avant, réunir ses amis sur une immense scène et faire la fête, tout simplement.

Texte & photos : Camille Q.

Setlist :

Dressing Room Video Part 1

Orchestral Intro (Extended)

Welcome to the World of the Plastic Beach (with Hypnotic Brass Ensemble)

Last Living Souls

19/2000 (with Rosie Wilson)

Stylo (with Bobby Womack) (and Bootie Brown)

On Melancholy Hill

Rhinestone Eyes

Kids With Guns (with Neneh Cherry)

Superfast Jellyfish (with De La Soul)

Tomorrow Comes Today

Empire Ants (with Yukimi Nagano)

Dressing Room Video Part 2

Broken (with Hypnotic Brass Ensemble) (Extended)

Dirty Harry (with Bootie Brown)

El Mañana

November Has Come (with MF DOOM)

Doncamatic (with Daley)

White Flag (with Bashy) (and Kano)

To Binge (with Little Dragon)

DARE (with Rosie Wilson)

Glitter Freeze

Punk

Plastic Beach

Encore :

Cyborg Ident Video

Cloud of Unknowing (with Bobby Womack)

Feel Good Inc. (with De La Soul)

Clint Eastwood (with Bashy) (and Kano)

Don't Get Lost In Heaven

Demon Days

Dressing Room Video Part 3

Site officiel de Gorillaz : en VO, en VF.

National Express, trottoirs et imprimé léopard: vis ma vie (intensément intense) de fan des Manic Street Preachers en tournée

2010-11-25T00:40:00.010+01:00

"I woke up as the sun was reddening; and that was the one distinct time in my life, the strangest moment of all, when I didn't know who I was — I was far away from home, haunted and tired with travel, in a cheap hotel room I'd never seen, hearing the hiss of steam outside, and the creak of the old wood of the hotel, and footsteps upstairs, and all the sad sounds, and I looked at the cracked high ceiling and really didn't know who I was for about fifteen strange seconds."

Jack Kerouac, On The Road

Vous savez que vous êtes en train de vivre un instant précieux lorsque vous avez soudain la sensation d'être un personnage de Kerouac. Un lit inconnu, une mauvaise émission de télé, des paillettes sur l'oreiller, pendant quelques secondes vous ne savez absolument pas où vous êtes et vous comprenez alors ces chanteurs qui crient fièrement « Bonsoir Bruxelles! » alors qu'ils sont à Amsterdam.

Suivre un groupe en tournée se résume finalement à un immense trajet au milieu des vallées embrumées ponctué de délicieuses montées d'adrénaline, de rencontres incongrues et de coups de foudre pour des lieux que vous n'auriez jamais pensé visiter un jour. Je vous mentirais si je vous disais que le rock'n'roll lifestyle est une fête permanente où s'enivrent musiciens infatigables et groupies en furie sous les lustres des palaces, car lorsque vous voyagez avec trois sous vous terminez rarement vos soirées sous les aveuglants néons d'un quartier hype. Qu'importe, le Miners' Institute de Blackwood ou la baie de Cardiff sont des lieux nettement plus magiques. Vous réalisez vite que traverser cinq villes en cinq jours demande une organisation et surtout une force physique et mentale que rien ne peut ébranler, pas même le manque de sommeil, les heures d'attente devant les salles dans le froid et le régime quotidien chips/chocolat Cadbury/sandwich Mark & Spencer. Vous vous découvrez d'ailleurs une force insoupçonnée, jamais vous n'auriez accepté de vous lever à 6h du matin et traîner une valise de dix kilos sous la pluie habillé en prostituée de l'est pour rendre visite à quelqu'un de votre entourage, mais pour voir James Dean Bradfield faire la toupie et Nicky Wire parader à un mètre de vous en legging léopard, rien ne vous arrête.

En arrivant à destination vous avez la sensation d'ouvrir une pochette surprise. Vous ne savez jamais vraiment où vous allez, vous roulez encore et encore les jambes en vrac et les yeux noircis par le khôl et la fatigue, les panneaux le long de la route ne veulent rien dire, au final le lieu a peu d'importance et vous êtes prêt à visiter n'importe quelle ville fantôme pour finir les côtes en miettes contre une barrière. En partant vous n'en saurez guère plus que lorsque vous êtes arrivé et pourtant quelques heures suffisent pour laisser une impression indélébile, positive ou non. Birmingham restera éternellement un enfer sur terre, une agression visuelle, une ville d'une innommable laideur où mêmes les immeubles récents semblent avoir été bâtis pour rendre le paysage encore plus glauque. Contrairement à la fascinante désolation que dégage le Pays de Galles, Birmingham donne la nausée, comme si rien de bon ne pouvait se produire entre ces murs sombres et sales pareils à des blocs de pierre recouverts de boue et de cambouis.

Birmingham depuis notre chambre d'hôtel. Une vue de toute beauté.

Cardiff est aux antipodes de Birmingham. Ici tout est lumineux et accueillant, le trajet Newport/Blackwood à la tombée de la nuit est d'une beauté surréaliste, le bus s'enfonce lentement dans un paysage digne d'un tableau de Böcklin et plonge au milieu des vallées qui se dressent tout autour, imposantes et inquiétantes. Les arrêts se nomment « Surgery », « Cemetery » et il n'y a pas un seul touriste, de toute façon le monde a oublié le Pays de Galles depuis bien longtemps (« Ah oui, le Pays de Galles c'est en Angleterre!») et les villages agonisent dans ce cadre pourtant majestueux dévorés par des années de Thatchérisme, d'ennui et d'alcoolisme. Vous comprenez alors pourquoi les Manics ont tout fait pour en sortir mais n'ont jamais pu le quitter totalement. Triste ironie du sort, depuis notre chambre d'hôtel à Cardiff nous pouvons voir l'immeuble où vivait Richey Edwards.

Parlons-en de ce bon vieux Richey. Il détestait la vie sur la route, « une autre routine » disait-il, «wake up, travel, soundcheck, gig, wake up, travel, soundcheck, gig» et surtout une déception pour le malheureux qui imaginait qu'en devenant membre d'un groupe plus jamais il ne s'ennuierait. Il faut avoir vécu une morne jeunesse en petite ville pour comprendre à quel point l'ennui est un sujet crucial, presque déterminant pour l'avenir d'un adolescent qui a passé 18 ans enfermé dans sa chambre car il n'y avait tout simplement rien d'autre à faire. Mais évidemment Richey finit par se lasser, voyages, tournées, concerts, groupies, hôtels n'eurent bientôt plus aucun sens et vous connaissez déjà la fin de l'histoire.

En tant que fan vous passez votre temps à attendre. Avant et après le concert, entre la première partie et le groupe, sur un quai de gare, wake up, travel, queue, gig, vous êtes l'esclave heureux d'un emploi du temps parfaitement défini, une routine tellement plus enrichissante que le dévastateur métro-boulot-dodo que vous vous demandez sérieusement comment revenir à la « vie normale » à votre retour. Il suffit de quelques heures pour que vos repères s'effondrent, pour que vos habitudes quotidiennes vous semblent soudain lointaines et absurdes. Internet, douches chaudes, travail, famille, patrie, questions existentielles, ces angoisses qui vous empêchent de dormir s'envolent du jour au lendemain. Les tracas liés au voyage sont purement pratiques, il s'agit d'arriver à l'heure devant la salle pour s'assurer une place au premier rang, ne pas rater son bus et dans le cas des fans des Manics particulièrement friands d'eye-liner liquide et de rouge à lèvres carmin, pouvoir se farder en toute sérénité avant l'ouverture des portes. Tout se fait dans les conditions les plus rudimentaires assis sur un trottoir, le Guardian devient un tapis, la fenêtre un miroir et un vigile ne peut s'empêcher de faire remarquer à son collègue que votre troupe ressemble à «un camp de réfugiés» . Lorsque vous découvrez après le concert qu'une bouilloire et deux sachets de thé vous attendent dans votre chambre d'hôtel de 9m2, vous vous croyez au Crillon.

La Brixton Academy quelques minutes avant l'apocalypse.

Si globalement vous avez constamment l'impression de tutoyer le ciel et saluer les dieux, une tournée offre évidemment ses moments de déception et parmi eux celui que vous n'auriez même pas envisagé dans vos pires cauchemars: l'annulation. Celle du concert de Birmingham se fait en douceur, sans doute parce qu'après une nuit de deux heures de sommeil, trois heures de trajet et vingt minutes de marche sous un temps abominable vous ne captez plus grand chose, en revanche l'annulation des dates londoniennes est une catastrophe. Imaginez-vous devant la Brixton Academy avec des fans venus du monde entier, vous faites la queue depuis quatre heures, les vigiles commencent à organiser la file d'attente et soudain, « it's cancelled ». Toute l'excitation accumulée depuis plusieurs jours tombe en quelques secondes, à cet instant vous détestez l'humanité encore plus que d'ordinaire et priez pour une fin du monde imminente puisque de toute évidence votre vie toute entière n'est désormais qu'un champ de ruines et de désespoir. Vous vous apprêtez à écrire en lettres de sang sur les murs de la salle « Things went wrong too many times » en guise de note de suicide lorsqu'un ange tombé du ciel vous annonce que les dates sont reportées aux 21 et 22 janvier. Diantre, l'anniversaire de Nicky Wire est le 20, avec un peu de chance il portera sa nouvelle robe soigneusement confectionnée par ses admiratrices. La Faucheuse attendra.

Aucune veine n'est finalement tranchée ce jour-là et c'est au moment où vous décidez de haïr Londres que vous êtes touché par l'Illumination Divine.

De Montfort Hall, Leicester. En agrandissant l'image vous découvrirez à droite un "camp de réfugiés".

Vous quittez le pays le 1er novembre à midi, les Manics jouent à Leicester le 31 octobre. Adieu hôtel, valises et santé mentale, vous débarquez devant la salle à 9 heures du matin avec pour seul bagage votre volonté d'assister coûte que coûte au concert complet depuis des semaines. Plusieurs solutions sont alors envisageables:

1/ Trouver deux tickets sur place.

2/ Pleurer auprès du tour manager du groupe et le supplier de vous mettre sur la guestlist.

3/ Échouer et passer deux ans chez le psychiatre.

Karma, persévérance ou accent français, Dieu revêt ce soir les traits d'un tour manager et votre mission est accomplie avec panache après plus de 9 heures d'attente et de mal de ventre, autant dire que la première personne qui tente de vous voler votre place contre la barrière peut dire adieu à sa mâchoire. La tournée se termine en apothéose, oubliés les pieds écorchés, les annulations, la faim et soudain vous réalisez. Vous êtes assis frigorifié devant une gare routière à 2h du matin dans une ville que vous seriez incapable de placer sur une carte, un sachet de frites froides à la main, le maquillage dégoulinant le long de vos joues glacées et pourtant vous ne voudriez être nulle part ailleurs. Voilà une chose que l'on découvre sur la route: on peut être le maître de l'univers dans un coach National Express avec une simple valise et les cheveux sales.

C'est une fois à la maison que vous vous demandez comment raconter un tel voyage après presque deux semaines de joie, folie, inquiétudes, fatigue, désillusions, extase, découvertes. Impossible d'expliquer la beauté impériale des paysages gallois, l'excentricité des fans ou les paroles de Golden Platitudes qui vous remuent les tripes sans prévenir et c'est peut-être mieux ainsi. Vous avez alors l'impression d'avoir vécu la vraie vie, libre, loin des choses que vous pensiez à tort essentielles, à la fois en phase avec le monde et complètement déconnecté de celui-ci. Un sac, un lit, un eye-liner pailleté, de la lecture et beaucoup de musique suffisent largement à votre bonheur, et c'est en écoutant Nicky Wire chanter Ritual N°1 que vous trouvez LA phrase, celle qui résume tout bien mieux que cet interminable et confus récit: « Oh the motion of going nowhere, it's beautiful, impossible to share ».

Pays de Galles - Octobre 2010

2010-11-24T00:13:00.000+01:00

La Baie de Cardiff

« [Au Pays de Galles,] il y a des joyaux à ramasser, mais avec l’œil uniquement. » - R.S. Thomas.

On dit toujours qu’on tombe amoureux au moment où on s’y attend le moins. Si cela s’avère (parfois) vrai en ce qui concerne les personnes, c’est souvent le cas pour les endroits. On peut aller à Venise, ville idyllique par définition, et revenir avec la déception qui accompagne les rendez-vous arrangés dépouillés de tous les charmes de la séduction ; puis au contraire goûter à une plénitude quasi extatique dans une felouque précaire voguant autour de l’île Éléphantine d’Assouan. Mais à une époque où la culture mondiale tend à s’uniformiser et où l’on peut se rendre presque partout sans le moindre effort (que ce soit par avion… ou sur Google Earth), il est rare d’avoir encore le coup de foudre pour des lieux inconnus, en tout cas pas près de chez nous. C’est-ce que nous croyions aussi, il y a quelques semaines de cela. Lorsque nous prévoyions d’inclure une étape Galloise dans notre folle tournée en compagnie des Manics, nous étions loin d’imaginer la révélation esthétique et culturelle qui nous attendait. Portrait d’un lopin de terre qui gagne à être connu.

Pour ceux qui auraient séché leur cours d’anglais de 5e, le Pays de Galles (Wales en Anglais, Cymru en Gallois) est une des quatre nations qui constituent le Royaume-Uni. Un conseil, ne demandez jamais à un Gallois s’il est Anglais (une insulte !), le Gallois n’est ni Anglais, ni même Britannique, le Gallois est Gallois, c’est tout. Une tendance à l’indépendantisme qu’on retrouve partout : des émissions pour enfants aux noms des rayons chez HMV, tout est traduit dans la langue locale. Même à Cardiff, la capitale, nul n’essaie de dissimuler son accent, pourtant méprisé par le reste du Royaume. Et lorsqu’on s’aventure un peu dans l’intérieur des terres, le dépaysement linguistique est total : les noms des villages sont imprononçables (Cwmfelinfach, Pontllanfraith,…), et les lycéens qui prennent le bus parlent un dialecte impossible à déchiffrer. Un sens du nationalisme qui leur vient peut-être de leur statut de vilain petit canard de la Grande-Bretagne. Pendant très longtemps, les Gallois ont été perçus comme des paresseux alcooliques, arriérés et incapables de moindre développement ; aujourd’hui encore les clichés ont la vie dure, et il persiste au sein de la prestigieuse Angleterre un racisme latent à l’égard de ces voisins à l’accent peu élégant. Heureusement depuis quelques années la culture Galloise occupe de plus en plus le devant de la scène. Grâce à des groupes comme les Manic Street Preachers, Stereophonics, Super Furry Animals ou Feeder, la réussite de l’équipe nationale de rugby, ou l’essor de BBC Wales sous l’impulsion de séries comme Doctor Who, les Gallois n’ont jamais autant envahi le monde. Pas mal, pour un peuple qui vit sous la coupe des Anglo-Saxons depuis plus de sept siècles.

Millenium Centre de Cardiff

Une fois que nous nous étions familiarisées avec l’accent, une autre chose nous a frappées chez ces fameux Gallois. Ce sont les gens les plus gentils, les plus adorables et les plus serviables du monde. Les Britanniques dans leur ensemble sont connus pour leur politesse, mais au Pays de Galles, ça frise l’excès de zèle. Pendant les trois courtes journées passées là-bas, nous avons été traitées comme des princesses, nous étions indubitablement au royaume des Bisounours : les passants vous sentant un peu paumés vous proposent spontanément leur aide, les vendeuses de centres commerciaux vous appellent « Darling », et au pub, sous prétexte d’une erreur de commande, vous vous voyez offrir une énorme glace, après que le serveur soit venu vous voir une bonne dizaine de fois pour s’assurer que tout allait bien. Dans un bus entre Newport et Blackwood, nous sommes même témoins d’une autre scène surréaliste : les ados de 16 ans (les mêmes lycéens mentionnés ci-dessus), pourtant habillés comme de parfaits petits chavs et en plein âge rebelle, remercient le chauffeur chacun leur tour en descendant du véhicule. Un truc qu’on aurait bien du mal à imaginer chez nous. Jamais nous n’avons entendu de Gallois s’énerver, se plaindre, ou être désagréable avec nous, et non seulement c’est contagieux, mais on s’y habitue extrêmement vite. Même Newport, ville a priori pas très intéressante ni jolie, a su nous séduire par la bonne ambiance tranquille et accueillante qui y régnait. Autant de minuscules détails qui changent la vie, et qui a rendu le retour parmi nos chers compatriotes agressifs et râleurs encore plus difficile.

Le Bute Park, avec vue sur le château de Cardiff

Si les Gallois sont tous naturellement charmants, ce n’est pas leur seul don, car ce sont aussi tous des poètes dans l’âme. Après tout, le Pays de Galles est connu pour être le « Land of the Song », et c’est loin d’être une simple légende. Impossible de recenser tous les poètes (Dylan Thomas, R.S. Thomas), les écrivains (Roald Dahl, Ken Follett), et les songwriters (Ivor Novello, John Cale) que compte le pays tant le talent pour le vers et la mélodie semble inscrit dans ses gènes. Une tradition tellement puissante que le moindre petit village perdu possède sa fanfare ou sa chorale. Et comment oublier la littérature médiévale Galloise, au service des mythes celtiques et du druidisme, et qui mine de rien imprègne toujours la culture moderne (le Roi Arthur, toute l’œuvre de Tolkien…) ? Pour comprendre ce goût inné pour la poésie, il suffit de se promener un peu. Le pays de Galles est tellement peu peuplé que la majeure partie du territoire est vierge de toute présence humaine. Amis des grands espaces, des forêts et des montagnes, cet endroit est fait pour vous. Vallées verdoyantes, plaines parsemées de jonquilles et villages paisibles, tout pousse au recueillement et à l’enchantement, de quoi se prendre pour un poète romantique du XIXe siècle. Ici pour voyager dans le temps, pas besoin de TARDIS, un simple ticket de bus vous suffira.

Vue du Severn Bridge

Et devinez quel est le thème de prédilections des auteurs Gallois ? Le Pays de Galles, pardi. Car les Gallois aiment leur pays à s’en rendre malade, et quand le pays souffre, c’est tout un peuple qui gémit. Il existe en Gallois un mot impossible à traduire : « hiraeth ». Le terme désigne à la fois l’attachement aux traditions, le mal du pays, et une nostalgie presque douloureuse, là aussi une spécialité locale. Il nous a suffit d’allumer la télévision pour nous en rendre compte. BBC Cymru diffusait ce soir là un documentaire sur quelques demeures historiques du pays, et bien qu’on ne comprenait pas un fichtre mot des commentaires en Gallois, il fallait être aveugle pour ne pas voir l’amour qu’avaient ces gens pour leur passé, leur histoire, leur patrimoine. Un triste air de violon achevait de donner à cette banale émission une tournure presque déprimante. Et inconsciemment, cette mélancolie nationale s’insinue partout : du Severn Bridge à la Baie de Cardiff, le moindre paysage provoque en vous un pincement au cœur, un sentiment étrangement aussi amer qu’agréable. Dylan Thomas le résume mieux que moi : « Swansea [sa ville natale], à l’instar de l’oignon, a de nombreuses couches, et chacune d’elles suffit à vous faire fondre en larmes », il aurait pu en dire autant du pays tout entier.

Rue principale de Blackwood

Enfin, il me reste à être honnête avec vous, ce choix de voyage au Pays de Galles n’avait rien d’anodin. Fans absolues des Manic Street Preachers, les enfants chéris du pays, nous rêvions de fouler cette terre qui les avait vus grandir, un peu comme les Chrétiens vont à Jérusalem, toute proportions gardées. Nous étions loin de nous imaginer le choc quasi mystique que ce séjour allait opérer en nous. Il faut dire qu’on a commencé violemment. Pour relier Londres à Newport, notre première étape, nous fûmes obligées de passer sur le Severn Bridge, lieu hypothétique du suicide non moins hypothétique de Richey Edwards, et accessoirement endroit le plus désespérant de tout le pays.

Remises de cet accueil pas très chaleureux, nous allions ensuite à Blackwood, ancien village minier perdu dans les Vallées où ont vécu nos quatre Gallois jusqu’à leur majorité. Imaginez vous une rue principale glauquissime où survivent une poignée de boutiques sordides, aux alentours quelques pâtés de maisons, et puis rien d’autre. Une demie-heure de bus pour atteindre le lycée le plus proche, une heure pour trouver un disquaire. Sans rentrer dans l’histoire détaillée du groupe, c’est à Blackwood qu’on a compris un milliard de choses sur eux. Pourquoi la bibliothèque était leur seul refuge, l’ennui leur principale motivation, et pourquoi après s’être trouvés, ils ne sont plus jamais lâchés.

Lors des concerts suivants certaines chansons prenaient également un autre sens : Motown Junk décrivait à merveille ce sentiment d’étouffement que peut ressentir n’importe quel adolescent vivant dans un endroit pareil, tandis qu’aucune autre chanson ne racontait mieux la condition prolétaire que A Design For Life : son « I wish I had a bottle right here in my dirty face, to show from where I came » prend toute sa signification pour quiconque a vu Blackwood. Et pour ceux qui viennent du même genre de région, ces provinces sinistrées par le chômage et la pauvreté, ces déserts culturels et sociaux, impossible de ne pas ressentir, plus que jamais, une origine commune avec les Manics, une fierté et une volonté à tout épreuve de s’en sortir, puisque eux y sont arrivés. Sur le chemin du retour, nous passons devant la maison des Bradfield, en face d’une décharge de pneus ; non vraiment je ne me plaindrai plus jamais de l’endroit où j’ai grandi.

Nous rentrions ensuite à Newport, rebaptisé Chavland par nos soins, tant de prime abord nous croyions être dans la capitale du jogging. Comment Nicky Wire peut-il vivre ici, dans ce cauchemar éveillé de fashionista ? Mais comme mentionnés précédemment nos préjugés furent assez vite balayés, et c’est en quittant la ville qu’on se rendait compte à quel point nous nous y étions attachées. Aujourd’hui encore je regrette ses papeteries géantes et ses magasins absurdes où pour une livre vous êtes le roi du monde.

Après avoir gardé le meilleur pour la fin, nous allions à Cardiff, ville d’une beauté lumineuse, où règnent le calme, la bonne humeur, et l’air pur. Là aussi les références aux Manics pullulent. De leur plaque à la bibliothèque municipale qu’ils ont inaugurée, au Millenium Stadium où ils ont quitté le siècle dernier en compagnie de 70000 personnes, tout rappelle leur présence, à différents moments de leur histoire. Il y a l’ancien appartement de Richey, où vont se recueillir les fans sentimentaux, et les pubs de St Mary Street dans lesquels James a du boire un bon million de pintes.

Les Vallées, depuis Blackwood

Nous quittons donc le pays avec l’impression d’en avoir plus appris sur les Manics qu’après avoir lu tous les articles à leur sujet, et en réalisant plus que jamais toute la chance que nous avions de connaître un groupe aussi exceptionnel. Et pour toutes les raisons citées plus haut, et plus encore, nous partons avec le cœur gros, et une seule idée en tête : revenir dès que possible. L’hiraeth, comme ils disent…

Suede - Bush Hall (London) - 27.10.10

2010-11-16T18:17:00.001+01:00

Je fais souvent des rêves étranges. C’est-à-dire qu’à défaut d’avoir une vie palpitante, mon inconscient se prend fréquemment pour Dali, et remplit mon sommeil de délires sous LSD. Une nuit Nicky Wire vêtu d’une robe de mariée donne un concert dans ma fac de médecine, puis je joue au ping-pong - sport érotique s’il en est un - avec son acolyte James Dean Bradfield. Parfois je suis pourchassée par des soldats allemands qui ne me veulent visiblement pas que du bien, et récemment j’ai passé une nuit d’un platonisme frustrant avec Benoît Hamon. Tenez, il n’y a pas si longtemps, j’ai même rêvé que Brett Anderson, chemise ouverte et la mèche lisse et soyeuse, était dans mes bras, et qu’on chantait Trash tous les deux, sous un énorme lustre en cristal. Oh mais attendez une seconde…

Quelque part dans une rue pas vraiment glamour de Shepherd’s Bush, c’est l’effervescence. Derrière une porte plus qu’anonyme, 350 privilégiés sont venus applaudir Suede dans le somptueux Bush Hall. Le groupe, aux oubliettes il y a encore un an, poursuit ici sa reconquête de l’Angleterre, 18 ans après avoir enflammé le pays avec sa britpop teintée de glam et d‘ambiguïté sexuelle. Le concert est en effet une promotion de leur deuxième best of qui sortira quelques jours plus tard, toute la presse a ainsi été conviée. Pour moi qui avait raté leur passage désormais mythique au Royal Albert Hall en mars dernier, j’ai conscience d’assister à mon premier concert dans des conditions inespérées : cette salle est bien minuscule par rapport à l’O2 Arena que le groupe s’apprête à remplir en décembre, et le simple fait d’avoir obtenu un billet pour ce soir relève quasiment du miracle (les rares places commercialisées sont parties en une poignée de secondes). En apercevant les incontournables David Barnett et Simon Price, on réalise vraiment que pour une fois, nous sommes là où il faut quand il faut, et pour être honnête cette jubilation est loin de déplaire à notre orgueil.

Mais avant de pouvoir admirer les déhanchés indécents de notre cher Brett, nous sommes mises à l’épreuve. La première partie, les Midimidis, est tellement désastreuse que ça ressemble presque à une parodie. Le duo de geeks, arborant t-shirt Attack Monster Munchies et ceinture PacMan, se défoule pendant un laps de temps qui paraîtra infini sur une pédale de distorsion et une pauvre boîte à rythme, qui entre deux samples extraits de SuperMario, éructe un tempo à faire criser un épileptique. Le « chanteur » semble possédé par Sonic le hérisson, le guitariste joue en autiste, c’est tellement horrible que ça en devient drôle, et nous pleurons de rire (et un peu de douleur aussi) sur la barrière. Le point culminant de cette vaste blague arrive quand le frontman au charisme d’une huître empoigne une guitare à laquelle il reste deux cordes. Puis une. Puis plus aucune. Entre air guitare et n’importe quoi punk, le pathétique vire ici au sublime, et j’ai une pensée émue pour ce garçon qui, s’il lui reste encore une infime part de dignité, a dû vivre à cet instant le plus grand moment de solitude de toute sa vie.

Nous semblons les seules à percevoir le pouvoir comique de ce groupe, car autour de nous les visages restent impassibles. Bouh vous êtes pas drôles les fans de Suede. Mais enfin l’assemblée se décoince lorsque Brett, Neil, Richard, Mat et Simon envahissent cette scène ridiculement petite, et sans plus de présentation, démarre un This Hollywood Life des plus électriques. En un instant le temps déraille de son cours normal : nous sommes en 1993, le groupe n’a jamais splitté, et j’ai devant moi « the hottest band in Britain ».

La setlist est bien sûr calquée sur les titres du best of, et c’est toujours ahurissant de constater le nombre de tubes que Suede a pu sortir, en si peu d’albums. La foule s’époumone sur Trash, Animal Nitrate ou encore Beautiful Ones, ces hymnes dans lesquels peut se reconnaître n’importe quel banlieusard (ou provincial) ayant un jour rêvé d’une vie plus excitante et pailletée, loin des « nothing places » et des « nuclear skies ». Émotion particulière à la mention des « cellophane sounds », nom donné à un moment où personne n’aurait misé un rond sur Suede, et qui me donne aujourd’hui la gratuite satisfaction d’une boucle enfin bouclée, mais bon il en faut peu à une sentimentale comme moi. Le concert poursuit son cours avec une intensité rarement observée, les côtes sont comme jamais écrasées contre la barrière, les cordes vocales s’irritent, la fièvre monte. Et étrangement tant d’inconfort physique est une source de bonheur absolu : depuis combien de temps n’ai-je pas assisté à quelque chose d’aussi fort ? De quoi être blasé à vie des concerts trop souvent vus où pas la moindre expression ne parcourt le public, et où il vous est presque reproché de danser.

Quelques titres un peu plus calmes sont censés apaiser la folie ambiante de temps en temps, mais Pantomime Horse ou The Asphalt World, absolument stupéfiantes de beauté, ne font pas baisser la tension d’un poil. Le public est à genou. Je ne sais pas si c’est la proximité de la scène, les retrouvailles après tant d’années d’absence, ou tout simplement le génie des chansons de Suede, mais un lien singulier se crée entre le groupe et nous. L’impression que ce moment est spécial, que c’est indescriptible et que peu importe tous les concerts qu’ils ont vu ou qu’ils verront encore, cette soirée au Bush Hall restera un souvenir à part dans la mémoire des gens qui auront eu la chance d’être là.

Il faut dire que le groupe, et Anderson en particulier, donne de leur personne. Paré de noir et le corps plus que jamais sculpté au couteau, l’androgyne chanteur retrouve ses poses provocatrices et une ardeur que je ne lui soupçonnais même pas. Le premier rang n’a de cesse de se faire agresser sexuellement par ce quadragénaire visiblement friand de contact physique, et si vous me permettez de faire la groupie cinq minutes, je dois dire que non seulement ses cheveux sont d’une texture tout à fait agréable, mais que son ventre, son dos, ses bras et ses cuisses sont d’une fermeté et d’une perfection impressionnante (et qu’il sent très bon - parenthèse groupie fermée).

Jusqu’à la fin pas le moindre faux pas, aucun moment de répit, la setlist reste diaboliquement irréprochable et enchaîne les titres à un rythme effréné, chacun plus parfait que le précédent, c’est presque obscène. Deux seuls bémols à cette soirée d’exception : l’absence de We Are The Pigs, petite favorite personnelle, et le choix de To The Birds pour le rappel, titre loin d’être mauvais mais pas suffisamment puissant à mon goût pour conclure une telle nuit. Ce soir Suede a néanmoins terrassé son auditoire, qui ne peut que se rendre et offrir au groupe une ovation qu’on sent sincère et pleine de sens, quelque part entre le « merci d’être revenu » et le « à très bientôt ». Personne ne sait ce qu’il adviendra de la reformation après le 7 décembre, mais le concert de ce soir prouve que 18 ans après l’esprit de Suede n’a jamais été aussi vivant.

Setlist :
This Hollywood Life
Killing of a Flashboy
Trash
Filmstar
Animal Nitrate
Heroine
Pantomime Horse
My Insatiable One
The Drowners
She
Can't Get Enough
Everything Will Flow
The Asphalt World
So Young
Metal Mickey
The Wild Ones
New Generation
Beautiful Ones
Encore :
To the Birds

Site officiel Suede.
Myspace Midimidis.

Manic Street Preachers - Newport (23.10), Bristol (25.10) & Leicester (31.10)

2010-11-13T02:20:00.015+01:00

Nothing turns out like you want it to. J'aimerais parfois dire à Richey Edwards d'arrêter de m'asséner ses vérités assassines, en particulier lorsque je suis sur une route quelque part entre Bristol et Birmingham et que je n'ai à cet instant aucune raison de détester la vie et mon prochain. Désolée mon petit, toi et tes mots désespérés ne peuvent m'atteindre, reviens dans une semaine. Hélas Richey a raison et rien ne se passe comme prévu. Notre tournée de cinq dates (Newport, Bristol, Birmingham et 2xLondres) se verra subitement réduite à deux, puis trois grâce à un fabuleux rebondissement de dernière minute.

Tout commence à Birmingham. La ville la plus laide de Grande-Bretagne toute en grenat et anthracite nous accueille sous un temps apocalyptique probablement annonciateur des catastrophes à venir, on ne serait pas surpris de croiser Hadès dans les rayons de Debenhams ou à côté d'un abominable Tesco qui n'a pas été rénové depuis 1979. Lorsque quelques minutes après notre arrivée nous apprenons que le concert de ce soir est annulé, les questions fusent. Nicky Wire s'est-il brisé un genou? A-t-il le chikungunya? S'est-il démis l'épaule en décrochant le téléphone (true story)? Non, James Dean Bradfield n'a plus de voix et hélas le malheureux ne la retrouvera pas assez vite pour assurer les concerts londoniens.

Mais que font deux fans des Manics désespérées lorsqu'elles réalisent soudain qu'avec un car National Express et beaucoup de chance elles peuvent se rendre au concert (complet) de Leicester le 31 octobre? Elles débarquent à 9h du matin dans une ville inconnue sans valise, sans chambre d'hôtel et sans ticket, ne comptant que sur leur culot pour espérer une place sur la guestlist. Et lorsqu'après 9 heures d'attente vous êtes enfin agrippé à la barrière grâce à la gentillesse d'un tour manager visiblement ému par votre détermination, vous vous dites que le coup de folie en valait la peine. Mais revenons au point de départ.

La première étape de cette tournée avortée est Newport. Une petite ville étrange, pas forcément jolie mais terriblement attachante, perdue au milieu des superbes vallées galloises aux verts les plus éblouissants. Suivent Bristol et Leicester malheureusement parcourues trop vite, ne soyez pas étonnés si les trottoirs sont désormais parsemés de paillettes roses.

Voir les Manics au Pays de Galles est forcément une expérience inoubliable. Considérés sur sa terre natale comme un véritable trésor national, le trio triomphe avant même de jouer une note et le pied de micro de Nicky, cette immense tour de plumes où s'entrelacent mille boas multicolores, est acclamé comme le pape au balcon du Vatican. Un rideau d'un rouge étincelant sert de cadre à un décor situé quelque part entre le cabaret et la vitrine d'une friperie disco, des mannequins pailletés ornés de boas sont assis sur les amplis, la lumière dévoile doucement cette fascinante mise en scène avec le majestueux Silver d'Echo & The Bunnymen en fond sonore.

Pointless fact: cette créature de lumière se nomme Denise.

Sans surprise le groupe joue la carte de la setlist prudente scindée en trois parties: nouveaux titres, tubes, set acoustique. Les fans des Manics sont connus pour leur exigence, dans nos rêves les plus fous la setlist parfaite serait constituée de l'intégralité de The Holy Bible + Patrick Bateman mais tout ceci n'est que pur fantasme.

Ouvrir par You Love Us est une idée simple mais redoutable: le concert démarre en trombe et les premiers rangs sautent, shout et point sans relâche durant plusieurs morceaux. Qu'importe la ville les tubes du groupe sont toujours honorés par un public qui s'époumone, même s'il faut bien avouer que les foules de Bristol et Leicester nous semblèrent bien endormies par rapport à Newport. The Masses Against The Classes, Motown Junk et Faster sont d'une puissance infinie, les guitares hurlent et la basse bourdonne à en faire vibrer le sol, je crois sincèrement qu'il n'existe rien de plus jouissif que de se faire écraser contre une barrière en criant « I know I believe in nothing but it is my nothing ». Bien remis de son hernie discale Nicky évolue sur scène de façon toujours aussi singulière, entre scissorkicks,entrechats et French Cancan au ralenti le bassiste au sourire de Cheshire Cat fait décidément un usage fort plaisant de ses pattes folles. James et Nicky sont particulièrement bavards et partagent quelques anecdotes forcément cocasses où se mêlent harpistes quadragénaires en jupe, concerts d'Echo & The Bunnymen et souvenirs de cette glorieuse époque où Richey et Nicky étaient incapables de jouer de leur instrument.

Mais les morceaux qui provoquent immanquablement l'hystérie resteront éternellement Motorcycle Emptiness et bien sûr A Design For Life. Idéalement placé en fin de concert, ce chef-d'œuvre est toujours un magnifique moment de rassemblement, un hymne dédié à la fierté prolétaire qui prend tout son sens dans le contexte actuel. La lutte des classes a toujours été un sujet essentiel chez les musiciens britanniques et face à un rock indé actuellement vide de toute conscience politique A Design For Life s'impose comme une chanson intemporelle et nécessaire. Une valse enivrante, un texte court et percutant, c'est finalement lorsqu'ils donnent dans la simplicité que les Manics sont les plus pertinents.

Ces moments de furie collective sont interrompus par le controversé set acoustique généralement considéré par les spectateurs comme la « pause pipi » quel que soit le groupe, mais grâce à un choix de chansons judicieux James évite de chanter devant 1500 personnes remettant en place leur braguette. Le mini-set débute par Small Black Flowers That Grow In The Sky, un morceau éthéré et bouleversant prouvant une fois de plus que le dépouillement sied parfaitement aux textes sans concession de Richey. Un délicat murmure remplace les hurlements, chacun chante du bout des lèvres comme pour ne pas réveiller les esprits et pleurer l'absence de celui qui n'a pourtant jamais cessé d'être là.

Qui en revanche aurait pu prévoir que You Stole The Sun From My Heart, un titre moyen et peu inspiré, soit un véritable bonheur en acoustique? James s'en donne à coeur joie, tourne sur lui-même telle une toupie infernale et se moque du public qui massacre joyeusement le refrain, tout ceci est joyeux, festif, youpitralala faisons la ronde tous ensemble avant de nous entretuer malgré nous durant Faster.

Cette ambiance électrique reflète à merveille l'état d'esprit avec lequel les Manics ont abordé cette tournée et le dernier album, Postcards From A Young Man. (It's Not War) Just The End Of Love, Postcards et Golden Platitudes prennent une ampleur insoupçonnée en live et Nicky en particulier prend de toute évidence un plaisir infini à jouer ces morceaux pour le moins épiques. Some Kind Of Nothingness souffre légèrement de l'absence des chœurs et de Ian McCulloch et on regrette tout de même que la deuxième partie de l'album soit totalement négligée tant A Billion Balconies Facing The Sun ou Don't Be Evil semblaient taillés pour la scène.

Après deux concerts excellents mais sans réelle surprise, il faudra attendre Leicester pour vivre ce qui sera pour beaucoup l'apothéose de cette tournée.

James à peine remis de sa laryngite assure néanmoins le show avec la verve de ceux qui ont quelque chose à se faire pardonner, laisse au public le soin de brailler quelques refrains et nous offre le plus incroyable des cadeaux, un instant historique pour les fans de Nicky et du pain béni pour ses détracteurs: Wire seul sur scène avec une guitare, du jamais vu dans la carrière des Manics. Le public en rit d'avance, sans doute encore marqué par les très nobles performances de Nicky en 2006 lors de sa tournée solo sous forme d'ode au rose bonbon et au chaos scénique, performances plus proches du happening ou du one-man show que du concert. Mais ce soir Miss Newport nous laisse pantois. Sa version épurée de The Future Has Been Here 4Ever est un régal, finies les prestations dignes de celles de tata Josiane ivre morte à un mariage, ce soir Nicky Wire est Susan Boyle, la foule d'abord moqueuse lui fait un triomphe et c'est précisément pour ce genre de moments que les kilomètres, les heures d'attente sous la pluie et les côtes malmenées contre la barrière en valent la peine. Le reste du concert peut être banal, le public décevant et la setlist inchangée, ces quatre minutes de grâce nous rappellent pourquoi nous sommes ici et pourquoi assister à plusieurs concerts est une chance.

Pour les fidèles chaque show s'apparente à une immense fête où se côtoient imprimé léopard et slogans situationnistes, chorégraphies stupides et paroles nihilistes. Musique, art, socialisme et surtout littérature, le groupe a dès ses débuts choisi de partager toutes ses influences, parsemant chansons et pochettes de références obscures attisant la curiosité de fans insatiables. La soif de culture a toujours été essentielle pour les Manics au même titre que la politique et une image très étudiée (si l'on oublie l'affreuse « période beige », un véritable cauchemar d'esthète), créant avec leur public un lien unique et bien plus profond que le traditionnel musicien demi-dieu/admirateur en pâmoison. A mille lieues des rockstars préférant parler sexe et cocaïne, les Manics furent pour beaucoup de fans des professeurs de substitution accomplissant ce que l'école a généralement bien du mal à faire admettre aux élèves, c'est à dire que la connaissance est le seul moyen de se sortir d'une vie ennuyeuse et tracée d'avance. Ambitieux, prétentieux, sublimes, ridicules, les Manics ont suscité autant d'amour que de haine mais quel groupe actuel peut se targuer d'avoir une telle influence sur son auditoire? Après le concert de Newport un mot m'est venu à l'esprit: fierté. Assumant plus que jamais leurs origines James, Sean et Nicky ont accompli le miracle d'être toujours là après vingt ans de carrière et les fans gallois peuvent s'enorgueillir d'avoir sur leur terre un groupe infiniment important qui continue d'inspirer des milliers de fans à travers le monde. Simon Price écrit dans Everything: « I was left reeling, stunned, thrilled, confused. In an instant, Manic Street Preachers were the only band in the world ». Pour nous aussi, durant cette tournée, ils l'étaient.

Newport Centre, 23.10.2010:

You Love Us
Your Love Alone Is Not Enough
Motorcycle Emptiness
It's Not War Just The End Of Love
Jackie Collins Existential Question Time
Roses In The Hospital
Postcards From A Young Man
This Is Yesterday
La Tristesse Durera
Some Kind Of Nothingness
Ocean Spray
Masses Against The Classes
Everything Must Go
If You Tolerate This Your Children Will Be Next
Small Black Flowers That Grow In The Sky
You Stole The Sun From My Heart
Faster
No Surface All Feeling
Golden Platitudes
Suicide Is Painless (Theme From M*A*S*H)
Motown Junk
Tsunami
A Design For Life

Colston Hall, Bristol, 25.10.10:

You Love Us
Your Love Alone Is Not Enough
Motorcycle Emptiness
It's Not War Just The End Of Love
Jackie Collins Existential Question Time
Roses In The Hospital
Postcards From A Young Man
This Is Yesterday
La Tristesse Durera
Some Kind Of Nothingness
Ocean Spray
Kevin Carter
If You Tolerate This, Your Children Will Be Next
Small Black Flowers That Grow In The Sky
You Stole The Sun From My Heart
Faster
No Surface All Feeling
Golden Platitudes
Suicide Is Painless (Theme From M*A*S*H)
Motown Junk
Tsunami
A Design For Life

De Monfort Hall, Leicester, 31.10.10

You Love Us
Your Love Alone Is Not Enough
Motorcycle Emptiness
It's Not War, Just The End Of Love
Jackie Collins Existential Question Time
Roses In The Hospital
Postcards From A Young Man
This Is Yesterday
La Tristesse Durera
Some Kind Of Nothingness
Ocean Spray
Everything Must Go
If You Tolerate This Your Children Will Be Next
The Future Has Been Here 4 Ever
You Stole The Sun From My Heart
Faster
No Surface, All Feeling
Golden Platitudes
Suicide Is Painless - Theme From M*A*S*H
Motown Junk
Tsunami
A Design For Life

Photos: http://www.flickr.com/photos/cellophanesounds/
Site officiel

Morrissey & Marr: The Severed Alliance - Johnny Rogan

2010-10-11T02:53:00.004+02:00

Par Adélaïde

Il y a des bouquins qui sont très difficiles à résumer, ou même à expliquer. C’est le cas de celui-ci. Comme vous pouvez quand même le deviner, ce gros pavé raconte l’histoire des Smiths, mais pas seulement. C’est l’histoire de deux personnes, deux caractères qui ont bien failli ne jamais se rencontrer.

En 1992, à sa sortie, le livre a été acclamé par l’ensemble de la presse musicale ; pourtant, il n’a pas vraiment été goûté par Morrissey, qui, d’après l’auteur Johnny Rogan, aurait même proféré des menaces de mort contre lui… (“Personally, I hope Johnny Rogan ends his days very soon in an M3 pile-up”).
Et pourtant, Johnny Rogan est quelqu’un comme nous, un fan transi d’amour pour ce groupe hors du commun qu’a été les Smiths, presque un ovni dans le paysage musical des années 80 dominé par les minauderies de Madonna ou les tubes en plastique de Duran Duran. En effet, les Smiths n’est pas un groupe comme les autres, surtout à cause de ses deux protagonistes.
Le livre commence donc par une exhaustive biographie (un peu trop d’ailleurs) de Morrissey. Johnny Rogan nous replonge d’abord dans l’Irlande du début du XXe siècle dans laquelle ont vécu ses grands-parents (Si vous voulez vraiment lire ce premier chapitre, je vous recommande chaudement de regarder au préalable Le vent se lève de Ken Loach, sinon c’est incompréhensible.). Puis c’est l’installation de ses parents à Manchester dans les années 50.
Vient ensuite un récit parfois trop précis de l’enfance de Morrissey, marquée par les meurtres en série de petits mancuniens de son âge, qui l’ont traumatisés (tous ceux qui ont grandi dans le Nord pendant la période Marc Dutroux comme moi comprennent ce dont il s’agit). Ses années collège-lycée pendant lesquelles, devinez quoi, il ne se sentait pas à sa place. Très vite, il se passionne pour la pop musique.
Et là, tout s’éclaire : son amour pour les chanteuses des sixties, pour T-Rex, et le glam en général, et bien sûr, pour les New York Dolls. Ce qui fait l’intérêt de ce livre, (et aussi ce qui a contribué à la colère de Morrissey), c’est que nous pénétrons dans la chambre de Morrissey, voire même dans sa tête, nous écoutons ses disques préférés, parce que tout cela nous permettra de comprendre ses lubies, ses paroles… L’auteur décrit très bien ses années passées dans sa chambre en train d’écrire ses premiers essais, ses premières paroles ; il nous explique aussi ses fantaisies et ses paradoxes, parce que c’est la grande révélation de ce livre, Morrissey est quelqu’un d’infiniment paradoxal. (Morrissey, raciste ou pas raciste ? Féministe ou misogyne ? Gay, hétéro, ou asexué ?)
A propos de Johnny Marr, Rogan fait plus court. Il faut dire que Marr est quelqu’un de bien moins compliqué : à 15 ans, sa vie est déjà toute tracée : il a rencontré la femme de sa vie, il sait qu’il deviendra musicien, et qu’il est destiné à être une rock star. Johnny Marr, c’est le jeune prodige tellement ambitieux et sûr de lui que ses dents rayent le parquet.
C’est lui, qui, en 1982, va chercher Morrissey du fin fond de sa chambre, pour son talent de parolier. C’est Marr qui a voulu les Smiths. Et pourtant, c’est Morrissey qui va devenir une star. La suite du livre raconte toutes les étapes du groupe : les premiers morceaux composés, les premiers concerts (calamiteux), la signature avec Rough Trade, les premiers succès, les tournées en Angleterre et aux Etats-Unis.
Mais la trajectoire des Smiths, c’est aussi une réflexion sur le statut de groupe indépendant. Les Smiths, comme bien d’autres, se sont retrouvés face à l’éternel dilemme crédibilité artistique ou succès commercial. Les Smiths n’avaient pas peur du succès commercial, ils en ont même eu certains, mais Marr aurait voulu franchir des limites que les dogmes de l’underground n’auraient pas toléré.
Les sorties de Morrissey dans la presse sur la politique, sur Thatcher et sur les animaux en danger ont en fait contribué à restreindre la créativité et la définition des Smiths. A l’époque, il était difficile d’imaginer ce groupe réputé « politisé » sortir un hit pour dancefloors, alors même que c’était la direction que Marr voulait prendre. L’histoire des Smiths, c’est aussi une critique de l’étroitesse d’esprit de la scène indépendante de l’époque, mais aussi du le rôle de la presse musicale, dont l’incontournable NME.
Il y aurait encore tellement à dire sur les provocations hilarantes de Morrissey, sur ses caprices, mais aussi sur sa relation ambiguë avec le génial Johnny Marr, et sur les trop souvent oubliés Andy Rourke et Mike Joyce.
L’intérêt de ce livre, c’est qu’il contribue à percer pour nous, fans intrigués, le mystère Morrissey. Il explique le sens de chaque chanson, album par album, les conflits avec la maison de disques, etc etc. Bref, si vous voulez tout savoir sur les Smiths et que vous n’avez pas peur des gros pavés écrits en anglais, c’est par ici.

Morrissey
Johnny Marr

Zola Jesus - Stridulum II

2010-10-05T00:36:00.003+02:00

I see a red door and I want to paint it black, chantait dans les années soixante notre Mick Jagger adoré. Il semblerait en effet qu’en ces temps de crise aussi colorés et chaleureux qu’un terril tous les jeunes musiciens aient décidé de repeindre le monde couleur océan mazouté, remercions donc de tout coeur ces groupes aux allures de chauve-souris sous Prozac qui, en plus de nous faire beaucoup rire tant ils se prennent au sérieux, nous livrent sur un plateau une multitude de morceaux parfaits pour se noyer dans un puits en toute sérénité. Avouons que Joy Divison est un peu surfait, je vous propose donc une autre artiste venue des ténèbres: Zola Jesus.
Pour être honnête j’ai décidé d’écouter sa musique uniquement parce qu’une personne choisissant Zola comme pseudo ne peut pas être foncièrement mauvaise. Derrière cet étrange nom de scène se cache la très jeune Nika Roza Danilova, 21 ans, étudiante en philosophie dans le Wisconsin et à la traditionnelle question «qu’est-ce que tu veux faire quand tu seras grande?», la petite Nika répondait probablement «Lydia Lunch». Après plusieurs essais tâtonnants et moins accessibles sort ce fascinant Stridulum II, un nom digne d’un album de rock prog des années 70, version longue de l’EP Stridulum sorti plus tôt cette année.

Sachez que la très avenante pochette de l’album vous éclairera plutôt bien sur le contenu. Comme sur ses précédents disques, Zola Jesus cherche avant tout à créer une atmosphère oppressante et poisseuse, une musique qui s’écoute seul dans le noir en plein orage, si vous possédez un donjon près d’une forêt l’expérience n’en sera que plus mémorable. On pense aux années 80, à cette new wave si souvent malmenée par tous ces groupes qui tiennent absolument à nous montrer qu’ils souffrent plus à l’intérieur que leurs petits camarades. Stridulum est un authentique disque d’évasion, une porte grinçante s’ouvrant sur un monde brumeux et menaçant. La voix de Rika sonne comme celle d’un fantôme errant dans un parc d’attractions désaffecté (et croyez-moi, il n’existe rien de plus glauque qu’un parc d’attractions laissé à l’abandon) et la chanteuse n’en fait jamais trop, ne cherchant jamais à donner dans la prouesse vocale prétentieuse et inutile. Tous les codes du genre sont évidemment présents, chœurs hantés (Stridulum, Run Me Out), rythmique simple parfois quasi militaire (Manifest Destiny, Night), parfois semblable à un coeur battant (Tower), drones inquiétants, je me plais à croire qu’une telle musique nous accueillera lors du jugement dernier. On ne sera pas surpris d’apprendre que Zola Jesus a tourné avec Fever Ray, autres maîtres d’une musique électronique ingénueuse et torturée.

Si les anciens travaux de mademoiselle Jesus ressemblaient plus à des bricolages bruitistes destinés à aggresser les oreilles des auditeurs, ce Stridulum II adoucit les contours des pierres tombales, prouvant que le sens mélodique de la jeune artiste s’aiguise chaque jour un peu plus. Moins brut, moins inaccessible, avec ce disque Nika a trouvé la formule pour plaire aussi bien aux fans du genre qu’aux simples curieux. Certains trouveront sans doute que sa musique perd en intensité, les autres y verront une évolution logique et la promesse d’un bel avenir. Espérons simplement que Zola Jesus survivra à cette hype noir corbeau, si ce n’est pas le cas il nous restera toujours cette œuvre envoûtante qui vous donnera, avec un peu d’imagination, l’impression d’être dans un roman gothique peuplé de mystérieux personnages arpentant les couloirs sombres d’un glacial château. Et c’est déjà pas mal.

Love Amongst Ruin - Love Amongst Ruin

2010-09-27T22:01:00.000+02:00

Comme le disait Magali il n’y a pas si longtemps, l’une des choses les plus tristes qu’un fan puisse vivre, c’est de voir un groupe qu’il a adulé devenir mauvais. Prenez Placebo par exemple. Lorsque je les découvrais en 2002, Brian Molko était encore ce trublion androgyne au sens inné de la provocation ; en trois albums aussi énervés que désespérés, le groupe s’était imposé dans le cœur des ados mals dans leur peau de l’époque, et je n’y faisais pas exception. Puis nous avons vieilli, et eux aussi. En 2006, le désastreux Meds, et le côté de plus en plus vieux con de notre Brian chéri, sonnèrent le glas de cette relation passionnée. Un an plus tard, le batteur Steve Hewitt en avait visiblement aussi sa claque, et quittait le navire en plein naufrage. Et pendant que la bande à Molko remplissait les stades d’Amérique du Sud accompagnée de leur nouveau batteur à l’allure de rentboy tatoué, le discret Steve, loin de se morfondre dans son coin, ne se reposait pas sur ses lauriers.

Sans crier gare, le voilà qui revient avec un nouveau groupe dont il a pris la tête, et un premier album dans la foulée. Love Amongst Ruin tient son nom d’un poème de Robert Browning, auteur romantique de l’Angleterre victorienne. Cette référence et les tons poudrés de la pochette ne manqueront pas d’étonner ceux qui connaissent un peu notre nouveau frontman, qu’on imaginait plus comme un typique lad mancunien que comme un dandy tourmenté.

Menée par une voix étonnement douce et juste, cette entrée en matière verse tour à tour dans le rock survolté ou mélancolique, deux ambiances qui parlent immédiatement à l’ex-fan que je suis. Dès le titre introducteur So Sad (Fade), les comparaisons à Placebo foisonnent, mais le Placebo de mes 16 ans, celui au son angoissé, urgent, et tranchant comme une lame de rasoir. Le riff déprimé de Truth aurait parfaitement eu sa place sur Without You I’m Nothing, alors que Home, tout en saleté malsaine, n’est pas sans rappeler la noirceur cynique de Black Market Music. Les explosifs Running et Blood & Earth trahissent eux l’influence de Sonic Youth, tandis qu’Away From Me emprunte le spleen un peu gothique des Cure, deux groupes qui avaient eux aussi fortement marqué les premiers albums du trio anglo-américano-suédois. À part un ou deux titres plus timorés, ce premier disque ne manque pas d’idées, et devrait plaire aux nostalgiques de cette époque bénie où Placebo ne passait pas sur Europe 2 (= Virgin Radio pour le lecteur de moins de 15 ans).

On découvre ici un Steve Hewitt bien plus classieux et fin qu’on ne se l’était représenté, et il faut bien l’admettre, Love Amongst Ruin est infiniment plus subtil et inspiré que tout ce que Placebo a pu produire depuis 2005, d’où notre question : Hewitt faisait-il tout le boulot ? Charlie Watts et Dave Grohl nous avaient déjà appris la leçon, mais ce disque vient encore nous le confirmer : ne sous-estimez jamais les batteurs.

Site officiel. Myspace.

Ben Myers - Richard

2010-09-19T20:12:00.001+02:00

En matière de Rock ’N Roll, la réalité dépasse régulièrement la fiction. Histoires d’amour, de sexe, de violence, de gloire et de décadence, le destin de certains groupes s’avère parfois aussi incroyable et fascinant qu’une tragédie grecque. Avec son lot de héros maudits, de passions dévastatrices et de dénouements funestes. Flairant le pouvoir romanesque de ces existences vécues à cent à l’heure, de plus en plus d’écrivains et de scénaristes couchent sur le papier ces vies épiques que même l’imagination la plus fertile n’aurait osé concevoir.

Dans les années 90, un de ces mythes a fréquemment fait la une des journaux outre-Manche, aussi bien dans la presse musicale que dans le Daily Mail et autres torchons du genre. Richey Edwards, guitariste abominable et auteur de génie au sein des Manic Street Preachers, défraie régulièrement la chronique : déclarations choc, automutilation sous les yeux de Steve Lamacq (et des photographes), séjours en clinique psychiatrique… Celui qui avait déclaré vouloir faire la une du Sun plutôt que celle du NME ne cesse de nourrir les journalistes en manque de scandales ; volontairement d’abord, puis bien malgré lui. Sa disparition mystérieuse à l’âge de 27 ans, le 1er février 1995, est le point culminant de cette médiatisation incontrôlée. À partir de ce jour, comme Sid, Ian ou Kurt avant lui, Richey devient une icône, un martyr, une figure de musée. Mais derrière le masque sulfureux de rockstar de Richey Manic, bien peu de gens peuvent se vanter d’avoir réellement connu Richard James Edwards, et ils sont encore moins nombreux (pour ainsi dire personne) à avoir percé à jour cette personnalité aussi complexe que secrète.

Jusqu’à présent deux ouvrages s’y sont principalement attelés (je passerai sur les innombrables bouquins vulgairement pompés sur Wikipédia, accumulant les fautes et les clichés). Everything, biographie du groupe signée Simon Price, est la Bible de tout fan des Manics. Bien écrit, émouvant, complet, c’est le point de départ indispensable pour comprendre l’histoire publique et intime de nos quatre gallois. A Version Of Reason, de Rob Jovanovic, sorti l’an passé, est quant à lui exclusivement consacré à Richey, mais à défaut d’être vraiment mauvais, il tombe trop souvent dans la caricature facile, et les informations réellement nouvelles sont quasiment anecdotiques. Le journaliste et écrivain Ben Myers, fan de longue date, s’est à son tour penché sur ce mystère, mais cette fois sous la forme de fiction, car après tout les bons romans en apprennent parfois autant que les livres d’histoire.

Dans un style hyper moderne (beaucoup de dialogues, phrases courtes, voire simples mots lancés à la volée), Myers étire sur près de 300 pages la vie tantôt chaotique tantôt triviale de notre héros, et à l’aide d’anecdotes et de détails jamais anodins, en dresse un portrait assez juste, sans toutefois tomber dans les clichés journalistiques mille fois lus (dans le style d’une Martine un peu trash : Richey le dépressif, Richey l’anorexique, Richey le self-harmer, Richey l’alcoolique). Certains passages décrivant les relations entre les différents membres du groupe sont même étonnement criantes de vérité ; lorsque Richey appelle Nicky en plein milieu de la nuit pour lui faire une confession inavouable à propos du temps où ils dormaient ensemble, c’est tellement bien amené et adorable qu’en me voyant lire on m’a demandé pourquoi je souriais autant. À une ou deux erreurs près, qui ne choqueront que le lecteur averti, c’est historiquement irréprochable, l’auteur pousse même le souci du détail jusqu’à retrouver les setlists exactes des tous premiers concerts du groupe et d’autres précisions qui raviront les nerds dans mon genre.

En empruntant la voix de Richey, l’auteur mène deux récits en parallèle, d’une part l’histoire de sa vie, brossée telle une toile impressionniste à l’aide d’une multitude de souvenirs, et d’autre part ce qui lui est (potentiellement) arrivé après son départ de l’Embassy Hotel, ce froid matin de 1995. Cette deuxième partie, totalement imaginaire (quoique basée sur les maigres informations que la police a pu reconstituer), est l’occasion d’établir un long dialogue entre Richey et sa propre conscience, son surmoi impitoyable qui n’a de cesse de lui asséner ses quatre vérités : « You’re still clinging to a tiny fragment of your old, stupid, pathetic, worthless, coward self. », et de le rabaisser à coup d’ironiques « Oh really? ».

On pourrait s’attendre à ce qu’une telle histoire soit déprimante à mourir, mais tout comme Richey, Richard n’est pas dénué d’un certain sens de l’humour, et on rit franchement en observant Nicky et Richey complètement ivres dans leur chambre d’hôtel : « -Nick. -Yes? -The room is spinning. -Put one foot on the floor and you’ll be alright. -You might want to pass me the bin. Just in case. », ou lorsque Richey, racontant sa première fois absolument désastreuse avec une « vieille » dans les toilettes d’un bar miteux, constate, mi-horrifié mi-amusé, alors qu’elle est à genoux et qu’il a le pantalon sur les chevilles, qu’on voit ses racines, et qu’aussi il n’a plus aucune idée de quoi elle ressemble. La description des fans prête également à sourire, parce que vingt ans après ils ont toujours la même allure : « Fur coats, heels, T-shirts customized with slogans, bad dye jobs, tight jeans, bouffants, tiaras. And that’s just the boys. ».

De nombreux fans, à l’annonce de la sortie de ce livre, ont émis de sérieux doutes, de façon assez légitime. Ben Myers était-il encore un de ces charognards qui ferait de la vie de leur idole un mauvais roman de gare afin de lancer sa carrière de pseudo-écrivain ? Les plus puristes d’entre eux seront encore gênés après la lecture du bouquin, mais les autres devront bien admettre que Richard, sans certes valoir le Goncourt, reste un livre bien écrit, respectueux de son sujet, et qui au final réhabilite Richey, souvent dépeint comme un fou, un égoïste ou un lâche (ou comme il l’écrit si bien un « self-obsessed narcissist, whingeing weak-willed cocksucker imbecile »). Qui sait, l’éternel vaniteux qu’était Richey Edwards aurait même peut-être adoré l’idée de se voir transformé en personnage de roman. En bon disciple d’Oscar Wilde, il avait après tout fait de sa vie sa première œuvre d’art, et sans dénaturer l’original, Richard en est une copie parfaitement réussie.

Richard est disponible à partir du 1er octobre 2010.

Blog de Ben Myers.

Special thanks to Picador for sending us a copy, and to Ben Myers for being as accessible as any young author should be, and just generally lovely.

Manic Street Preachers - Postcards From A Young Man

2010-09-15T00:09:00.003+02:00

Chloé:

On peut (et dans ce pays on ne se gêne pas pour le faire) tout reprocher aux Manic Street Preachers. Leur prétention, leur côté moralisateur, les désastres capillaires de Nicky Wire… Mais ce qu’on ne leur enlèvera jamais, c’est bien leur faculté à rebondir, sans cesse, jamais où on ne les attend, et avec toujours autant de conviction (et de mauvaise foi), après 20 ans de carrière. Ajoutez à cela un sens aigu de la contradiction, qui les fait renier tour à tour chacun de leurs albums, et vous obtenez la discographie la plus hétérogène et déconcertante qui soit, comme l’oeuvre d’un groupe aux personnalités multiples. Il y a à peine plus d’un an, Journal For Plague Lovers avait eu le mérite de chasser du grenier un fantôme encombrant ; en utilisant les derniers textes de Richey Edwards, les Manics renouaient avec une critique unanime tout en clôturant un long chapitre de leur histoire personnelle. Un album riche de sens et en émotions, indispensable mais éprouvant, et qui laissait la mission quasi-impossible de faire mieux avec le disque suivant. Comme après le lugubre The Holy Bible en 1994, le groupe a ensuite naturellement éprouvé le besoin vital de respirer, de reprendre des forces, et d’occuper à nouveau les terrains sûrs de la pop glorieuse et radio-friendly. À ce petit jeu là, les Manics nous ont habitué au meilleur comme au pire. Si en 1996 Everything Must Go avait fait l’unanimité par ses hymnes grandioses et ses guitares rutilantes, il y a trois ans Send Away The Tigers avait comme un goût de vieux chewing-gum : trop américain, édulcoré, et insipide.

Pour leur dixième opus, les Manics décident donc de changer radicalement d’ambiance. Adieu élitisme, son brut et thèmes obscurs, (re)bonjour popularité et hymnes taillés pour les stades. Postcards From A Young Man se veut être « one last shot at mass communication ». Et le groupe n’y va pas avec le dos de la cuillère : depuis juin, ils enchaînent les promos à un rythme effréné, et Nicky, le technophobe de la bande, est devenu accro à Twitter. Toute la presse musicale britannique, des grands patrons jusqu’au stagiaire qui fait le café dans les bureaux du NME, s’est ensuite vue inviter à un concert privé, histoire de se mettre tout ce beau monde dans la poche. Ce cirque commençait presque à faire peur. Et je dois dire qu’en écoutant le premier single, (It’s Not War) Just The End Of Love, puis les courts extraits disponibles sur Amazon, j’ai émis l’ombre d’un doute : suis-je en train d’écouter le nouveau Take That ?! Le clip, montrant l’impeccable Michael Sheen roulant la pelle la plus longue de toute sa vie à Anna Friel sur une table de jeu d’échecs eut au moins le mérite d’être hilarant (Wire parle de « hidden repressed communist sexual tension », je cherche toujours le côté caché et réprimé). Et lorsque j’écoutai enfin l’album pour la première fois, j’étais comme avant un match de l’équipe de France : je m’attendais vraiment au pire.

Verdict, track by track (j’ai beau eu retourner la question dans tous les sens, impossible de résumer un tel disque - désolée).

(It’s Not War) Just The End Of Love ouvre donc cet album, et avec son titre plus que lourdaud, peine toujours à me convaincre. Les guitares sont pompées sur Tonight, Tonight des Smashing Pumpkins, et malgré tous les violons et la meilleure volonté du monde, la chanson retombe comme un soufflé au moment du refrain. Dans l’ensemble pas désagréable, mais peut mieux faire. Passons donc à l’éponyme Postcards From A Young Man, déjà plus inventif, plus enlevé, plus « Manics ». Les violons sont toujours là, et il faudra s’y habituer jusqu’à la fin de l’album. Pour paraphraser Simon Price, « il y a plus de cordes dans ce disque que dans le sac de Rafael Nadal ». Les paroles de Postcards confirment l’impression qu’on commençait à avoir depuis quelque temps, Nicky Wire reste et restera toujours un grand nostalgique, un incorrigible sentimental. Ce « young man », s’agit-il de Richey ? Du Nicky de 20 ans qui écrirait à celui de 40 ans ? De façon plus inhabituelle, Wire, la grande gueule qui a toujours raison, admet pour la première fois avoir des regrets et des torts : « I’m quite prepared to admit I was wrong », mais cette confession ne semble lui donner que plus d’ambition et de force pour affronter le futur : « this world will not impose its will, I will not give up and I will not give in », chante James Dean Bradfield accompagné d’une chorale, qu’elle aussi on réentendra plus tard.

Vient ensuite l’un des titres les plus attendus, Some Kind Of Nothingness, avec la participation de Ian McCulloch, véritable idole des quatre adolescents, alors qu’à 16 ans ils devaient prendre le bus jusqu’à Cardiff (le bout du monde !) pour trouver les disques d’Echo and the Bunnymen. Le texte ici est explicitement destiné à Richey : « the truth meant more to you than love », « remember you, stretched out in the sun, all alone, forever », avec une nouvelle fois l’occasion de se pencher sur le passé : « still and lonely like an old school photograph ». Les cordes et les chœurs quasi religieux (vous avez dit « gospel » ?) dominent la chanson et ne la rendent que plus émouvante. La voix de McCulloch, un peu moins pénétrante que par le passé mais toujours aussi unique, ajoute à tout cela une ultime touche de mélancolie. L’album vient tout à coup de prendre pas mal d’altitude.

The Descent (Pages 1&2), avec ses premières notes copiées sur le début de The Everlasting, et ses rimes un peu faibles, nous fait légèrement redescendre sur terre. L’ensemble est agréable à écouter mais aucune émotion ne se dégage vraiment, passons vite à la suite avec Hazelton Avenue. Pour être honnête, c’est impossible de se décider sur une chanson pareille. Elle est tellement mièvre et prévisible que ça la rend presque jubilatoire. Ça ressemble à une parodie d’un tube pop des années 90, d’ailleurs l’intro est un pur plagiat de It Ain't Over 'Til It's Over de Lenny Kravitz (une fois de plus je remercie Anne-Sophie pour ses connaissances infinies - je l'avais sur le bout de la langue mais impossible de le sortir). Un titre extrêmement perfide et efficace puisque cette mélodie refuse désormais de me quitter l’esprit.

Auto-Intoxication revient enfin aux choses sérieuses avec ses guitares acérées et une rythmique implacable, la deuxième partie de la chanson étant le premier véritable moment de rock ‘n roll du disque. Il était temps. Le texte lui se veut une réflexion sans concession sur l’industrie musicale actuelle « welcome to the new slave trade », ça commence à chauffer, je pousse un autre soupir de soulagement. Golden Platitudes, première ballade de l’album, commence ensuite tièdement mais trouve elle aussi tout son intérêt dans sa seconde partie, lorsque les chœurs plus magiques que jamais prennent littéralement le pouvoir et renouent avec la grandeur déjà entendue sur Some Kind Of Nothingness. On souhaiterait intérieurement qu’ils ne s’arrêtent jamais de chanter, et c’est bien la première (et la dernière) fois que je parle de cette façon d’une chorale. Avis aux cyniques et aux snobs, vous allez détester. Une fois de plus il est question de leur jeunesse perdue « What happened to those days ? When everything seemed possible, (…) where did it all go wrong ? ». Les cyniques n’aimeront pas la prochaine non plus, I Think I’ve Found It, mais là je ne vous le reprocherai pas. Mélodie pauvre, paroles d’une banalité assez affligeante (désolée James), et est-ce une… mandoline que j’entends ?! Non, non, juste non.

Et là, au moment où l’album pourrait commencer à s’essouffler, arrive LE gros morceau, le rouleau compresseur qui détruit tout sur son passage, le titanesque A Billion Balconies Facing The Sun. Avec son titre dramatique au possible, c’est un morceau de pur rock ’n roll, profond, riche, et diablement excitant. La basse est signée Duff McKagan, ancien Guns ’N Roses et autre héros de jeunesse du groupe. Décidément la présence de guests les inspire drôlement. James nous offre quant à lui non pas un, mais deux solos de guitare, démentiels comme à leur habitude, à faire pâlir Slash de jalousie. Un futur classique. Un autre retour aux sources pour All We Make Is Entertainment, très Queenesque dans l’esprit, et aux paroles enfin clairement politiques, sur l’état actuel du Royaume-Uni, qui, je cite Nicky, « préfère sauver les banques plutôt que Cadbury, le meilleur chocolat du monde ! ». C’est vrai qu’on ne rigole pas avec le chocolat.

Ensuite sur le papier, on a eu très peur : « Nicky Wire au chant et Sean Moore à la trompette ». Et à vrai dire à la première écoute ce n’était pas gagné non plus. Et pourtant, The Future Has Been Here 4 Ever se révèle être la bonne surprise de cet album. Une chanson subtile, pleine de nuances, sans maniérisme ni envolée lyrique, juste un titre brillant par sa modestie. Les Manics ? Modestes ? Je ne pensais pas que j’écrirais ça un jour. On pardonnera donc la maladroite référence au Parrain III (non Nicky tu n’étais vraiment pas obligé). Pour finir, les riffs malsains de Don’t Be Evil, diatribe contre la toute-puissance de Google et le conformisme dans lequel le monde moderne nous a enfermé : « don’t be evil, just be corporate, and fool the world with your own importance ». Un dernier titre qui prouve que malgré toute la nostalgie déversée jusqu’à maintenant, le groupe garde en eux cette colère et ce sens de la contradiction que peu de groupes ont su conserver après une telle longévité.

Les Manic Street Preachers signent donc ici un album étonnant. Hyper commercial, mais honnête, complexe dans le fond, limpide dans la forme, nostalgique mais optimiste. Une fois de plus, ça ne ressemble à aucun de leurs précédents albums, tout au plus peut-on lui reconnaître la luminosité aveuglante d’Everything Must Go et la mélancolie insidieuse de Lifeblood. Postcards From A Young Man est un instantané du groupe tel qu’il existe aujourd’hui, avec son assurance, ses faiblesses, et toujours cette envie de défendre les idéaux auxquels ils croient depuis toujours. Entre les stupidités prémachées qui se vendent par millions, et le secteur indépendant qui survit plutôt bien mais qui n’a pas grand-chose à dire, les Manics se posent plus que jamais en troisième voie, et prouvent une nouvelle fois qu’il est possible de faire de la musique intelligente et excitante, accessible et exigeante. One last shot at mass communication ? On espère vraiment pas que ce soit le dernier.

Magali:

Je crois qu’il n’existe aucun groupe plus paradoxal que les Manic Street Preachers. Attardons-nous un peu sur ses membres. D’un côté nous avons James Dean Bradfield, chanteur, guitariste et compositeur aux allures de (petite) brute épaisse qui s’avère être un fan des Supremes doux comme un agneau. De l’autre le bassiste, parolier et fée du logis Nicky Wire arbore fièrement robes à fleurs et bijoux Claire’s, voue un culte aux aspirateurs Dyson et utilise du dentifrice en guise de maquillage. Mais derrière ce look de prostituée kawaï se cache un homme qui a publiquement insulté tous les groupes de la création, un sober sociopath combattant sans relâche les parasites musicaux et... les acariens.
Parlons également de Richey Edwards, guitariste inutile et parolier formidable qui a littéralement disparu dans la nature en février 1995. Richey voulait vendre des millions d’albums mais inondait ses chansons de références bien trop obscures pour que les masses puissent adhérer. Il rêvait d’écrire de grandes chansons politiques mais était au sommet de son art lorsqu’il parlait de ses propres tourments. C'est finalement Nicky qui écrira cette chanson engagée et universelle avec le tube A Design For Life.

Alors que l’an dernier sortait dans la plus grande discrétion, sans promotion et sans single l’excellent Journal For Plague Lovers, entièrement composé des textes de Richey écrits 14 ans plus tôt, le groupe s’apprête désormais à publier en grande pompe Postcards From A Young Man. Tournée interminable dans toute la Grande-Bretagne, vidéo avec Michael Sheen et Anna Friel, album en édition collector limitée spéciale fans fortunés etc.
Si Journal For Plague Lovers fait l’unanimité parmi les fans, ce nouvel album divise avant même sa sortie, provoquant des crises de nerfs chez les drama queens révoltées par les propos ô combien choquants de Nicky qui déclare vouloir renouer avec le succès commercial. Les grands moralisateurs indés en ont pleuré des larmes de sang, couinant à longueurs de messages sur le forum Forever Delayed que leur histoire intensément intense avec le groupe se terminait ici, prouvant par la même occasion qu’après vingt ans de phrases chocs Wire arrive encore à provoquer le chaos partout où il passe.

Évidemment beaucoup de fans détestent déjà cet album et je peux comprendre pourquoi. Les amateurs de sobriété et de bon goût auront l’impression de se faire poignarder les oreilles, en revanche ceux qui arrivent à apprécier Know Your Enemy ou Send Away The Tigers aimeront ce disque pour ce qu’il est: une minute de récréation pour un groupe sans doute encore marqué par l’éprouvant Journal et qui décide de se faire plaisir en invitant ses héros et en enregistrant des chansons grandiloquentes. Après tout Nicky nous avait prévenus et pour une fois il ne nous a pas menti.
Le choix de (It’s Not War) Just The End Of Love en tant que premier single demeure pour moi un mystère, je me demande comment cette chanson tristement banale arrivera à convaincre les auditeurs à s’intéresser à l’album et surtout à se frayer un chemin dans les charts.
Contrairement aux autres morceaux la production est plutôt sobre mais le contraste avec la rugosité de Journal For Plague Lovers est frappant. Postcards est une avalanche de cordes et de chœurs parfois très bien intégrés (Some Kind Of Nothingness), parfois ridicules (The Future Has Been Here Forever, titre chanté par Nicky et par conséquent considéré par 90% des fans comme la chanson-blague de l’album), l’ensemble est clairement taillé pour le live et le public ne manquera pas de handclapper à l’unisson.

Absolument jubilatoire, Some Kind Of Nothingness (en duo avec Ian McCulloch des magnifiques Echo And The Bunnymen) a tout du potentiel futur single avec sa montée en puissance irrésistible et ses chœurs qui donnent envie de chanter à plein poumons avec 10000 personnes. En revanche l’effet est tout de suite moins réussi sur Postcards From A Young Man qui démarre plutôt bien mais dont la fin absolument risible pourrait servir de générique à une émission de TF1 où Nikos Aliagas crierait, en larmes, «Croyez en vos rêves! Cette aventure, ce n’est que du bonheur!». Sérieusement, entendre James hurler «I will not give up and I will not give in» sur fond de cordes et de gospel n’a rien d’épique mais l’instant risque d’être particulièrement savoureux en live.
Globalement les chansons de Postcards sont d’agréables ritournelles qui se sifflotent sous le soleil (Hazelton Avenue, I Think I Found It et sa mandoline Gigi l’Amoroso plutôt rigolote, Golden Platitudes dont les lalalala feront mouche en concert) ou bien des morceaux «sautons joyeusement sur le lit tels des champions de air guitar» (A Billion Balconies Facing The Sun, Don’t Be Evil). Rien ne bouleverse, rien ne transcende et malheureusement presque la moitié du disque est plutôt anecdotique, un peu comme un chocolat viennois avec une montagne de crème chantilly mais un cacao un peu fade.

Ceux qui s’attendent à un disque facile d’accès et divertissant seront ravis. Mais si l’on considère que les Manics comptent sur cet album pour revenir sur le devant de la scène, alors la réussite est loin d’être totale. Sans doute suis-je un peu trop pessimiste mais il me semble que l’arme fatale pour arriver en tête des charts s’appelle un tube, or je n’en vois aucun dans ce disque hormis peut-être Some Kind Of Nothingness. Il y a bien quelques chansons accrocheuses mais aucune ne me semble assez solide pour être un futur hit et une débauche d’arrangements ne remplacent pas une grande mélodie. Motorcycle Emptiness ou A Design For Life avaient tout, un refrain mémorable, une écriture superbe, un texte marquant et il suffit de voir la réaction du public durant les concerts pour comprendre que ces morceaux sont intemporels.

James Dean Bradfield explique clairement que les textes de Richey ne l'inspirent pas de la même manière que ceux de Nicky et encore une fois la différence est flagrante. Jamais James et Sean ne sont aussi bons que lorsque les textes tarabiscotés de Richey les poussent dans leurs derniers retranchements. Leurs compositions sont en général percutantes et dépouillées de tout effet inutile, le chant de James transpire l’agressivité ou la mélancolie. Richey n’était pas un musicien mais un auteur et se préoccupait peu des «règles» de compositions. Nicky, beaucoup plus traditionnel, ne les oblige pas à écrire une mélodie à partir d’un texte qui n’a rien d’une chanson et c’est peut-être ce relatif confort qui rend leurs albums post-Edwards plus accessibles, plus communs.

J’aime les Manics pour leur légendaire prétention et leur carrière totalement incohérente. C’est un groupe bourré de défauts qui semble ne jamais savoir où il va, un groupe capable de passer de l’innocente mélopée à la noirceur la plus poisseuse et c’est précisément pour cette raison que les suivre au fil des années est si excitant. Dans un an Nicky Wire nous dira sans doute qu’il déteste ce disque et que le prochain sera un mélange entre le garage des années 60 et le folklore péruvien. Quant à nous, nous continuerons d’aduler ces glorieux gallois qui mettent un peu de couleurs et de joyeux n’importe quoi dans un paysage musical franchement morose.

Postcards From A Young Man, en vente le 20 septembre.

Tournée britannique du 29 septembre au 2 novembre (NB : on y sera !)

Manic Street Preachers : site officiel, Myspace.

Interpol - Interpol

2010-09-11T01:49:00.003+02:00

Si je devais faire un classement des trois choses les plus tristes du monde, la liste donnerait quelque chose comme ceci:

1/ Rayer son vinyle préféré.
2/ Réaliser que le TARDIS n’existe pas.
3/ Assister impuissant à la dérive de ses idoles de jeunesse.

Nous avons découvert Interpol il y a presque une décénnie avec le sublime Turn On The Bright Lights, un album d’une classe folle évoquant les plus belles heures de la new wave. «Joy Division du pauvre! Imposteurs!», crièrent les rabat-joie. Peu importe, pour les fans l’avenir semblait radieux et la plupart eurent la chair de poule à la sortie de Antics deux ans plus tard, disque qui confirma tout le bien que nous pensions de l’élégante formation new-yorkaise. Et soudain les choses commencèrent à sentir le pâté périmé. Sorte de version ratée de ses prédécesseurs, Our Love To Admire montrait un groupe moins inspiré, presque prisonnier de son propre style. Cette petite erreur de parcours marqua pourtant le début d’une longue et douloureuse débâcle: entre l’album solo de Paul Banks franchement moyen (Julian Plenti Is... Skyscraper) et le départ de Carlos Dengler, éminent bassiste aux allures d’aristocrate bavarois d’un autre siècle, il y avait de quoi paniquer. Ceux qui s’attendaient à un retour en grâce risquent de s’arracher les cils à l’écoute de ce nouvel album éponyme pour le moins éprouvant.

J’aimerais sincèrement pouvoir tempérer mon discours mais je crois hélas que nous tenons là le Waterloo de l’année 2010, une lutte entre quatre musiciens combattant le manque d’inspiration avec des fléchettes alors que l’ennemi prépare les canons. Interpol fait partie de ces disques dont on n’a toujours rien retenu après plusieurs écoutes, il n’y a tout simplement pas de chansons, pas de vision, pas d’ambition. Le travail de composition semble inexistant et plombé par le chant sans nuance de Paul Banks, un comble pour un groupe dont la voix de leur chanteur était un de leurs atouts. Oubliés les refrains entêtants, les superbes lignes de basses vrombissantes qui donnent des frissons, les ambiances tantôt feutrées, tantôt menaçantes. On comprend mieux pourquoi la moustache de Carlos a préféré se faire la malle à la fin de enregistrement.

Évidemment certains nous diront «mais ici le groupe cherche à créer une atmosphère, un truc moins accessible», discours généralement employé pour ne pas admettre la faiblesse d’une mélodie. Effectivement un titre comme All Of The Ways dégage quelque chose d’oppressant et presque terrifiant mais le reste est d’une inconsistance désarmante et sonne vide, comme un puzzle auquel il manquerait des pièces. Ce n’est même pas une œuvre malade, c’est à dire une œuvre pas totalement mauvaise mais qui aurait pu être bien meilleure, c’est un album pénible, sans idées et ennuyeux au possible, long comme un cours de maths un lundi matin.
Pire encore, une fois la galette terminée je n’eus aucune envie d’y revenir, comme s’il n’y avait même pas une subtilité à découvrir, un trésor caché qui m’aurait échappé et qui se révèlerait au fil des écoutes. Quitte à être sévère jusqu’au bout je me demande si le groupe croit réellement en son travail tant il me semble inconcevable que des types ayant écrit The New ou Obstacle 1 trouvent un quelconque intérêt à ces nouvelles chansons.

Comment Interpol a-t-il pu en arriver là? Je me souviens des heures passées à écouter Stella Was A Diver And She Was Always Down ou Take You On A Cruise. Je me souviens du génial concert au Printemps de Bourges le 23 Avril 2005, de l’interprétation incroyablement tendue et intense de Roland et des bonnes tranches de rigolades en lisant certaines paroles de Paul Banks. C’était pour moi un groupe qui comptait même si je savais bien que leur place dans l’histoire du rock resterait minime.
J’éprouve toujours la même émotion dès les premières notes de Turn On The Bright Lights huit ans après l’avoir découvert, je ne me suis jamais lassée des deux premiers albums que je connais par coeur depuis si longtemps. Ces disques ne sont pourtant pas des chefs-d’oeuvre intouchables ni des disques majeurs mais les chansons laissaient entrevoir un grand talent, les plus optimistes pensaient avoir affaire à un groupe capable un jour d’écrire un album somptueux à la fois sombre et lumineux, quelque chose digne, au hasard, de Pornography des Cure. Mais Interpol sonne comme la dernière cartouche d’un groupe épuisé qui ne sait plus quoi faire pour rebondir. Peut-être vont-ils y parvenir mais aujourd’hui personne ne serait surpris de les voir splitter dans quelques mois.

Ceux qui ont vécu l’explosion du groupe en 2002 seront sans doute les plus affectés par cette débandade. Pour ma part Interpol restera éternellement lié à cette période où toute une bande de jeunes découvrait le rock. Nous avions enfin nos groupes, des musiciens dont les chansons et le style nous parlaient beaucoup plus que tout le reste. C’était l’époque de nos premiers concerts et une période bénie pour les fans de rock indé, en particulier 2004 et 2005: Kasabian, BRMC, Bloc Party, Arcade Fire, Warlocks, Rakes, Kills, Patrick Wolf, Franz Ferdinand etc sortaient tous d’excellents albums et le public attendait avec impatience de voir ce que l’avenir réservait à ces nouveaux talents.

Espérons qu'Interpol ne s’ajoutera pas à la longue liste des groupes surestimés après un début de carrière éclatant, après tout ce disque n'est peut-être qu'un accident. Si le meilleur est définitivement derrière eux, prions pour qu’ils prennent la bonne décision et se lancent dans de nouveaux projets plutôt que d’enterrer le cadavre une nouvelle fois. En attendant des jours meilleurs nous nous contenterons de réécouter Turn On The Bright Lights, tisane à la main et pantoufles aux pieds en marmonnant: «Ah! C’était mieux avant»...

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Brother

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National Express, trottoirs et imprimé léopard: vis ma vie (intensément intense) de fan des Manic Street Preachers en tournée

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Morrissey & Marr: The Severed Alliance - Johnny Rogan

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REP*EAT Book